Mariaje Hita

Tema 1: El docente y la Educación Artística




ARTÍCULO 1:

LA EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO PRODUCTO CREATIVO DEL LENGUAJE VISUAL. REFLEXIONES ACERCA DE SU INTEGRACIÓN CURRICULAR.

Juan Delgado y Elvira Martinez

Este artículo comienza con una importante paradoja que está presente en las aulas hoy en día. Si lo creativo y artístico son dos conceptos inseparables, ¿cómo es posible que en la enseñanza de la expresión plástica, los alumnos estén sometidos a un aprendizaje nada creativo y espontáneo?

La visión actual de la Educación Visual y Plástica es debido a dos causas. La primera es que dentro del curriculum, tiene una actividad marginal y señala dos claves: 

-La poca valoración social de lo artístico tiene una valoración social marginal

-La poca valoración pedagógica de los lenguajes expresivos en comparación a las áreas instrumentales o de “conocimiento”.

Y la segunda causa es, no considerar la actividad plástica como el producto de la utilización de un lenguaje. Esto se debe por la falta de preparación de los docentes en la Educación Artística y por la disparidad de criterios, la confusión conceptual, pedagógica y didáctica que existe. 

Necesitamos docentes formados en Educación Artística para poder desarrollar las competencias que contiene esta asignatura. Tenemos una carencia muy grande en el área y esto se debe básicamente a la falta de formación inicial de los maestros en áreas estético-expresivas. 

Este artículo nos muestra como la escuela limita la expresión individual del alumno favoreciendo la dependencia y la imitación frente a la divergencia y la creación. En mi opinión hay que hacer que los niños dibujen con espontaneidad y realicen trabajos intuitivos y nunca debe ponerse como ejemplo el dibujo de un niño/a ni compararlo con el de otro, pues cada uno tiene su experiencia personal y su forma de expresarla. Será distinto si utilizamos ese mismo ejemplo para comentar los diferentes trabajos y nos expliquen qué han querido expresar a través de él.

Tras la lectura de la evolución de la educación artística, me he dado cuenta que la transmisión de conocimiento es tan antigua como la propia humanidad. Para ello los docentes se han valido, en forma consciente o no, de métodos que se lo han permitido o impuesto. Debemos potenciar el modo de enseñar de manera que apliquemos procesos que desarrollen la creatividad de los niños y nunca ponerles limitaciones expresivas. Como docentes debemos ser conscientes de la extraordinaria importancia que tiene esta materia, ya que a través de ella dotamos a nuestros alumnos de las herramientas necesarias para desarrollar su creatividad. 

En definitiva únicamente podemos trabajar algo si estamos plenamente convencidos; y la asignatura de plástica, a mi humilde modo de entender, es una importante y maravillosa herramienta de trabajo encaminada a la autorrealización y creatividad del alumnado, por ello es fundamental una buena preparación durante nuestra formación como docentes y no sólo detenernos en enseñar modelos estereotipados. En mi opinión deberíamos de valorar la educación artística tanto socialmente como pedagógicamente, ya que se le suele dejar en un segundo plano y no le damos la suficiente importancia, respecto a las demás áreas de conocimiento en la etapa de educación Primaria.

Bibliografía:
- Delgado, J. (2012). La expresión plástica como producto creativo del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración curricular. La educación artística o la pervivencia de una paradoja. Recuperado de http://www.iacat.com/l-cientifica/Jdelgado.htm

ARTÍCULO 2:

EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO.

Carmen Alcaide, Universidad de Alcalá

En este artículo la autora, incide de nuevo en la mala formación artística de los futuros docentes y presenta el nuevo Plan Bolonia como la oportunidad perfecta para remediar esa mala formación mediante la creación de títulos propios como:

 -Grado en E. Artística: Plástica y musical.

 -Grado en E. Infantil con mención en E. Artística (doble titulación).

 -Grado en E. Primaria con mención en E. Artística (doble titulación).

 -Postgrado en Artes visuales

 -Postgrado en música.

Con estas propuestas, la autora pretende favorecer el desarrollo artístico y pedagógico de los educadores que hasta el momento, carecían de vías de formación universitaria en el ámbito educativo y global de las artes.

Cuantas veces nos hemos limitado única y exclusivamente a trabajar la asignatura de plástica con los cuadernillos de trabajo de las diferentes editoriales; unos mejores, otros peores, pero en definitiva todos son iguales.

La falta de formación nos lleva a una limitación de horas impartidas en las asignaturas tratadas. Es necesaria una adaptación del Espacio Europeo Superior, lo que sería una buena oportunidad de generar nuevos planes de Estudio más acordes tanto con las necesidades académicas como laborales actuales. En la actualidad, se afirma, que hay una demanda importante de estudiantes en cuanto a la educación artística, pero a su vez una escasa oferta. Finalmente los documentos nos ofrecen propuestas de títulos mediante los que se pretende proporcionar a los futuros docentes especialistas en artes, una educación interdisciplinar, favoreciendo su desarrollo artístico y pedagógico.

La conclusión de este tema es hacernos reflexionar sobre el mal planteamiento de las enseñanzas artísticas en el currículo de primaria, que deriva de una falta de consideración social y pedagógica equivocadas ( pues el arte es un gran recurso educativo) que se hace notar en la mala formación docente y e la falta de formación universitaria que serían la solución a este problema.

el arte. lejos de una mera reproducción de técnicas, es el empleo del lenguaje artístico visual para expresar sentimientos, emociones, etc.

Debemos promover la creatividad en nuestros alumnos enfocando su enseñanza en el qué y el para qué sin preocuparnos tanto del cómo. de esta forma les daremos a nuestros alumnos la oportunidad de expresarse libremente y de entender el arte como lo que es, una materia de aprendizaje y a la vez el vehículo para aprender otros conocimientos.

Bibliografía:

- Alcaide, C. (2007). Educación artística: propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de grado,. Nuevas propuestas de acción en educación artística, 21-28

ARTÍCULO 3:

EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CULTURA. UN PROYECTO DE DIDÁCTiCA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LA FORMACIÓN INICIAL DEL PROFESORADO.

Alfredo Palacios Garrido

En este artículo se relatan algunos de los problemas actuales de la enseñanza de la Educación Artística en Primaria, como por ejemplo que se trabajan actividades aisladas, descontextualizadas del entorno que nos rodea. También nos habla de un problema de un currículo en espiral, es decir, que año tras año se plantean las mismas actividades sin incrementar el grado de complejidad. Esto es debido a unas causas como por ejemplo, siempre se piensa que una actividad creativa, es en sí misma o tiene en sí misma un valor y por tanto, es difícil evaluarlo de forma objetiva, siempre se tiende a la subjetividad. Y por otro lado tenemos el problema de la formación del docente, que en ocasiones o están muy formados en didáctica y poco en conocimientos u ocurre lo contrario. Para ello el autor plantea una propuesta, una nueva forma de trabajar a través de proyectos de trabajo. Con ello se pretende que los alumnos estén más en contacto con la realidad y que vean la Educación Artística como un medio de acceder al entorno, y que salgan del etnocentrismo propio de la cultura, abriéndose a nuevas culturas, a etnias distintas…Básicamente un proyecto de trabajo consta de los siguientes pasos:

-Se establecen los objetivos y se elige un tema en función del cual se va a realizar la investigación y se inicia con una tormenta de ideas o con un diálogo o debate.

-Después se realiza la búsqueda de información (tanto visual como teórica) en función de esas cuestiones para resolverlas. La búsqueda de información la hacen todos los grupos, pero cada uno desde el punto de vista de una etnia distinta.

- Al final se realiza a través de la teoría aprendida y de la búsqueda de información, se realiza el trabajo creativo en este caso era un mural del arte primitivo. Finalmente viene el proceso de evaluación, que se evalúa el proceso completo, se hace una exposición y un tablón de presentación de cada grupo de manera que así se ponen en contacto cada grupo con el resto de compañeros.

Bibliografía:

- Palacios Garrido, A. (1999). Educación artística y cultura. Un proyecto de didáctica de la expresión plástica en la formación inicial del profesorado. Arte, Individuo y Sociedad, 11, 147-161

TEMA 2: La apreciación plástica de estilos artísticos. La necesidad de juicios críticos.

LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y ARMONÍA

Umberto Eco

Este tema nos introduce en la valoración de la belleza, identificada a lo largo de toda la historia con la proporción: una cosa es bella si está bien proporcionada. Los artistas buscaban la belleza a través de la proporción, la simetría y la armonía de todos los elementos y por ese motivo, las proporciones de todas las obras artísticas se han basado siempre en conceptos geométricos y matemáticos.

Algunos de los términos mas importantes en esta parte son

Armonía: considerada como equilibrio

Simetría: armonía apropiada para una obra

Canon: es el modelo a seguir. Designa el conjunto de las relaciones que regulan las diferentes proporciones de las partes de una obra

Proporción entre las partes: todas las partes del cuerpo han de adaptarse recíprocamente según las relaciones proporcionales en el sentido geométrico.

Se destaca que los artistas de todos los tiempos han tenido muy en cuenta la proporción y es por ello que tanto en la arquitectura como en la escultura y pintura se establecieron, a lo largo de toda la historia, una serie de relaciones de medida que nos acerca al concepto de proporción. El cual hace referencia a la relación entre las dimensiones de dos o más partes de un todo o entre las partes respecto a su totalidad; además se identifica con las relaciones de tamaño que guardan unas formas con las formas de su entorno, los artistas buscaban la belleza a través de la proporción y de la armonía. Durante toda la historia, las proporciones de todas las obras artísticas se han basado siempre en conceptos geométricos y matemáticos, así como en su función. Se juzgaba que una cosa era bella si esa cosa estaba bien proporcionada, es por eso el por qué desde la antigüedad la belleza se identifico con la proporción. Ya por último indicar que la noción de simetría era considerada por los clásicos como fundamento de la perfección. Podemos afirmar que a lo largo del tiempo y el transcurrir de los siglos la percepción de la belleza, la armonía, la proporción, la transmisión de sentimientos, así como los valores o el carácter moralizante de las obras artísticas ha ido cambiando y reciclándose, dejando a los ciudadanos actuales una guía a cerca del pensamiento, las ciencias, la sociedad y las costumbres de cada época. Pitágoras se hace presente numerables veces durante el transcurso del tema, el cual es el primero en sostener que el principio de todas las cosas es el numero. Los pitagóricos buscan en el numero la regla capaz de limitar la realidad, de proporcionarle orden e inteligibilidad.
Como conclusión, cabe decir, que no existe realmente el arte, tan sólo hay artistas, ya que hemos podido comprobar que la palabra arte puede significar muchas cosas distintas, en épocas y lugares diversos.

BIBLIOGRAFÍA:
ECO, U (2004) Historia de la belleza, Lumen , Capitulo III " La belleza como proporción y armonía" pp 61-98

EL ARTE Y LOS ARTISTAS

E.H.Gombrich

Para Gombrich,  no existe el arte, realmente hay artistas. La belleza esta en el mensaje que el artista quiere expresar. No debemos condenar una obra de arte por su fachada. Es muy discutido el tema sobre lo que es o no arte. A veces no es fácil conseguir que una pintura transmita lo que en ese momento se siente, algo tan profundo que no es posible explicar con  palabras, pero si mediante una pintura. Al estar ante una obra de arte podemos de cir que nos gusta dependiendo de los sentimientos o emociones que nos transmita, es decir, nos gusta lo que sentimos al estar delante de esa obra y no exactamente la obra en sí. Te tiene que impactar y atraer a simple vista, así profundizar en los detalles más elaborados. Todo depende de nuestro pasado, por lo tanto no nos puede gustar algún cuadro por algún sentimiento o hecho vivido con anterioridad. No cabe duda que el arte depende totalmente de los sentimientos de cada persona. Nos atrae lo bonito, lo agradable y los buenos sentimientos, algo que no es tan facil de conseguir. Por eso, los artistas mostraban en sus cuadros lo que les hacia sentirse bien y por lo tanto deducian que a los espectadores también les complacería gratamente, Pero se crea un problema cuando el artista le da buenos sentimientos su propio cuadro, pero a nosotros no por carecer de belleza visual. Un ejemplo seria el cuadro de Alberto Durero ( pintó a su madre en su vejez) y el de Pedro Pable Rubens ( pintó a su hijo en su infancia), que los dos artistas pintaron dichos cuadros con la misma devoción y cariño, pero el resultado al ser expuesto no es el mismo. Con esto, podemos sacar la conclusión de que la "hermosura de un cuadro no reside realmente en la belleza de su tema"

  

A parte de la belleza también tenemos que tener en cuenta la expresión, es decir, lo que el autor quiere representar a partir de varios rasgos característicos del cuadro.
Hay diferentes definiciones de lo que es arte según los diferentes escritores, pintores, filósofos, escultores… cada uno de ellos concibe el arte de forma diferente, lo único que tienen en común es que todo lo que es arte debe transmitir una emoción o un sentimiento bien sea negativo o positivo, pero siempre ha de transmitir algo.

Como docentes tenemos que tener en cuenta, a la hora de juzgar los trabajos de nuestros alumnos,  que el arte es algo subjetivo, hasta el punto que depende no sólo de la cultura y de la época en la que nos encontremos, sino de la propia concepción de cada persona. Es imposible dictar unas normas o reglas que nos expliquen cuando un cuadro está bien hecho, porque nunca se sabe el efecto que desea conseguir el artista.

Los que se acercan por primera vez al arte tropiezan con una dificultad. Quieren admirar la destreza del artista al representar los objetos, y los que más gustan son los que algo parece “como si fuera de verdad”. No se puede negar que esta consideración no sea importante, puesto que la paciencia y la habilidad que conducen a la representación fidedigna del mundo visible son realmente dignas de admirar. Pero lo que no cabe duda es que un cuadro no por tener más detalles es más bueno que otro, aunque podría ser más real.
Para concluir, decir que el mundo del Arte es infinito y que quedan muchas cosas fantásticas por descubrir. Para poder emocionarse ante nuevas tecnicas y nuevas obras de arte hay que intentar eliminar todas las costumbres y prejuicios de la cabeza y empezar de cero al encontrarse delante de una obra. se que puede resultar dificil, pero habria que intentarlo. tenemos que apreciar las cosas con " ojos totalmente limpios" para poder disfrutrar del futuro arte.  

BIBLIOGRAFÍA:
GOMBRICH, E. " El arte y los artistas", Introducción a la Historia del Arte, pp 15-37

TEMA 3: MODOS DE VER. John Berger

Este trabajo está realizado sobre uno de los ensayos que compone el libro "Modos de ver" de John Berger. En este tema vamos a ver cómo los diferentes instrumentos de visión diversifican la unidad de las obras de arte.

DESARROLLO DEL TEMA:

La imagen nos llega antes que las palabras, a primera vista, nos genera más información que cualquier documento escrito. A través de la vista nos relacionamos con el mundo, pero esto no implica que conozcamos la explicación a todo lo que nuestros ojos perciben. La realidad se hace visible al ser percibida, pero en ocasiones nos llega distorsionada.
Los medios de comunicación nos permiten observar, contemplar, analizar, interpretar e interiorizar las obras de arte en su unidad ya que estos instrumentos distorsionan la forma de interpretar las obras de arte, segmentan su totalidad y varían el color, tamaño, luminosidad, etc. En especial la cámara de televisión, nos suele mostrar una perspectiva errónea, en el sentido de que limita la imagen o muestra lo que al creador le interese que sepamos.


John Berger, creador del programa "Modos de ver" muestra a través de una cámara de video las obras de arte en su totalidad, sin redacción, sin interrupciones ni comentarios, solo la obra. De esta manera pretende acercar a todos los telespectadores las obras de arte en su unidad, brindándoles la oportunidad de fundirse y navegar por el arte de una manera legal e innovadora.

En la segunda parte del tema, se aprecian dos nociones básicas relacionadas con la pintura. La primera de ellas nos habla de su función, que la resumen en "ver lo que no está presente...rellenar una ausencia con el simulacro de una presencia". Relaciona el concepto de ausencia con el de espacio, dentro de una obra y en el que situamos dichas obras.

El último concepto al que hace alusión es el de la visibilidad, donde su objetivo queda resumido en "ver la apariencia de una cosa" y detrás de la apariencia reside la verdad. A veces lo que vemos no tiene relación con lo que sabemos. Un ejemplo de esto es que nosotros sabemos que el sol gira alrededor del planeta tierra y sin embargo no lo vemos actuar así.

CONCLUSIÓN:

Para finalizar el tema, decir que las obras de arte deben ser vistas como tales, en un contexto adecuado para contemplar e interiorizar la unidad de la obra y que las reproducciones fotográdicas o grabadas sólo muestran una parte de ellas, distorsionando y destruyendo la unidad y originalidad de las obras de arte.
Visto el tema, proponemos un metodo de enseñanza en el que los alumnos desarrollen sus capacidades, destrezas y actitudes artísticas de manera significativa, brindando una enseñanza para llegar a saber "mirar" y que una imagen no les permiten ni impidan su desarrollo creativo y cognoscitivo, con el que puedan y consigan crear obras obras de carácter personal, sin influir en ellos a través de la teoría y los estándares preconcebidos. Y que manejen la capacidad de argumentación en sus trabajos, así pues la evaluación será mucho más sencilla y objetiva, basándose en el porqué de las cosas y no en las cosas en sí mismas.

OBJETIVOS DEL TEMA:

• Aprender que la imagen precede a la palabra
• Desarrollo de las capacidades creativas personales
• Consciencia de que la imagen depende de la percepción, vivencia y creencias de uno mismo
• Desarrollar la autoconfianza en el alumno para que se exprese sin pudor ni miedo a la crítica

TEMA 4: ARTE, EDUCACIÓN Y CREATIVIDAD. Juan Carlos Arañó Gisbert

Este tema hace referencia al concepto de creatividad y todo lo que tiene que ver con ello. Nos explica cómo es una persona creativa, cuáles son sus cualidades y los primeros rasgos que facilitan la creatividad que son: la predisposición genética y tener el espacio suficiente para desarrollar la creatividad.
También nos habla sobre cómo identificar en el aula a un niño con creatividad, para ello nos explica las cualidades que debe tener un niño para ser creativo.

DESARROLLO DEL TEMA:

Este articulo nos acerca al concepto tan controvertido de creatividad, relacionándolos con los de la realidad, cultura, arte... para conducirnos a la educación artística y el aprendizaje artístico significativo.
La cultura se entiende como un conjunto de " formas simbólicas" que son guiadas desde su origen por " modos de transmisión cultural" específicos " Thompson, 1998). Es pues, la búsqueda de soluciones a los problemas sociales comunes a un mismo grupo, en los que influirán factores ambientales y de relación con otros grupos sociales. Esa interrelación de culturas es la que interesa desde el punto de vista educativo.
Continuará el autor destacando la importancia en la cultura de la forma, no de la materia que la compone. Construir el conjunto constituye el principal objetivo de la educación, ya que en esta construcción reside la adquisición del conocimiento.
El espacio y el tiempo por otra parte, son los elementos que permiten la interpretación y comprensión del símbolo. Para acceder al espacio simbólico nuestra mente ha de ser capaz de abstraer primero la realidad y los conceptos consiguiendo así la madurez de nuestra capacidad intelectual.
En cuanto a la relación entre la cultura y el arte, podemos considerar a este como un fenómeno cultural, universal que afecta a todos los grupos sociales y culturas. El arte constituirá un subsistema incluido en un sistema que sería la cultura y especialmente vinculado a las modas de transmisión cultural. De esta manera se podría considerar el arte como elemento de expresión, mas que de lenguaje o comunicación.
A continuación el autor se centra en la problemática de la educación artística en nuestro país y señala cinco razones por las que el arte constituye " uno de los tópicos educativos más fascinantes" ( Roger Gehlbach, 1990).
Después de un acercamiento a la difícil tarea de definir el arte, desde el punto de vista, semántico, antropológico, estético, sociológico, etc. considera que el interés por el concepto de arte data de tiempos antiguos.
Desde el punto de vista educativo, como profesores, entendemos el arte como una actividad humana consciente en el que el individuo interviene u observa su contexto, reproduce cosas o ideas, manipula formas de modo creador, a través de su propia experiencia.
En la última década se ha desarrollado la educación artística como disciplina ( DBAE) cuyo núcleo central es la formación artística fundamentada en cuatro materias interrelacionadas: la estética, la producción artística, la historia del arte y la crítica del arte, que establecen el conocimiento base del arte.
El objetivo final consistiría en que el estudiante adquiera una cultura, especialmente la artística. Se rechaza una educación artística basada únicamente en enfoques expresivos, productivos e instrumentales.
Para finalizar el autor realiza una serie de consideraciones sobre el término de creatividad y su historia. Destacaría la diferencia artística y creador en el mundo griego y romano, el artista no crea, sino que imita y se rige por leyes, mientras que el creador, tiene libertad de acción. 
 En cuanto a la creatividad en las artes plásticas, el rasgo común que distingue a la creatividad en todos los campos es la innovación. Algo creativo es algo distinto, nuevo...sin embargo no todo lo novedoso tiene por qué ser creativo. En la práctica de las artes plásticas se considera el concepto de lo nuevo como la ruptura radical de la tradición anterior. En definitiVa, la preocupación por la creatividad en nuestro siglo, esencialmente ha constituido un problema del ámbito de la psicología, más concreta de la conductista.

CONCLUSIÓN:

El arte tiene dos valores básicos cuyo objetivo es, por un lado la búsqueda de la verdad, la estructuración de la naturaleza, el descubrimiento de las reglas, leyes que gobiernan la conducta humana y por otro, la creatividad de nuevas cosas que no han existido anteriormente, de cosas que han sido inventadas por el hombre ( Tatar Kiewicz, W. 1987).



TEMA 5: HERRAMIENTAS DEL LENGUAJE VISUAL.
En este tema nos habla sobre las herramientas que se pueden utilizar dentro del lenguaje visual, es decir, a través de imágenes. Estas herramientas pueden ser de configuración( tamaño, forma, color, iluminación y textura) o de organización ( la composición).

DESARROLLO DEL TEMA:

- En las herramientas de configuración podemos encontrar:

• TAMAÑO: Afecta de manera decisiva tanto si es grande como pequeño por lo tanto es una herramienta que no debe tomarse a la ligera. Se ha de considerar en torno a tres criterios: el impacto psicológico que provoca; la notoriedad que confiere; y la comodidad.
• FORMA: Las formas pueden ser orgánicas ( irreguladas y onduladas) o artificiales ( regulares y rectas). Niveles de selección forma del producto visual como objeto; forma del contenido del producto visual; forma del espacio que alberga al producto visual.
• COLOR: Los colores transmiten una gran cantidad de significado. los colores- pigmento son el cian, el amarillo y el magenta, siendo el negro la suma de todos ellos. Hay varios elementos que caracterizan el color: la luminosidad, la saturación y la temperatura ( cálidos y fríos). Los colores representan contenidos simbólicos, por ejemplo el rojo representa poder, sexo, lujo; el blanco representa pureza, neutralidad..así cada color tiene sus propias características.
• ILUMINACIÓN: La iluminación de una imagen depende de varios factores: los tipos de fuente ( natural o artificial) la cantidad, la temperatura, la orientación.
• TEXTURA: Es importante en la construcción de la imagen. La representación visual se trabaja en dos tipos de textura: la del soporte ( una tabla) y la de los materiales ( las pinturas).

- En las herramientas de organización podemos encontrar:

• LA COMPOSICIÓN: Es la ordenación de las herramientas del lenguaje visual con la finalidad de transmitir un significado, encajando todos los elementos para llegar a un conjunto.
• CONCEPTO DE RETÓRICA: Herramienta de organización que se utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual, puede decirse que es la sintaxis. El término de retórica visual se utiliza cuando se quiere emplear ciertos elementos de la comunicación visual para transmitir un sentido distinto del que tienen, habiendo entre el sentido figurado y el propio alguna semejanza desde donde establecer una referencia.

               FIGURAS BÁSICAS DE LA RETÓRICA VISUAL:

- SUSTITUCIÓN: 

 Metáfora, cuando se sustituye algún elemento de la imagen por otro, según una relación de semejanza. 

Alegoría, cuando en una imagen existen varias metáforas a la vez. 

Metonimia, cuando la sustitución se realiza según un criterio de contigüidad, cuando la relación entre el significante y el significado es física en algún momento.

Calambur, figura retórica que consiste en un engaño visual ( nos parece ver algo que realmente ha sido representado).

Prosopopeya, una de las figuras más utilizadas en las representaciones visuales comerciales, consiste en otorgar a objetos inanimados o animales valores animados o humanos.

- COMPARACIÓN: 

Oposición/ paralelismo. Cuando la comparación se realiza entre dos elementos que se oponen estamos ante una oposición y cuando los elementos se asemejan estamos ante un paralelismo.

- ADJUNCIÓN:

Anáfora, cuando el autor repite algún elemento de la imagen. Muchos publicistas han incorporado la anáfora en sus campañas.

la epanadiplosis, se emplea en la literatura cuando el principio y el final se representa en la misma escena. Para utilizar este recurso en el lenguaje visual las imágenes con movimiento son imprescindibles.

Hipérbole, exagera de forma explicita algún elemento de la imagen.

Préstamo, cuando un autor recurre a otra imagen, al estilo de otro autor para argumentar su discurso, como hizo Marcel Duchamp en su versión de la Mona Lisa con bigote ( este es uno de los recursos más empleados en el arte contemporáneo).

-SUPRESIÓN:

Elipsis, eliminación explicita de algún elemento de la representación visual, cuya ausencia transforma el significado de la imagen.

CONCLUSIÓN:

Este tema nos presenta todas las herramientas del lenguaje visual y todos los elementos que caracterizan las obras artísticas. Elementos básicos que debemos tener en cuenta a la hora de enseñar a nuestros alumnos e introducirlos en el mundo del arte. Muchas veces no se aprecia el significado ni se valora una obra si uno no es capaz de ver la complejidad con la que se ha realizado; la capacidad del autor para jugar con la luz focalizándola en el punto que más le interesa remarcar o la combinación de colores que ha empleado para transmitir unas emociones concretas al observador. Para eso sirven todos los elementos que hemos visto en este tema, para poder profundizar más allá del mero hecho de su una obra es bonita o fea.

TEMA 6: LA CONQUISTA DE UN CONCEPTO DE LA FORMA. La fase esquemática, de 7 a 9 años
Uno de los aspectos que determinan el esquema que tenemos de los objetos es la forma en el que las vemos en relación a la significación emocional que poseemos, las experiencias asociadas a este objeto y sus características propias. La fase esquemática de los niños se encuentra entre los 7 y los 9 años de edad. Es una etapa de gran importancia en el desarrollo de los niños. Dentro de un dibujo podemos encontrar varios tipos de esquemas:

- El esquema humano, que se caracteriza por ser individual y personal. En él las representaciones de partes del cuerpo, dependen del conocimiento que los niños tengan acerca de ellas.
-El esquema espacial, el niño posee una conciencia espacial en relación al espacio fisico, los objetos y él mismo. Dentro de un dibujo podemos observar que se representan bajo la orden de una línea básica, que es en la que descansan todos los elementos del dibujo o bien puede aparecer como la superficie del mismo.

El tiempo y el espacio se representan a través de secuencias temporales o impresiones espaciales diferentes, como pueden ser las viñetas o las representaciones continuadas.
Dentro del esquema, puede haber variacions como la exageración de las partes del cuerpo, omisión de partes importantes u ocultas y cambio de símbolos para partes relevantes.
Sobre el color y los objetos, el niño descubre que hay una estrecha relación entre ambos. El dibujo, la pintura, la expresión plástica o el arte de la creación facilita al niño un mundo de liberación de emociones y sentimientos, descubrir la relación con el mundo de los objetos. En clase, lo ideal sería no escoger ninguna temática, no ponerles límites, pero debido a las influencias sociales esto se hace imposible. Dentro de un aula es importante conocer el manejo y selección de los materiales, así como las necesidades que tienen los alumnos, sin incidir nunca en sus creaciones, no decirle cómo o qué tienen que dibujar, ni tampoco abrumarlo.

CONCLUSIÓN:
Esta experiencia artística que intentemos desarrollar con los alumnos ha de ser manejada por los mismos, que sea una experiencia creciente y enriquecedora, que se sientan libres, siempre teniendo en cuenta las características individuales y generales que se tienen en diferentes edades.




TEMA 7: TEORÍA DE LA ENSEÁNZA ARTÍSTICA. J.L. López Salas

Este tema está comprendido por tres documentos " Didáctica específica de la expresión plástica" de J.L. López Salas; "Educación estética y educación artística. Reflexiones para una enseñanza creativa" de G. Sánchez y el libro "Educación artística y desarrollo humano" de Howard Gardner.

DESARROLLO DEL TEMA:

En el primer documento se exponen las diversas corrientes didácticas mediante las que se ha impartido la E.Artística a lo largo de la historia. En cada momento el foco de interés se ha centrado en un punto distinto: educar para el arte con lenguaje, el arte como elemento globalizador de la enseñanza, etc.
Cada una de estas visiones ha intentado dar respuesta a las necesidades que iban surgiendo. Por ese motivo. el autor hace un recorrido por toda la Historia del arte y las corrientes didácticas que han surgido al respecto, con el fin de justificar la enseñanza artística ateniéndose a dos características principales:
Históricas: El hombre siempre ha sentido la necesidad de expresarse a través del arte.
Biológicas: El arte es algo innato a la naturaleza humana.
A partir de estas dos afirmaciones, y haciendo ese recorrido histórico a través de las numerosas culturas que se han sucedido a lo largo de la historia, podemos extraer las necesidades a las que el arte ha ido dando respuesta de forma más detallada y que podemos resumir clasificando el arte en tres tipos en función a esas necesidades.

Arte emocional: Tiene carácter físico, psicológico, estético y espiritual.
Arte técnico: Tiene carácter práctico referido al diseño y la industria.
Arte descriptivo: Tiene carácter práctico tanto en la ciencia como en la ilustración.

Continuando en la misma línea, en el segundo documento, lo que pretende el autor es centrarse en la era actual. La cultura es el primer escenario para la creación de los individuos y esta se caracteriza por la actual globalización de los elementos culturales, en contraste con algunos entornos que luchan por preservar sus rasgos propios. La cultura cambia, avanza, evoluciona a una velocidad vertiginosa y la escuela tiene que adaptarse a ella para poder proporcionarles a los alumnos los conocimientos necesarios para poder desenvolverse en la sociedad actual.
Debemos promover el desarrollo de las capacidades personales de los alumnos, relacionadas con su imagen, su autoestima, su comprensión del lenguaje no verbal, sus dotes para la observación y su capacidad creativa. Y ahí es donde entran en juego los tres términos más importantes a lo largo de esta lectura:

Expresión: El arte como vehículo para expresar sentimientos
Estética: El valor de la percepción, de lo que el arte provoca en nosotros, dimensión espiritual del ser humano.
Artística: El arte como búsqueda de la belleza.
Es la unión de estos tres elementos lo que debe caracterizar la enseñanza de la Educación artística, promoviendo  en nuestros alumnos una educación con espacio para la creatividad, experimentación y el desarrollo personal, más centrada en el proceso que en el resultado final.
En el proceso creativo del alumno podemos distinguir 4 etapas:

1. Sensibilización: Despertar, descubrir, necesidad, vivencia, identidad
2. Identificación: Reflexión, descubrimiento, reconocimiento, adquirir identidad
3. Desarrollo: Exploración y búsquedas de respuestas ( saber quien soy)
4. Producto: Manifestación ante los demás del yo.

Lo que queda claro a lo largo de todo el documento es que en la E. Artística debe darse gran importancia a la expresividad y a la dimensión estética del arte y que esto nos ayudará a conseguir en nuestros alumnos:

- La ampliación de su registro sensorial y sensible

-La mejora de la atención en la contemplación de ideas, sonidos, imágenes.

-La práctica del juego imaginativo. de la fantasía.

-El aumento de su vocabulario expresivo y comunicativo

-La mejora en su capacidad de selección y decisión para generar representaciones simbólicas.

-La formación de un juicio estético.

-El compromiso colectivo vinculado al deseo de compartir sentimientos.

En el tercer documento, según el autor los valores de cada cultura se pueden observar en el modo en el que organizan el aprendizaje. Si observamos cómo dan artística en diferentes países, veremos que hay muchos métodos para dar esta asignatura, que reflejan los valores propios de la cultura en la que se imparte, por eso lo ideal sería tener un listado con los mejores métodos para que cada profesor pudiera escoger el método que más se ajuste a sus necesidades.

Muchas culturas de la antigüedad consideraban que los niños eran menos capaces que los adultos, pero desde la teoría evolutiva de Darwin, muchos investigadores y especialistas han realizado estudios sobre el desarrollo humano desmintiendo esta idea. Teóricos como Piaget descubrieron que los niños muestran sus propias concepciones y formas de descifrar el mundo y en base a esto estableció las 4 etapas que universalizaban el desarrollo de los niños. Investigadores más actuales descubrieron fallos en la teoría de Piaget y reflejaron que las diferencias individuales, culturales y la escolarización modificaba el dominio de los diferentes campos de conocimiento.

Pero como los investigadores del desarrollo humano eran científicos se estableció el perfil del hombre adulto desarrollado a aquel capaz de tener un pensamiento lógico-racional. Es decir, se tomaron criterios más cercanos a la ciencia. En base a eso se crearon para los niños labores que aprovechaban las capacidades que querían desarrollar en ellos.

Pero el desarrollo humano necesita tener en cuenta todas la capacidades y talentos mostrados por el ser humano. Y ahí entraron en juego filósofos y psicólogos del desarrollo como Cassirer, Lanfer y Goodman, que han intentado definir el desarrollo de diversas capacidades de utilización de símbolos, especialmente las relacionadas con la habilidad artística. Pero llevar esta concepción al aula no es fácil.

Mediante el Proyecto 0 se llevaron a cabo investigaciones para examinar 3 aspectos en los niños: la percepción, conceptualización y producción. Tras estas investigaciones, se llego a la conclusion de que:

Los niños son capaces de percibir el estilo de una obra a pesar de no tener nociones previas sobre este tema. Y los niños tienen una idea errónea del concepto del arte.

El nivel de compresión que tienen los niños de las artes depende de la interacción que hayan tenido con esta área.

Los niños se ven tempranamente influenciados por su cultura y esto afecta a su estilo de dibujo.

Hasta ahora lo que hemos estado viendo era tratando los aspectos del desarrollo del niño sin tener en cuenta su escolarización, simplemente en virtud de la calidad de ser miembro de nuestra especie (ser humano). Por lo que ahora lo que Gardner pretende es examinar cómo afectan las diferencias individuales y los efectos que tiene la escuela.

La escuela se creó hace unos poco miles de años y las diferentes variedades de escolarización han ido evolucionando a lo largo de todo este tiempo.

Se ha demostrado que en su desarrollo natural del niño adquiere mejor los conocimientos por estar contextualizados ( Ed. formal) mientras que en la escuela los aprendizajes son descontextualizados y por lo tanto mucho más difíciles.

Aplicando esto al arte, podemos observar que en la escuela, la mayor parte de la E. artística se da en preescolar, lo que nos muestra la poca importancia que tiene esta materia en el resto del curriculum. El problema es que lo poco que se da en los cursos posteriores es procedimental, y debemos de ir más allá y proporcionar conocimientos teóricos y prácticos más amplios a nuestros alumnos, ya que la E. artística es muy importante y puede ayudar a fomentar la autoexpresión, la imaginación, la creatividad y el conocimiento de la propia vida.

En este punto, podemos observar la necesidad de incluir nuevos elementos en el curriculum de la Artística y para saber cuales deben ser estos elementos debemos ponernos como base, el objetivo de obtener una población de estudiantes que tengan cierta competencia en la producción como mínimo en un medio, que haya desarrollado habilidades en la contemplación de obras de arte, que posean cierta comprensión del proceso artístico y que se hayan enraizado en las tradiciones históricas, filosóficas y culturales del arte de nuestra sociedad. Para demostrar que esto es posible presenta el experimento ARTS PROPEL. Las siglas significan: Producción, percepción y reflexión, que son los 3 componentes que se consideran fundamentales en toda la educación artística. Y en resumen este proyecto es un esfuerzo contemporáneo para crear una educación en artes que abarque las formas de conocimiento importantes en las artes y lo haga de un modo que se adecue al conocimiento actual acerca del desarrollo y del aprendizaje humano.

Pero para que este o cualquier otro proyecto funcione hacen falta profesionales cualificados y ampliamente implicados y un sistema válido de evaluación.

OBJETIVOS:

• darnos a conocer la importancia que el arte tiene para las personas que es lo que justifica su integración en el curriculum
• denunciar el mal trato que está recibiendo esta asignatura que se imparte de forma muy deficiente.
• Concienciarnos de la importancia que tiene incluir nuevos elementos en el curriculum para hacerla más completa, prestando especial atención a la expresividad y a la dimensión estética del arte frente a la mera producción. 
• Desarrollar en nuestros alumnos:

                 - la ampliación de su registro sensorial y sensible

                 - la mejora de la atención en la contemplación de ideas, sonidos, imágenes

                 - la practica del juego imaginativo, de la fantasía

                 - El aumento de su vocabulario expresivo y comunicativo

                 - La mejora en su capacidad de selección y decisión para generar representaciones simbólicas.

                 - La formación de un juicio estético

                 - El compromiso colectivo vinculado al deseo de compartir sentimientos

CONCLUSIÓN:

Lo que pretenden estos documentos es darnos a conocer la importancia que el arte tiene para las personas que es lo que justifica su integración en el curriculum. Denunciar el mal trato que esta recibiendo esta asignatura que se imparte de forma muy deficiente y concienciarnos de la importancia que tiene incluir nuevos elementos en el curriculum para hacerla más completa, prestando especial atención a la expresividad y a la dimensión estética del arte frente a la mera producción, para conseguir que el arte promueva tanto el desarrollo cognitivo como el personal de cada individuo. Estos documentos nos animan a cambiar nuestra forma de impartir esta asignatura, para mejorar la educación de nuestros alumnos contribuyendo a su realización personal.

TEMA 8: EL HIPERDESARROLLO DEL LENGUAJE.

DESARROLLO DEL TEMA:

El autor habla de que la educación artística está basada en un lenguaje específico: el lenguaje visual.
Se basa en la obra de Lipovetsky, " La felicidad paradójica. Ensayo sobre la sociedad de hiperconsumo" ( editado en Francia en 2006 y en España en 2007) de donde recoge los términos hiper y mundo-imagen. Lipovetsky aplica el término hiper a la sociedad de consumo. Uno de los mecanismos que nos han hecho desembocar en la sociedad de hiperconsumo ha sido, es y será el hiperdesarrollo del lenguaje visual. También recoge el termino mundo-imagen, paralelo al termino consumo-mundo que describe el paso de un mercado gobernado por la demanda donde el lenguaje visual es el papel de incitación a dicha demanda y donde dicho deseo está provocado por el grupo de imágenes que configuran lo que el autor del tema ha clasificado como representaciones visuales de carácter.
Resumiendo, lo que el autor plantea es que para llegar a cotas de hiperconsumo en las que nos situamos actualmente, ha sido necesario pasar del desarrollo del lenguaje visual al hiperdesarrollo del lenguaje visual. Tres factores han sido los causantes: desarrollo de la técnica; espectacularización de los mensajes visuales y desarrollo del hiperconsumo.

METODOLOGÍA:
Algunos de los eslabones que desencadena la tecnificación del lenguaje visual son: 1827, nacimiento de la fotografía, 1900 desarrollo de la imprenta; en los años 60 nacimiento de la TV; en los 70 sistemas de tratamiento de las representaciones visuales que culmina con el nacimiento del Photoshop en los 90; en los 80-90 consolidación de Internet; y a partir del 2000 desarrollo continuo e imparable de nuevos productos en la web.
Esta serie de tecnificaciones hacen que por ejemplo una fotografía que sale mal ya no nos importa puesto que la digitalidad de las cámaras de fotos hace que creemos, destruyamos o modifiquemos las fotos; que las retoquemos con Photoshop quitándonos los granos, las orejas, etc y creemos un producto que en realidad no somos; ya no nos hace falta que saquemos las fotos en papel puesto que podemos guardarlas en un archivo en nuestro ordenador...
En este tipo de sociedad nos sumergimos en una existencia pasiva aspirando sólo a adquirir la mayor cantidad de productos posible y a exhibir la compra inmediatamente.

Otro aspecto destacado es la Publicidad, ya que constantemente vemos imagener publicitarias. La publicidad se centra en el futuro comprador. Le ofrece una imagen de si mismo que resulta fascinante gracias al producto o a la oportunidad que se está intentando vender. Esta imagen hace que él envidie lo que podría llegar a ser, ser envidiado es una forma solidaria de reafirmación. En la publicidad hay muchas referencias directas a obras de arte del pasado, capta las implicaciones de la relación existente entre la obra de arte y su espectador-propietario, la publicidad reposa en gran medida sobre el lenguaje de la pintura al óleo, porque la pintura al óleo era una celebración de la propiedad privada. Como forma-arte se inspiraba en el principio eres lo que tienes, razón por la cual la publicidad se basa en la pintura al óleo.

CONCLUSIÓN:
El mundo-imagen es el motivo del consumo-mundo. En este proceso de transformación de ciudadano a consumidor, el hiperdesarrollo del lenguaje visual convence al espectador para que compre, el mundo como texto ha sido sustituido por el mundo como imagen.


En el segundo texto EDUCAR PARA LA LECTURA DE IMÁGENES EN LOS MEDIOS. ¿ Una imagen vale más que mil palabras?. La autora ( Isabel Cantón) dice que hay dos aspectos para educar la lectura de imágenes en los medios de comunicación: uno general de tipo social y otro particular, basado en las características de las imágenes y en su insolente poder de convocatorio.
La diferencia entre recibir y leer imágenes es radical: la escritura se dirige a la parte racional mientras que la imagen a las emociones.
Hay una serie de códigos para las imágenes:

• el espacial: el lugar donde se ubica la imagen.
• el gestual: lo que hace la imagen.
• el escenográfico: el contexto donde se ubica la imagen.
• el lumínico:el tratamiento de la luz puede añadir significaciones a la imagen.
• el gráfico: los instrumentos técnicos con los cuales se elabora el mensaje visual determinan en muchas ocasiones algunas peculiaridades formales de la imagen que matizan o modifican su sentido
• el simbólico: las imágenes representan muchas más cosas de las que aparecen en ellas. Se produce así un proceso comunicativo.

 La imagen de la prensa escrita tiene varias funciones pero las que más destaca son:

•  la informativa: ilustra y apoya las noticias producidas y explicadas en el texto.
•  la recreativa: suele ser imágenes dibujadas para resaltar aspectos que manifiestan su lado cómico.
•  la sugestiva: estas imágenes buscan un interés, que es obtener algo del lector, es decir a través de la imagen se pretende influir en la conducta del lector.

Respecto a la publicidad, indicar que es la difusión y promoción de productos y carece de contenido propio, ya que se limita a ser un medio de fascinación. La publicidad va moldeando la sociedad mostrandoles nuevas ideas acerca de los roles de las personas, nuevos estilos de vida, valores, etc. Influye en los hábitos de las personas más allá de lo relativo a la compra de productos. Está presente en las calles, en el hogar, en los medios de comunicación, etc.


TEMA 9: "EXPLORA EL GUERNICA": Unir los sentidos para conocer la obra clave de Picasso. Un programa educativo de accesibilidad para personas con discapacidad visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

DESARROLLO DEL TEMA:
Se presenta el programa educativo " Explora Guernica" en el Museo de Arte Reina Sofía, de Madrid. Una iniciativa novedosa en España para facilitar el acceso al arte en los museos para personas con discapacidad visual llevado a cabo mediante la combinación información de verbal, que permite la participación conjunta tanto de personas con y sin discapacidad visual.

Algunos objetivos de las sesiones educativas son:

- Como objetivo general: impulsar el acceso al conocimiento y disfrute de las colecciones del museo por parte de personas con discapacidad visual así como la valoración de las artes plásticas como un medio efectivo para entender la historia y la sociedad actual.

- Como objetivos específicos: vivenciar in situ la impactante presencia del cuadro " Explora Guernica", sus dimensiones y el ambiente generado por los visitantes que acuden a contemplarlo. Otro de los objetivos es reconocer a Picasso como figura clave en la historia del arte contemporáneo.

- Como objetivo metodologico: conocer y familiarizarse con los codigos empleados para transponer las imagenes visuales en diagramas tactiles para que los visitantes puedan discriminar a traves del tacto.

La metodologia que se adapta dependiendo de las características de cada grupo consiste en:

• Visitar las salas de exposición para mantener contacto directo con el contexto que rodea la obra.
• Explicación verbal de Guernica.
• Exploración de los diagramas táctiles.
• Realización de un taller de creación, que varía según la edad de los participantes.

La buena acogida, el nivel de satisfacción de los participantes y su consolidación como una actividad estable, conocida y reconocida constituye un antecedente y una referencia importante para extender y potenciar las iniciativas que permiten el acceso a personas con discapacidad visual a los museos y a la cultura.

Análisis de la actividad de los docentes en las visitas a los museos.
Este proyecto se dirige a aproximar a los maestros a la realidad de los museos para contar con su versi´n sober lo que pasa en ellos. Este tipo de investigaciones serán utiles para el ambito escolar y familiar. La participación del colectivo docente en este tipo de investigaciones es decisiva en el fomento cultural.

La encuesta como eje vertebrador del estudio.
El modelo de encuesta reflejan la realidad de la situación, saber cómo se vivencia las visitas a los museos. En 2007 se presentarán los resultados en el informe final del proyecto. Se espera con el esfuerzo de todos los docentes poder colaborar en la mejora de la relación existente entre los profesionales de la enseñanza de los centros educativos y de los gabinetes educativos de los museos.

Acercamiento al lenguaje artístico y el arte contemporáneo para alumnos de primaria.
La presencia constante de la imagen y del arte contemporáneo en la vida cotidiana, que penetra incluso en la escuela, implica el manejo de un lenguaje y unos códigos que no siempre se explican y se eseñan correctamente. Con esta propuesta lo que se pretende es hacer un análisis del lenguaje plástico en sus diferentes niveles de lectura, estableciendo un paralelismo entre Naturaleza y Arte a través de la percepción visual.

CONCLUSIÓN:
Una de las mayores dificultades para hacer llegar satisfactoriamente la pintura a las personas ciegas es la errónea pretensión de que tengan exactamente el mismo sentimiento estético que una persona con vista.
Desde el museo entienden que su forma de ver es diferente, que tiene otros canales, otras vías. Pero en ningún caso debemos olvidar que tienen exactamente las mismas capacidades para sentir emoción, empatía, espanto o deleite, así como para entender los significados y la magnitud de las obras de arte.
En cuanto a los alumnos de primaria se podrían adaptar las actividades para trabajar el lienzo con ellos.


TEMA 10: DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA O EDUCACIÓN ARTÍSTICA. Ricardo Marín Viadel.

DESARROLLO DEL TEMA:
En este tema, se centran los procesos de enseñanza y aprendizaje de las artes, las culturas y las comunicaciones visuales: del dibujo, la pintura, la arquitectura, la escultura, el diseño, las artes tradicionales y las artesanías, la fotográfica, la publicidad y la infografia principalmente.
Para centrar la didáctica de la expresión plástica es necesario considerar cada uno de sus 4 elementos: enseñanza, dibujo, alumnado y escuela, ya se produzca en el sistema educativo formal, como en la educación no formal ( museos, galerías de artes, fundaciones, etc.)
La didáctica de la expresión plástica se pregunta no solo cómo hay que enseñar las artes visuales, sino también qué cultura visual debemos desarrollar, en fin, para qué aprender y por qué educarse artística y estéticamente.
Además estudia por un lado, la Educacion Artistica ( donde la formación del creador en artes visuales: dibujo, pintura, escultura, grabado, cerámica, etc. y por otro lado La Educación Estética ( donde enfatiza la formación teórica del espectador ante el conjunto de las manifestaciones artísticas: música, danza, teatro, poesía, etc.
La didáctica de la expresión plástica es interdisciplinar y profesionalizante, cuyo objeto de estudio es el aprendizaje artístico, o la enseñanza-aprendizaje de las imágenes y de las artes visuales, el objetivo es el conocimiento, el disfrute y la transformación de los aspectos visuales, constructivos, simbólicos, mediante la creación de imágenes. Para conseguir un mayor disfrute tanto del mundo como de la cultura, y un mejor conocimiento de la experiencia humana: el amor, de la muerte, de la sinceridad, etc.
Las tres fases o estadios que se ha seguido la formación del profesorado en la educación artística en secundaria son:
Estadio 1: para enseñar dibujo basta con saber dibujar
Estadio 2: para enseñar dibujo es necesario saber dibujar y saber pedagogía.
Estadio 3: para enseñar a dibujar es necesario conocer, principalmente cómo se aprende a dibujar.

CONCLUSIÓN:
La necesidad de enseñar esta asignatura en todos los niveles de enseñanza es constante, la mayoría de proyectos y materiales curriculares que se elaboran para la Educación Artística están basados principalmente en la experiencia profesional personal y en la investigación del área, de ahí la necesidad de abordad desde enfoques estrictamente profesionales la enseñanza de las artes visuales.
La investigación en educación artística es el esfuerzo sistemático por contestar las preguntas relacionadas con el campo, usando los instrumentos del saber (Eisner, 1995).
" Se aprende a dibujar para aprender a vivir en una sociedad mejor".