ARTÍCULO 1
LA EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO PRODUCTO CREATIVO DEL LENGUAJE VISUAL
REFLEXIONES ACERCA DE SU INTEGRACIÓN CURRICULAR
Autor: J. Delgado
v Resumen:
En este artículo hace mención acerca de tres ideas principales:
En la primerade ellas habla sobre “La educación artística o la pervivencia de una paradoja”.Comenta que solo el artista es creativo, y que el alumno no puede serlo ya que el profesor solo deja espacio para la imitación en las clases. Además, en cuanto a la Educación Visual y Plástica es una asignatura que se sitúa al margen del sistema educativo debido a la eficiente consideración en la sociedad acerca del arte y la escasa importancia que tiene esta asignatura con respecto a las demás. También señala que los docentes de Educación Artística no están bien preparados porque no adquieren una formación adecuada y generan desorden en los alumnos, en cuanto a los conocimientos que les transmiten.
En la segundaidea de este artículo hace referencia a la evolución que ha sufrido la educación artística desde antes de los años 70. Comenzando desde una actividad manual y siguiendo en ella tras la LOGSE. Después, gracias a Victot Lowenfeld y su libro “El Desarrollo de la Capacidad Creadora” realizado con el propósito de motivar al docente (facilitando recursos a los alumnos) y promover el desarrollo individual. Este fue un cambio substancial que solo unos pocos lo adoptaron. Más tarde, se realizaron talleres pero sin un objetivo claro. En los 80 y 90, los profesores optaron por una “disciplina artística” con objetivos específicos ya que se estaba volviendo a lo imitativo en lo referente a este ámbito.
En la terceray última idea comenta el autor es acerca del futuro de la educación creativa a través del lenguaje plástico-visual. El lenguaje visual tiene que contemplar al ser humano y el medio en el que se encuentra. Ningún lenguaje es solamente artístico sino el fin con el que se pretenda. Gardner nos dice que todo aquel que quiera colaborar en lo artístico tiene que formarse y saber cómo ha de realizarlo. La reflexión implica una transformación para poder ser creativa. A los futuros docentes de Educación Plástica no se les enseña a motivar a los alumnos para que sean creativos. Todavía existen dos modelos de profesores:
- Solo enseñan técnicas plásticas.
- Técnicas creativas para sus alumnos.
v Opinión personal acerca del artículo:
En mi opinión, estoy de acuerdo con el artículo ya que esta asignatura aparenta estar mal considerada en la sociedad porque la mayoría la consideran de menor importancia que las demás. Creo que es indispensable al igual que todas las demás y no debería de infravalorarse. Además, a los futuros profesores no se les transmiten los conocimientos necesarios a para llevar a cabo con éxito sus clases.
Sin embargo, creo que no solo el artista puede llegar a ser creativo, la mayoría de nosotros podemos ser creativos en un ambiente y con los recursos adecuados.
Finalmente creo que todos los docentes debemos estar dispuestos al reciclaje permanente y no negarnos al progreso. Estoy de acuerdo con Eisner, es necesario guiar al alumno dentro de un ambiente adecuado a través de actividades estructuradas, pero siempre dejando margen para la creatividad de cada alumno. Es imprescindible un aprendizaje más exacto de los humanos para formar parte de él.
v Formas de llevar el tema al aula de Educación Primaria:
Esta asignatura la llevaría al aula de manera que los alumnos estuvieran motivados para trabajar, dando un tema y una estructura fija pero dejando espacio para la expresión libre. Primeramente hay que conocer cuáles son sus intereses, para a partir de ahí trabajar de la forma más cercana posible.
En cuanto a las actividades que se pueden realizar del lenguaje visual de acuerdo a:
- Interiorización – Recepción: la presentación de una imagen.
- Reflexión - Transformación: reelaborarla de forma personal.
- Expresión – Comunicación: Elaboración de la obra.
Esta actividad se podría realizar con todos los niveles de primaria. En los primeros ciclos se les guiaría un poco más hacia su elaboración que en ciclos superiores.
ARTÍCULO 2
EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACION DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO
EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACION DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO
Autora: Carmen Alcaide
Universidad de Alcalá
v Resumen:
Las universidades son imprescindibles para el progreso cultural, social y económico. Por ello, es necesaria la incorporación de nuevos modelos para cumplir todos los intereses de los ciudadanos.
Mediante el documento elaborado por el MEC La organización de las enseñanzas universitarias en España se suprimen las especialidades actuales. Con los nuevos modelos de enseñanza de Grado y Máster aparece la “Especialidad de Educación Artística” para que todo aquel que elija esta disciplina adquiera una formación de calidad, artístico-expresiva como pedagógica.
Dentro de las finalidades de la educación primaria en la LOE, una de ellas hace alusión a usar distintas representaciones y expresiones artísticas e iniciarse en la construcción de propuestas visuales.
Debido al entorno cultural en el que nos encontramos, son de gran importancia las Artes pero en cambio no se dispone de la adecuada formación estética en los niveles del sistema educativo. La formación artística adquiere menor tiempo que otras asignaturas aunque se situé contra los objetivos que se tratan de conseguir. También recae sobre los docentes ya que no poseen una adecuada formación inicial. Este es uno de los ámbitos principales de la situación de la Educación Plástica en la actualidad.
En la mayoría de centros escolares los métodos en los que se basan los profesores son mediante las editoriales, solo promoviendo la imitación y parece que esto no se puede modificar.
Surge el deber de adaptación al Espacio de Educación Superior para abrir nuevos Planes de Estudio unidos con las necesidades de los futuros profesionales. En cuanto a la Educación Artística, cuenta con una amplia ofertas de estudios desde distintas vías de acceso con el propósito de beneficiar el desarrollo artístico y pedagógico de los futuros profesionales de esta rama (Ciencias Sociales y Jurídicas).
La educación artística (plástica y música) va adquiriendo, poco a poco, la necesidad de la investigación y pedagogía propias de su materia. Para el progreso de la formación que deben adquirir los futuros docentes.
v Opinión personal acerca del artículo:
Bajo mi punto de vista, estoy en total aprobación con muchos puntos tratados en este artículo. La incorporación de la nueva especialidad de Educación Plástica me parece una idea muy acertada para una formación más específica en este ámbito. Sin embargo, creo que se debería de haber optado por esta posibilidad hace tiempo. Pienso que la actual situación en los centros escolares frente a esta asignatura no sea la correcta para logarla con éxito, no se debería de ceñir solo a los libros de texto ni a imitación porque la creación y libertad del niño se está coartando. Gran parte de ello, sin duda, es debido a la falta de preparación que reciben los docentes en sus años formación universitaria.
Me sitúo a favor del progreso y la mejora de la educación innovadora con nuevas propuestas. Creo que se debería de “enseñar a enseñar” a los futuros docentes no solo a la transmisión de conceptos y conocimientos que también son necesarios pero en su justa medida. No me parecen adecuados los antiguos requisitos para acceder a estudios universitarios sobre arte, ya que si no tenias “talento” no podías acceder a ellos.
Por último, creo que es necesaria la formación específica de estudio de una especialidad y su investigación continua sujeta a cambios de innovación para la mejora de la práctica docente.
v Formas de llevar el tema al aula de Educación Primaria:
La expresión plástica se debería de llevar al aula de primaria como una asignatura motivadora, experimentando con distintos materiales con varias texturas, fomentando la autonomía y libertad fomentando el aprendizaje por descubrimiento y significativo. En último lugar, se podría trabajar mediante talleres o proyectos, dejando a un lado los libros de texto.
ARTÍCULO 3
EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CULTURA. UN PROYECTO DE DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LA FORMACIÓN INICIAL DEL PROFESORADO
EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CULTURA. UN PROYECTO DE DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LA FORMACIÓN INICIAL DEL PROFESORADO
Autor: Alfredo Palacios Garrido
Escuela Universitaria Cardenal Cisneros
Universidad de Alcalá de Henares
v Resumen:
En la formación que adquieren los estudiantes de Magisterio en Educación Plástica se tratan contenidos del arte y de didáctica, intentando la mayor relación entre ellos. La metodología de trabajo mediante proyectos puede ser favorable para el alumno facilitando su asimilación y la reflexión entre cultura y arte.
En los centros escolares, las actividades que se realizan en Expresión Plástica son aisladas y no poseen relación. Esta asignatura posee el currículo en espiral, por lo que la mayor parte del tiempo se tratan los mismos contenidos, aunque se debe de ir profundizando poco a poco en ellos. La mayoría de veces solo se repiten debido a la sobrevaloración de la creatividad y la falta de formación por parte del profesorado.
Aunque el aprendizaje del arte es algo muy complejo, organizar la asignatura por proyectos y métodos globalizadores puede que sea una idea positiva desarrollando la motivación de los alumnos. Para llevar a cabo la evaluación de esta metodología se evaluará todo el proceso. No obstante, la asignatura de Educación Plástica tiene muy pocas horas lectivas en comparación con las demás.
Este artículo nos muestra un ejemplo de proyecto que realizaron con un grupo de estudiantes sobre “Arte primitivo” pueblos de África, Oceanía o Australia, para conocer más sobre temas nuevos que incentiven el interés (duración dos meses aproximados). Se partió de lo anteriormente aprendido; grafismo, color y composición, a través de imágenes de arte africano. Por grupos, tenían que buscar información teórica y visual trabajando con pinturas a través de pigmentos relacionando arte y cultura, promoviendo la Pedagogía Critica y la Educación Intercultural. Primeramente, tenían que realizar bocetos para después realizar el definitivo para exponerlos en clase. La evaluación se centró en asimilar rasgos de estas culturas, la adecuación de elementos plásticos, entre otros. En la actualidad, el trabajo a partir de obras de arte es un procedimiento habitual en Educación Artística. El resultado fue positivo, los estudiantes se motivaron y aprendieron mucho sobre temas que no conocían.
v Opinión personal acerca del artículo:
Mi opinión acerca de este artículo es que es necesaria la relación entre arte y didáctica para una mayor adecuación en la formación de los futuros profesionales de la enseñanza. Estoy a favor, y siempre lo he estado, de la metodología del trabajo a través de proyectos, ya que es un recurso muy útil que abarca cantidad temas, aunque se parta de uno inicial, y se aprende mucho existiendo una motivación por lo desconocido y ganas de trabajar.
Por el contrario, opino que convendría modificar el currículo para que las actividades que se realicen tengan relación entre ellas, para evitar que el alumno se descentre y por lo tanto una menor calidad educativa. Creo que se debería de empezar por mejorar la formación de los docentes dotándolos de recursos para utilizar en el aula.
v Formas de llevar el tema al aula de Educación Primaria:
Para poder llevar este tema al aula de Educación Primaria modificaría algunos objetivos, procedimientos y evaluación llevados a cabo con los estudiantes de magisterio. Como objetivos integraría los siguientes:
1. Relacionar diferentes colores con varias texturas y diversas líneas.
2. Desarrollar un análisis visual entre contenidos, formas y dibujos u otros aspectos trabajados anteriormente en clase.
3. Potenciar conocimiento de manifestaciones artísticas diferentes a las de nuestro entorno geográfico y cultural.
4. Mostrar una metodología didáctica globalizadora.
En cuanto al procedimiento, comentar en qué consiste la actividad; mediante grupos de cuatro personas escoger un grupo étnico (pueblos de África, Oceanía y Australia) para conocer sus características. Mediante las TICS buscaremos información sobre estos grupos (imágenes, principales manifestaciones…) a través de ellas seleccionaran en un boceto lo que quieran mostrar de cada grupo, poniéndose de acuerdo, para después realizar el definitivo mediante distintas texturas, colores, manos…
Puede ir dirigido a todos los niveles de primaria, pero en los primeros niveles el profesor les ofrecerá más ayuda que a los niveles superiores.
La evaluación consistirá en presentar en clase a todos los demás compañeros que han querido transmitir en su trabajo comentando las características de su grupo étnico. El profesor evaluara a cada grupo en función del procedimiento (interés, motivación…) y el resultado final (adecuación entre ellos).
Podrán surgir temas a partir de estos grupos que serán resueltos tras su búsqueda de información y puesta en clase. Esto enriquece a todo el proceso, ya que este proyecto ha generado la comprensión de la realidad y por lo tanto la utilidad del arte en la educación.
Tema 2: La apreciación plástica de estilos Artísticos. La necesidad de juicios críticos
Artículo 4
Historia del Arte: El arte y los artistas
Autor: E. H. Gombrich
v Resumen:
El Arte no existe verdaderamente, ha de ser un fantasma y un ídolo. Este consigue representar muchas unidades diferentes. Puede que para algunas personas un paisaje pueda resultar bonito porque le recuerde a algo personal o ambiente familiar, o contrariamente no gustar, todo forma parte de los gustos de cada persona. Algunos prefieren los cuadros y esculturas que dejan algo por descubrir, y otros en cambio, los prefieren llenos sin dejar espacio para el pensamiento.
Los gustos también pueden desarrollarse, mediante el tiempo, deseos… para lograr distinguir que mezcla escoger. Además, nunca se acaba de aprender acerca del Arte. Cada vez que se contempla una obra se aprenden cosas nuevas.
Belleza y expresión en cuanto a una pintura se refiere, reside también en la impresión que cause al receptor y condicionada por sus gustos. Para conocer realmente el modo de sentir de una obra tenemos que conocer el procedimiento que ha empleado el artista hasta llegar a completar la obra. Solo cuando comprendemos lo que el artista quiere transmitir realmente se entiende.
Muchas personas realizan quejas en cuanto al arte moderno, sobretodo en distorsiones de la Naturaleza. Expone en el texto que todo aquel que haya visto una película de Disney podrá saber que el ratón Mickey no es perfectamente un ratón sino una aproximación de lo que su autor ha querido reflejar en ese personaje. Asimismo, estas personas no realizan quejas hacia Mickey, pero cuando entran en exposiciones si realizan críticas a pinturas modernas. Los autores tienen conocimientos suficientes para dibujar perfectamente, si no lo realizan así es porque quien transmitir otros sentimientos. Los pintores también se pueden equivocar en cuanto a su percepción de la realidad. Estos, quieren ver el mundo con un nuevo modo de mirar como si acabasen de llegar de otro lugar y no conocieran la realidad. No tiene por qué ser siempre el cielo azul o la hierba verde. El artista realiza formas y matices casi imperceptibles, su labor es muy compleja (tiempo y esfuerzo).
v Opinión personal acerca del artículo:
En mi opinión sobre este artículo, creo que el arte es subjetivo en cuanto a cada persona, de acuerdo con sus preferencias, sentimientos….influyendo varios factores. Muchas personas solo aceptan como arte aquello que más se acerca a la realidad. Creo que están equivocadas y de acuerdo con el texto, no todo lo que sea exacto a la realidad es lo correcto. Pienso que lo abstracto, lo que realmente te puede transmitir un cuadro es extraordinario, poder captar lo que el autor ha querido transmitir o tu propia concepción de ello, no solo la realidad. Me aporta más conocimiento un cuadro con apropiación del autor que una realidad, porque esta última no deja espacio a la reflexión.
En el texto se hace alusión a un ejemplo muy acertado en cuanto a la consideración de los dibujos de Disney. La consideración que el autor realiza de la realidad no es criticada por su gran aceptación social, pero otras obras de Arte sí. Bajo mi punto de vista, se refiere a lo mismo, pues en las dos el autor hace una representación de la realidad según sus ideas y sentimientos. Se debería de apreciar el arte moderno y dejar atrás estereotipos inciertos.
Por último, me gustaría destacar que me parece muy acertada la idea de los nuevos artistas de mirar el mundo como si se acabara de llegar a él, combinando colores y formas sin atender a ninguna regla fija.
v Formas de llevar el tema al aula de Educación Primaria:
Esta actividad va dirigida hacia el segundo ciclo de Primaria. Para llevar este tema al aula presentaría dos imágenes; una objetiva y otra subjetiva, dejando espacio para que los niños reflexionen y den sus opiniones acerca de estos dos cuadros. Seguidamente, la profesora explicará que la primera es la que más se aproxima a la realidad, en cambio, la segunda es una adaptación de lo que el autor ha querido transmitir. Para finalizar, los niños plasmarán sobre el papel a modo de dibujo las ideas y sentimientos que han experimentado tras su observación de estos cuadros, explicándolos a los demás.
Artículo 5
La belleza como proporción y armonía
Autor: Umberto Eco
v Resumen:
Este artículo hace alusión a siete ideas:
La primera de ellas, “El número y la música”, nos habla que la belleza es asemejada desde la antigüedad con la proporción. En la Grecia antigua, los filósofos afirmaban que el origen de la realidad estaba en el agua, en el infinito o en el aire. Pitágoras afirmó que el principio de las cosas estaba en el número. Los pitagóricos son los primeros que estudian las relaciones matemáticas al regular los sonidos musicales.
La segunda, “La proporción arquitectónica”, refiere a las relaciones que regulan las dimensiones de los templos griegos y los intervalos musicales. El número cuatro se convierte en sinónimo de fuerza, justicia y solidez. Humanismo y Renacimiento son épocas en las que se produce un retorno del platonismo. El principio de proporción vuelve a aparecer en la arquitectura como alusión simbólica y mística.
En la tercera, “El cuerpo humano”, comenta el autor que la armonía es el equilibrio entre contrastes. El artista del S. VI representaba la belleza hablada por los poetas, mediante piedra, atendiendo a la justa proporción y simetría. Los antiguos decían que tal y como era la naturaleza tenía que ser el arte. El número cuatro se convierte en el número central y el número cinco también, al estar lleno de correspondencias secretas.
En la cuarta idea, “El cosmos y la naturaleza”,la tradición pitagórica, alma y cuerpo del hombre tienen las mismas reglas que regulan los fenómenos musicales, están en armonía del cosmos. En la Edad Media, se desarrollarán una infinidad de variaciones sobre este tema de la belleza musical del mundo. El cosmos es una especie de unión continua hecha de consenso recíproco entre las cosas.
En la quinta, “Las otras artes”, refiere al equilibrio que ha adoptado la estética en formas complejas. Todos los tratados de artes figurativas revelan la ambición de las artes plásticas de ponerse al mismo nivel matemático que la música.
En la sexta, “La adecuación al fin”, comenta Tomás de Aquino que para que haya belleza hace falta proporción, integridad y claridad. La belleza es colaboración mutua entre las cosas.
Y por último “La proporción en la historia”. Al observar expresiones del arte medieval y compararlas con modelos del arte griego, puede resultar complicado poder encarnar criterios de proporción. Platón consideraba el arte como una imitación imperfecta de la naturaleza. Boecio afirmaba que el músico era el que sabía las reglas del mundo sonoro y el intérprete era considerado como un esclavo. Conforme han ido pasando los siglos, la belleza de la proporción ha cambiado, ahora se pretende una más exacta. La argumentación dieciochesca de Burke adopta una postura en contra de la proporción. Para que se produzca este cambio en las artes será necesario que el mundo sea considerado menos exacto.
v Opinión personal acerca del artículo:
Bajo mi parecer, la belleza ha sido uno de los conceptos que más interpretaciones ha tenido a lo largo de la historia. Un ejemplo de esto, son las diferentes concepciones que existen de la belleza de la mujer a lo largo de los siglos. En la antigüedad la belleza de la mujer estaba vinculada con la obesidad, por el contrario, ahora, la belleza se relaciona con el polo opuesto. Con esto quiero decir que no existe, ni existirá, un criterio fijo y unánime para designar tanto a la belleza como a otros conceptos del arte.
v Formas de llevar el tema al aula de Educación Primaria:
Esta actividad va dirigida hacia el tercer ciclo de Primaria. Para llevar este tema al aula presentaría varias obras de arte que han recibido muy buena crítica. Unas de ellas serán de siglos pasados y otras de la actualidad. La maestra le mostrará los cuadros y le preguntará su opinión acerca del más bello y bonito y que digan las razones por las que los consideran así. Después, la maestra explicará que el concepto de belleza es subjetivo de cada persona, viniendo condicionado por la historia y el contexto social de cada época.
Al acabar esta actividad, los niños elaboraran su propio boceto de lo que ellos consideran belleza en una pintura. Finalmente, la profesora los recogerá y repartirá uno a cada alumno (no quedando ninguno con el suyo propio). Individualmente explicarán al resto de compañeros que opinan acerca de ese dibujo.
TEMA 3
Modos de ver
John Berger
vResumen:
Es cierto que la vista llega antes que las palabras y, por lo tanto, el niño mira antes de comenzar a hablar. Explicamos el mundo con palabras, pues nunca se ha establecido la relación entre lo que vemos y lo que sabemos.
Lo visible no es más que el conjunto de imágenes que el ojo crea al mirar. La televisión, fotografía, cine, video y los modernos ordenadores nos han permitido ver imágenes nunca vistas de tiempos pasados. La cámara mostraba que el concepto de tiempo que pasa era inseparable de la experiencia visual. También al reproducir una pintura, destruye la unicidad de su imagen.
En los setenta, John Berger, en su programa de televisión Modos de ver utilizó la pantalla de televisión para mostrar el poder de las cámaras. Este programa trataba de un silencio necesario para que las pinturas hablen y el espectador pueda oírlas.
A partir de este programa se realizó un libro con cinco autores, el principal objetivo fue iniciar un proceso de averiguación. Lo que sabemos o creemos afecta al modo de ver las cosas. Además, nuestra visión está en continua actividad, aprendiendo las cosas que se encuentran en nuestro medio. Nosotros vemos las cosas y aceptamos que podamos ser vistos por los demás. Toda imagen representa un modo de ver, el modo de ver de un fotógrafo se refleja en su elección del tema. Las imágenes son más precisas y ricas que la literatura. Cuanto más imaginativa es una obra, con más profundidad nos permite compartir la experiencia que tuvo el artista de lo visible.
La seducción es la acción que los cuadros ejercen sobre nosotros. Lo aceptamos en la medida que corresponde a nuestra observación de las personas, los gestos, los rostros y las instituciones. La mistificación consiste en justificar lo que serie evidente de otro modo. Hals fue el primer retratista que pintó nuevos caracteres y expresiones creados por el capitalismo.
La National Gallery vende más reproducciones del cartón de Leonardo que de cualquier otro cuadro de su colección. La mayoría de la población no visita los museos de arte, tal y como muestran las gráficas.
Un cuadro presta su autoridad a su autor. Los cuadros reproducidos tienen que defender su propia verdad contra la de toda otra información que se transmite continuamente. Cuando se deje de mirar nostálgicamente el arte del pasado, sus obras dejaran de ser reliquias sagradas, pero volverán a ser lo que fueron antes de que llegaran las reproducciones.
Las artes visuales han existido siempre pero de cierto modo, al principio este era mágico o sagrado y también físico. Este ha cambiado su carácter para convertirse en social (cultura dominante). Los modernos medios de reproducción han destruido la autoridad del arte. Muy pocas personas son conscientes de lo que ha ocurrido por los medios de reproducción. El arte del pasado ya no existe como existió, ahora es una cuestión política. Un lenguaje de imágenes ha ocupado su lugar.
vOpinión personal acerca del artículo:
Estoy de acuerdo con el texto, el arte ha cambiado, ya no se aprecia tal y como es, sin ayuda de ningún medio. El lenguaje visual domina esta sociedad, y nos impulsa a tener una concepción de los objetos distinta. Pienso que está condicionado todo lo que vemos por nuestro conocimiento y experiencia.
Los medios audiovisuales a veces atentan sobre las obras. Se debería de suprimir este efecto y fomentar el acceso a la cultura, visitar museos para poder contemplar y sentir verdaderamente lo que transmite una obra real. Tal y como muestran las gráficas, solo las personas con más estudios visitan más frecuentemente museos. Es difícil que casi todas las personas obtengan estudios superiores pero creo que es el mejor medio para conseguir una mayor cultura.
TEMA 4
ARTE, EDUCACIÓN Y CREATIVIDAD
Juan Carlos Araño Gisbert
Universidad de Sevilla
vResumen:
Este artículo comienza haciendo referencia a la creatividad artística como si hubiera estado siempre presente, pero no ha sido así. Además, este autor dice tener duda sobre la existencia de la creatividad en las artes plásticas.
Cada grupo de personas posee una identidad cultural dependiendo del medio en el que habita, tales como conductas, actitudes, valores y normas propias. El principal objetivo de la educación reside en el conjunto (conocimiento) y es imprescindible saber enfocar la cultura desde distintas perspectivas.
La característica del hombre es su obra, lo que produce (en condiciones históricas y sociales). Se puede considerar Arte a un fenómeno cultural, universal que conmueve a las personas. El artista transmite mensajes a la sociedad. Existen dificultades para definir el arte según distintos campos, por ello, se da una idea amplia.
El problema de la Educación Artística surge al ser un área bastante extensa en la que cada persona la emplea según sus intenciones o capacidades. En la escuela, a los niños se les transmite que el arte son actividades y productos que se contradicen a lo no artístico. Los profesores enseñan a los infantes mediante su visión personal y de ellos depende la experiencia que reciben los niños.
Existe una nueva concepción, la Educación Artística como Disciplina, que reflexiona sobre el arte como una forma de conocimiento humano, para formar artísticamente a los alumnos y que adquieran una cultura.
Define educación como el desarrollo de la persona en contacto con su entorno (experiencia)y dependiendo de su estructura biológica y psicológica. Cada persona percibe la educación artística de maneras diferentes.
El autor hace referencia al aprendizaje significativo, basado en la teoría del aprendizaje constructivista de Ausubel en el que el aprendizaje aparece incorporando la información nueva a los esquemas previos que posee la persona.
El arte es una actividad humana que la persona interviene, reproduce ideas, experiencias, obtiene placer…existen dos verdades: objetiva y subjetiva.
En cada siglo se ha entendido el arte y la creatividad con significados distintos, pero cada uno ha condicionado al siguiente. Durante mil años el concepto de creatividad no existió. En la época cristiana surgió el concepto de crear (atributo exclusivo de Dios). En el siglo XVI, apareció el término de genio (ausencia de libros o teorías). En el siglo XVIII, surgió creatividad unido a la imaginación. En el siglo XIX, creatividad ligado a la Psicología. En la actualidad, se está aplicando a todos los campos y ha constituido un problema.
La creatividad incluye innovación. Muchos especialistas la definen de manera muy distinta pero todos coinciden en que es algo creativo, distinto, novedoso. En un trabajo no es actividad simple, sino que tiene distintos niveles y tipos (conducta que no acepta límites, inventiva, que supera límites y organizadora estética). Para finalizar, el arte tiene dos valores básicos, la búsqueda de la verdad, y la creatividad (inventada por el hombre).
vOpinión personal acerca del artículo:
Estoy de acuerdo con el artículo, pues el concepto de arte y creatividad son difíciles de definir pero tienen muchas características comunes. En cambio, al comienzo del artículo el autor hace referencia a tener dudas de la existencia de la creatividad, yo no tengo duda existe, pues el ser humano puede crear mediante sus sentimientos, ideas..
La Educación Artística en el colegio, se debería de adecuar a las nociones previas de los alumnos y sus etapas de desarrollo, al contario que como dice el texto. Hay que tener claros los objetivos que se pretenden y comunicarlos a los alumnos.
Considero que es muy importante la nueva concepción, la Educación Artística como Disciplina, ya que es imprescindible formar artísticamente a los alumnos y que adquieran una cultura. Por todo lo demás estoy de acuerdo con el artículo.
En el aula de educación primaria trabajaría con las texturas, los colores, las mezclas entre ellos, para que los niños puedan observan que la diversidad cromática es bella y puedan experimentar con ella. Adquiriendo con ello, nuevas sensaciones y experiencias cada una en su momento oportuno, con una explicación previa.
TEMA 5
HERRAMIENTAS DEL LENGUAJE VISUAL
vResumen:
El lenguaje visual se organiza en dos grupos de herramientas que construimos los significados de los mensajes. Las herramientas de organización son las que las representaciones visuales no tienen una lectura cerrada. Para estructurar los mensajes es muy importante conocer sus características.
Las herramientas de configuración constan de varios elementos:
- El tamaño: es lo primero que se debe de considerar. Son las dimensiones físicas del producto visual que se selecciona en relación con el espectador. Se divide en tres criterios: el impacto psicológico, el efecto de notoriedad y el criterio de comodidad.
- La forma: determina los límites exteriores del material visual, pueden ser formas orgánicas (habituales en el mundo natural) o formas artificiales (creadas por el hombre). Existen niveles de selección de los recursos formales entre ellos destacan: la forma del producto visual como objeto (forma y orientación del soporte), la forma del contenido del producto visual y la forma del espacio que alberga el producto visual (instalación).
- El color: herramienta visual cargada de información. Existen dos tipos de colores: colores-pigmento (cian, amarillo y magenta), se pueden tocar físicamente, y los colores-luz (rojo, verde y azul), de carácter intangible. Para transmitir un mensaje es imprescindible dominar tres aspectos relativos al color: luminosidad, saturación y temperatura. Se establecen cinco criterios para seleccionar el color: contenido simbólico, calendario comercial, contraste visual, identificación de la marca y con el público-objetivo.
- Iluminación: depende del tipo de iluminación que elige el autor en el contenido intrínseco y del tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde el exterior. Hay cuatro criterios para seleccionar la iluminación: tipo de fuente (natural o artificial), cantidad (claves altas o bajas), temperatura y orientación.
- La textura: la materia de la que está constituido un producto visual y la representación visual de cualquier materia. Dos tipos de textura: material del soporte y que se aplican sobre el soporte. Tres tipos de sistemas de representación de la textura: textura real, simulada y ficticia.
Las herramientas de organización son:
- Composición: construcción de un producto visual. Pretende transmitir un significado, ordenar las herramientas en función del mensaje que se quiere transmitir.
- La retorica visual: herramienta de organización que se utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Esta funciona mediante múltiples figuras retoricas: sustitución (metáfora, alegoría…), comparación (oposición, paralelismo…), adjunción (repetición, epanadiplosis…) y supresión (elipsis).
Finalmente, el autor comenta que aprender a ver es como aprender a conducir, es un proceso de forma consciente, lenta y sistemática.
vOpinión personal acerca del artículo:
Considero que es muy importante el lenguaje visual para la vida. El ojo humano en cada persona puede sentir diferentes sensaciones o apreciaciones de un mismo objeto. Las herramientas de configuración son muy significativas para el análisis de cualquier cuerpo que la vida nos presente. Por desgracia las personas ciegas no pueden disfrutar de todas ellas, solo de la textura, la forma y el tamaño. Aunque quizás si se le adaptaran las obras para que ellos pudieran conocerlas, con la ayuda de un educador sería lo mejor para aumentar su conocimiento y poder sentir lo que transmiten.
TEMA 6
La conquista de un concepto de la forma
La fase esquemática, de 7 a 9 años
vResumen:
Los niños desarrollan un símbolo satisfactorio para una persona y para los objetos que les son familiares. Los esquemas dependen de la visión que un niño posea de algo. El niño dibuja una imagen en el papel porque previamente la ha adquirido en su mente.
Hacia los siete años, la representación del cuerpo que haga un niño depende del conocimiento que posea de ellas. Dibuja los objetos estáticos frontalmente y los objetos en movimiento laterales. La línea básica nos muestra la relación que un niño tiene con el medio, aunque se puede utilizar para varias cosas (lugar donde descansan las cosas) y suele emplearla. A esta edad, el niño no tiene bien definido el concepto de tridimensionalidad del espacio.
Las producciones que los niños realizan nos muestran que noción tienen de esos conceptos, diversos puntos de vista, su experiencia, el mundo que le rodea y su interés, pueden incluir nociones de tiempo y espacio distintas (contar historias) e ideas valiosas acerca de su desarrollo. La lectura también nos refleja el proceso metal del niño. Los adultos podemos aprender mucho de las producciones de los niños.
El niño descubre que existe una relación entre el color y el objeto, dibuja el mundo de forma más objetiva, posee la capacidad de clasificar. Cada niño utiliza los colores para objetos personales. Les encanta descubrir mezclas con las pinturas. Todavía no son conscientes de que el arte es un medio de autoexpresión.
En la escuela primaria su actitud egocéntrica cambia, les gusta cooperar con los demás, se siente parte del medio y empatiza. El concepto de forma, espacio y color lo adquieren por repetición. En las aulas existen muchas diferencias individuales, existen niños que tienen un coeficiente intelectual muy superior, relacionado con el desarrollo físico y podremos esperar mayores logros artísticos.
Existen unos autores que afirman que el arte ayuda a la lectura, pero esa teoría carece de pruebas. El intentar mejorar la discriminación visual, coordinación motora no parece tener relación con la capacidad lectora infantil, en cambio, tiene un efecto positivo en los niños de seis a diez años.
Normalmente, los niños que tienen sentimientos negativos no disponen de ninguna persona que les ayude. Los sentimientos, emociones y las actitudes influyen en su educación. El arte facilita la liberación de emociones, ofrece la oportunidad de usar estas emociones de forma constructiva, ambiente libre de tensiones. Es muy importante el desarrollo perceptivo.
El docente debe utilizar un tipo de motivación dependiendo de los niveles educativos en los que se situé el alumnado. Tiene que estimular la conciencia, la atención de los niños y dar a todos la oportunidad de expresar sus intereses.
La experiencia artística tiene que proporcionar y animar a la expresión del niño, nunca se debe realizar un juicio moral sobre sus producciones. En cuanto a los materiales artísticos, se tienen que facilitar siempre. Se debe usar papel más grande para los niños más mayores. La arcilla estimula la mentalidad, gracias a su plasticidad.
vOpinión personal acerca del artículo:
Considero que es muy importante dejar a los niños que se expresen libremente, ya que a través de los dibujos podemos aprender mucho sobre sus pensamientos, su realidad fuera de la escuela. A los niños que poseen sentimientos negativos se debería de dar ayuda para que no sigan el camino con dificultades sino con alegría, y que aprendan de cada paso.La educación plástica es muy importante ya que desarrolla la capacidad mental y proporciona un medio para la expresión de sentimientos tanto para la persona adulta como para el niño. Por ello, es imprescindible su desarrollo adecuado en la escuela.
TEMA 7
Didáctica especifica de la expresión plástica
Teoría de la enseñanza artística
J.L. López Salas (1999)
vResumen:
Anteriormente el sistema de enseñanza en Educación Plástica se basaba en estudiar la geometría desde edades tempranas, además de sistemas de representación objetiva estudiados en secundaria. La didáctica que se empleaba era intuitiva basada en las experiencias del profesor, que corregía los ejercicios de los alumnos sobre la marcha.
En la actualidad, en Escuelas Superiores de Bellas Artes se han ido añadiendo otras materias de interés; además de dibujo del natural, anatomía artística, dibujo decorativo, entre otras, como la educación estética, investigación, diseño…
Eisner, profesor de arte americano, es uno de los teóricos más actuales, comenta que los objetivos del aprendizaje artístico son; el productivo, crítico e histórico y establece tres tipos de currículum (programas orientados al taller, diseño creativo y enfoques humanísticos o relacionados con las artes).
El profesor de Didáctica de la Expresión Plástica debe tener en cuenta las prácticas imprescindibles, sin olvidar los aspectos teóricos. Pero dirigido al ámbito infantil, se disponen varias orientaciones; la educación por el arte resultando beneficiosa para todos los aspectos de la actividad humana. La expresión plástica entendida como lenguaje, elemento globalizador y que transmite los hábitos creativos a todas las actividades humanas. Tradicional entendimiento de la actividad plástica comouna extensión de la artesanía y la tendencia actual orientada al diseño (aspectos técnicos de la industria, al sentir la necesidad de dibujar antes de producir). Educación de la visión artística, Eisner nos comenta que es necesario que el docente tenga en cuenta el medio en el que se encuentra inmerso el alumno y conocer a este último.
Actualmente, nos encontramos en la era de la imagen. Todos disponemos de cualquier información e imágenes, y la posibilidad de elaborar las propias. La necesidad de la educación artística se fundamenta por la cuestión histórica (necesidad del hombre por producir y disfrutar) y la cuestión biológica (el arte plástico es algo innato en el niño).
Las primeras civilizaciones conocidas son los imperios agrarios, como resultado de buenas cosechas. Las ciudades necesitaban estar dirigidas por un monarca. Los constructores siempre han querido que sus edificios fueran admirados por su belleza, fortaleza, adornados con pinturas y esculturas. El arte griego aportó el teatro para su disfrute. Los romanos produjeron un arte monumental conmemorativo y otro práctico como un arte ingenieril, destinado al servicio de la sociedad. El barroco se distingue por la individualización de la obra y la profusión de formas.
Los efectos psicológicos de las imágenes, formas y el color se comenzaron a utilizar en la segunda guerra mundial en propagandas nazis. Actualmente, se utiliza en medios audiovisuales y comunicación.La teoría de que la técnica lo es todo en la artesanía no invalida la necesidad de un soporte técnico para el artista, debe estar al servicio del arte no el arte a disposición de la técnica
Por último, la finalidad de a asignatura de Educación Plástica es producir artistas y proporcionar técnicas a los alumnos.
vOpinión personal acerca del artículo:
Estoy de acuerdo con el artículo ya que entre otras cuestiones, el mundo se paralizaría sin el dibujo. La decoración, imágenes, la belleza que nos proporcionan son imprescindibles al aportarnos placer y felicidad. Está más que clara la necesidad de enseñar y aprender Educación Artística, mejorando la técnica y formando a personas con conocimiento suficiente para emitir cualquier juicio sobre el arte. Yo creo que el niño comienza a dibujar porque satisface alguna de sus necesidades y siente placer.
TEMA 8
EL HIPERDESARROLLO DEL LENGUAJE
María Acaso
vResumen:
Este texto comienza estableciendo la diferencia de la educación artística con el resto de áreas, ya que el conocimiento de esta se genera por el lenguaje visual (es específico). Hace referencia a Gilles Lipovetsky y su última obra sobre la sociedad de hipersonsumo. El término mundo-imagen es motivado por el consumo-mundo, y está dominado por la demanda. Se trata de impulsar diariamente hacia comprar, en todas las edades.
En el artículo se comentan los grandes avances desde el inicio del siglo XXI, que han supuesto un antes y un después. Han influido tres factores; el desarrollo de la técnica, la especialización de los mensajes visuales y el desarrollo del hiperconsumo.
Cuenta el autor que hace muchos años no se imaginaba el gran avance de los móviles e incluso no parecía gustarle la idea. Actualmente, no podría vivir sin móvil. El desarrollo ha cambiado mucho la vida, debido a que antes no se podía llegar a imaginar que un móvil pudiera hacer fotos, videos… Desde el año 1827 hasta la actualidad, se han desarrollado grandes invenciones. Pero al hiperdesarrollo del lenguaje visual la que más ha influido ha sido el progreso del software (retocar imágenes).
José Playo aporta su opinión sobre el Photoshop. Los jóvenes solo ven en las revistas mujeres y hombres perfectos que solo hace que nos sintamos mal y no es real (ilusiones que no existen). Propone dejar de utilizarlo para retocar y darle un nuevo uso, como herramienta humorística.
Ya no se utilizan álbumes de fotos sino los discos duros que además de contar con gran almacenamiento tienen un coste más barato que los primeros, por lo que impulsa hacia su consumo (hiperdesarrollo del lenguaje visual). Esto ocurre en muchas personas, empresas… todos podemos hacer y rehacer imágenes.
Las actividades de violencia que ocurren en la sociedad son convertidas en espectáculo (acoso escolar). El lenguaje visual transmite lo que no se puede hacer con otros lenguajes. Livpovetsky afirma que existe una felicidad comercial (solo se es feliz comprando).
Vivimos dentro de una sociedad estresada y no poseemos paciencia, todo ello afecta a los estados de ánimo. La educación plástica tiene mucho que ver con la desconsolidación del mundo-imagen ya que la capacidad para absorber la información visual no es innata, se tiene que aprender.
vOpinión personal acerca del artículo:
Bajo mi punto de vista, estoy de acuerdo con el autor del texto ya que cada vez más esta sociedad en la que nos situamos nos demanda el consumo. Es indudable que se han desarrollado múltiples avances en los últimos años. Creo que en los próximos años se seguirá avanzando y se descubrirán nuevos objetos impensables.
Pienso que el progreso el Photoshop evita que veamos la realidad y por lo tanto no es de acuerdo con él, me parece buena la idea la que propone Playo de darle un nuevo uso. Personalmente, me gustan más los álbumes físicos que los discos duros, aunque estos últimos tengan más almacenamiento y menos coste.
Es cierto que la sociedad se ve impulsada a comprar por la publicidad, imágenes que incitan a ello, al hiperdesarrollo del lenguaje visual. Es más, no solo no consumen sino que necesitan exhibir sus compras a las redes sociales (sintiendo placer al realizarlo).
Es cierto que la sociedad se ve impulsada a comprar por la publicidad, imágenes que incitan a ello, al hiperdesarrollo del lenguaje visual. Es más, no solo no consumen sino que necesitan exhibir sus compras a las redes sociales (sintiendo placer al realizarlo).
No me parece adecuado el uso que se le da a las nuevas tecnologías para grabar, hacer fotos en actos violentos para que las demás personas lo puedan ver. La sociedad debería de rebajar el grado de estrés, sino todo contribuirá a un trastorno psicológico para las personas.
Como último punto añadiré, que la educación artística es muy importante para el desarrollo de los niños, y contribuir al aprendizaje del lenguaje visual.
TEMA 9
EXPERIENCIA
“Explora Guernica”: unir los sentidos para conocer la obra clave de Picasso. Un programa educativo de accesibilidad para personas con discapacidad visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Autor: S. González D´Ambrosio
vResumen:
En el Departamento de Educación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, siempre había existido iniciativa por acoger a personas con discapacidad interesadas en realizar actividades. El trabajo se inició al firmar un convenio con la Fundación ONCE y el Museo, en noviembre de 2005.
Este museo ha incorporado dos programas para personas ciegas, “Museo a mano” mediante la escultura y “Explora Guernica”actividad gratuita. “Explora Guernica” potencia el acercamiento a las obras de arte y el convencimiento de que deben ser accesibles a todos. La inclusión de las personas con discapacidad ha dado lugar al desarrollo de varias iniciativas que potencian su accesibilidad. Se potencia el oído y el tacto para descubrir el enorme mural (de siete metros y medio) pintado por Pablo Picasso. Este cuadro es un símbolo universal, que transmite ideas, conceptos y sensaciones.
Para poder transmitir esta obra a las personas con discapacidad visual era necesario contar con algún tipo de adaptación táctil para reforzar las explicaciones verbales, diagramas táctiles sobre papel microcapsulado (textura agradable). Se optaron por elaborar seis diagramas en A4, el más cómodo para personas ciegas.
El objetivo general de las sesiones educativas era impulsar el acceso al conocimiento y disfrute de las colecciones del Museo para las personas con discapacidad visual y la valoración de las artes plásticas, favoreciendo una aproximación plurisensorial. Cuenta con varios objetivos específicos; vivenciar la presencia del cuadro y reconocer a Picasso. Posee un objetivo metodológico; reconocer y familiarizarse con los códigos empleados mediante su discriminación a través del tacto.
Se realiza de manera individual o en grupos reducidos, favoreciendo un clima cercano. El educador se adapta a las necesidades de cada participante, teniendo en cuenta la edad, intereses, grado de discapacidad visual…
Las sesiones suelen durar dos horas y se estructuran en cuatro partes diferenciadas. En la primerade ellas, se visita la sala de exposición, donde se realiza una introducción sobre el Museoy sus colecciones. En la segunda planta del Museo se prepara a los visitantes para el encuentro con la obra y se formulan preguntas. En la segundase explica el cuadro, incidiendo en detalles, haciendo referencia a hechos cercanos logrando potenciar también los temas transversales. En la tercera se exploran los diagramas táctiles, necesarios para una descripción verbal de la obra. Cuando va dirigido hacia niños, se opta por figuras reconocibles. La figura del educador es básica. Y por último, los talleres creativos. Con grupos de niños consiste en el diseño de una flor a través de un collage con diversos tipos de papeles. En cambio, con jóvenes se crea un taller literario, elaborando un propio poema mediante la lectura de otro.
La valoración de esta experiencia ha resultado muy favorable y los sujetos han dejado comentarios añadiendo que hicieran accesibles más obras. Cada persona posee su propia valoración hacia la obra.
vOpinión personal acerca del artículo:
En mi opinión, me parece muy adecuada la experiencia propuesta por el Museo para personas con discapacidad. Es un gran avance que se incluyan en el aprendizaje de obras tan importantes. Debido a la gran valoración impuesta por los niños y personas con discapacidad se debería de seguir elaborando actividades y talleres para que conozcan más profundamente otras obras significativas del arte, sobretodo para aquellos que realmente estén interesados. Es muy gratificante enseñar a personas que no lo pueden hacer por sus propios medios y se deberían de adaptar más situaciones y aprendizajes a ellos, que muchas veces no se tienen en cuenta.
TEMA 10
Didáctica de la Expresión Plástica o Educación Artística
Ricardo Marín Viadel
vResumen:
La Didáctica de la Expresión Plástica (denominación oficial actual) es un área de conocimiento que estudia la educación artística y estética (Artes, Culturas y Comunicaciones visuales), las actividades formativas y educativas que se producen en las instituciones, técnicas para explicar, organizar una situación de enseñanza, aprendizaje del alumnado en edad escolar y en cualquier edad y grupo de personas, entre otras.
En las tendencias contemporáneas en DEP, surgieron grandes líneas de pensamiento gracias a los avances tecnológicos, como la Educación Artística Multicultural, Feminista, Medioambiental, Multimedia…
El desarrollo histórico de la DEP está formado por; la historia de formación de artistas y artesanos, dibujo en la escuela y formación artística del profesorado. En la Antigüedad, el aprendizaje se adquiría en un taller. El Renacimiento defendió las Bellas Artes como artes liberales, se vio necesaria una formación completa y se comenzaron a crear las primeras Academias. En los últimos años, ha habido un mayor auge de formación de artistas pero insuficiente.
La DEP se encuentra entre los fenómenos artísticos y los educativos y sobretodo, en el conjunto de ciencias humanas, sociales y naturales. Se encarga de estudiar lo relacionado con las imágenes y el arte. Los temas más frecuentes son; La Creatividad, El Dibujo, aprendizaje artístico, Educación Estética….entre otros. Las materias optativas de esta para los títulos oficiales de Maestro pueden aparecer de manera muy ocasional.
Las asociaciones de profesionales de educación artística son muy insuficientes, debido a que no existe una formación especializada. Los grandes avances de los últimos años (revistas mangas), exigen volver a plantear contenidos y criterios de evaluación en las actividades artísticas escolares.
La Educación Artística se encuentra en todos los niveles del sistema educativo. La LOGSE la incluyó por primera vez en el marco del sistema educativo. Existen abundancia de academias y centros artísticos. Son impartidas dos horas a la semana de esta asignatura durante doce años.
Uno de los pocos documentos de carácter normativo sobre la formación inicial del profesorado, lo publicó la NAEA estadounidense, organizándose en tres ejes; artes visuales, aportaciones de las ciencias humanas y sociales, experiencias prácticas sobre el aprendizaje artístico y prácticas profesionales.
Las fuentes documentales han cambiado en los últimos años debido a las nuevas tecnologías. Existen cinco procedimientos; se debe acudir a las bases de datos, a las principales revistas profesionales, asociaciones profesionales, publicación de libros y buscar en catálogos de las principales bibliotecas del mundo.
vOpinión personal acerca del artículo:
En mi opinión, la infravaloración de la educación artística en las instituciones, y en general, es debida a su desconocimiento, ya que si realmente se conociera el valor y las enseñanzas que se adquieren con su aprendizaje estaría mejor considerada. Es necesaria una formación más exacta de los profesores de Educación Artística en Primaria, ya que si sigue siendo insuficiente, no estemos formando a niños cualificados para su futuro. La formación del profesorado es imprescindible a lo largo de su vida, para alcanzar un mayor conocimiento por parte de los niños y acercándolo cada vez más a su vida cotidiana. Debe tener unas destrezas en lenguaje visual y verbal.Pienso que la Arteterapia, Museos y Galerías son un gran recurso para mejorar el aprendizaje en esta área del conocimiento desde una nueva perspectiva.
La distribución de los niveles educativos me parece adecuada. Bajo mi punto de vista, convendría de existir más asociaciones para la unión de estos especialistas. Se debería de reconocer la figura del profesor de Educación Artística y la creación de más asignaturas para su especialización.
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