Actividad 3. Resumen de textos
ENSEÑANZA Y APRENDIZAJE DE LA EDUCACIÓN PLÁSTICA Y VISUAL
Curso: 4º Educación Primaria Semipresencial
Nombre: María González Pastor
DNI: 74011791-E
RESUMEN 1.
El primer texto a resumir es
" La expresión plástica como producto creativo
del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración curricular " de
Juan Delgado Tapias.
Son pocos los
medios que nos encontramos en la sociedad los que nos transmiten el arte y su
creatividad. La paradoja radica en que no se considera como un lenguaje y es
marginada en el currículo.
En los centros
educativos esta materia es una de las menos valoradas, por lo que el alumnado
es incapaz de desarrollar al cien por cien su pensamiento creativo, esto se
debe a que el arte no es considerado necesario para el futuro de la sociedad y tampoco
se dedica a motivar al alumno a ser creativo sino a todo lo contrario, a la
imitación.
Además de no ser
una materia bien orientada en las aulas, también influye la escasez de docentes
cualificados para impartir esta asignatura.
Haciendo un
breve repaso por la historia de las artes plásticas observamos que ya desde
antes de los años 70 la manera de trabajar esta materia era a base de la
imitación de otras ilustraciones facilitadas por el profesor y se consideraba
como actividad para desarrollar las habilidades manuales.
A partir de los
70 se empieza a considerar como Expresión Plástica. Aquí se le intenta dar más
importancia a la creatividad, favoreciendo la expresión individual, lo que
supuso un gran avance para la materia, pero solo unos pocos lo pusieron en
práctica. A consecuencia de la poca información que se tenía de esta nueva
práctica del arte, se vio envuelta en consecuencias negativas.
En la década de
los años 80 y 90 observamos que a finales de los 80 comienza un movimiento de
profesionales que luchan por una disciplina de esta área, poniendo de nuevo en
práctica lo que se intentaba hacer en los 70 pero corrigiendo aquellos fallos
que se cometieron. Lo primero que se quiere cambiar es la asignación de
Expresión Plástica por la Artes Plásticas.
Con respecto al
tema del futuro hacia una educación creativa integral mediante el lenguaje
plástico-visual, decir que puesto que la función de cualquier lenguaje es la
expresión y comprensión se debe interaccionar con el entorno, con en hombre,
desarrollando su capacidad de recibir y emitir.
Podemos observar
tres fases para que la adquisición y uso del lenguaje visual sea una actividad
creativa, estas son: Interiorización-Recepción (recepción de sensaciones,
percepciones y elementos cognoscitivos); Reflexión-Transformación
(reelaboración de los datos interiorizados de forma personal); y
Expresión-comunicación (proyección exterior, elaboración de la obra).
Para terminar,
aún existen dos modelos unidos entre sí para la formación de futuros docentes
que deben educar a sus alumnos en el lenguaje plástico-visual, estos son: el
que se limita al uso de materiales y aprendizaje de técnicas plásticas y el que
aplica procesos creativos a las actividades de sus alumnos.
RESUMEN 2.
El segundo texto a resumir
es “Educación artística: propuesta para la formación del profesorado en los
nuevos estudios de grado”, escrito por Carmen Alcaide.
Con el propósito de una
mejor formación del profesorado en el área artístico expresiva, se han
considerado algunos planteamientos para mejorar la calidad de la misma. Por
este motivo, se quiere empezar a proyectar en los títulos de grado y posgrado
de Educación Artística, en las que incluye el área de expresión plástica y
musical en las primeras etapas de enseñanza Infantil y Primaria.
Se debe resaltar la falta de
formación estética que se establece en nuestro sistema educativo, aunque se
pueda observar cómo en el ámbito cultural de las exposiciones artísticas, el desarrollo
de las artes muestra un gran reconocimiento en esta entidad.
Además también se debe
resaltar las horas que se destinan a esta materia, ya que el tiempo establecido
para impartir la asignatura es inferior a las demás y los objetivos que se
llevan a cabo van en contra de lo que se procura lograr, y esto, en parte, es
consecuencia de la insuficiente formación de la materia.
Surge la ocasión de crear
nuevos planes de estudio que tengan una mayor semejanza con las necesidades
académicas y laborales vigentes, ante la necesidad de conformación en el
Espacio Europeo de Educación Superior.
Nos encontramos con una
nueva propuesta de formación entorno a esta área, estas son: grado en Educación
Artística: Plástica y Música; Grado en Educación Infantil con mención en
Educación Artística. (Doble titulación); Grado en Educación Primaria con
mención en Educación Artística. (Doble titulación); Posgrado en Artes visuales
(diversas opciones); y Posgrado en Música (diversas opciones). Con éstas se
intenta facilitar a futuros educadores especializados en artes, una educación
interdisciplinar, flexible…, en distintos aspectos académicos, con el fin de
fomentar el desarrollo artístico y pedagógico.
A modo de conclusión, añadir que tanto las artes visuales
como la música ponen a prueba, cada dia más, la necesidad de la investigación y
acción pedagógica propio, con el proposito de mejorar el aprendizaje artístico
y cultural de los docentes.
En el tema dos encontramos dos textos. El primero "El arte y los artistas". Introducción a la Historia del Arte, escrito por Ernest Gombrich. El segundo texto está escrito por Umberto Eco y Lumen y se titula "La belleza como proporción y armonía". Capítulo III.
Actividad 4. Resumen de textos. Tema 2
En el tema dos encontramos dos textos. El primero "El arte y los artistas". Introducción a la Historia del Arte, escrito por Ernest Gombrich. El segundo texto está escrito por Umberto Eco y Lumen y se titula "La belleza como proporción y armonía". Capítulo III.
El arte y los artistas.
El término "arte" puede significar muchas cosas, en épocas y lugares distintos.
A mucha gente le gusta ver en los cuadros lo que le gustaría ver en la realidad. A todos nos atrae lo bello en la Naturaleza, esta inclinación a los temas atractivos puede convertirse en un obstáculo si nos conduce a rechazar obras que representan asuntos menos agradables. A veces hay causas equivocadas de que no nos guste una obra de arte. La confusión proviene de que varían muchos los gustos y criterios sobre la belleza.
Lo mismo ocurre con la expresión. Frecuentemente es la expresión de un personaje en el cuadro la que hace que éste nos guste o nos disguste. Algunas personas se sienten atraídas por una expresión cuando pueden comprenderla y les emociona, pero no debemos desechar obras cuya expresión no resulte fácil de comprender. Cuando llegamos a comprender los diferentes lenguajes, podemos preferir obras de arte cuya expresión es menos notoria.
Los que se acercan por primera vez al arte chocan con otra dificultad. Quieren admirar la destreza del artista al representar los objetos, como si fueran de verdad, y aún sienten mayor hostilidad por obras que consideran dibujadas incorrectamente.
Hay dos cosas que debemos preguntarnos siempre que encontremos una falta de corrección en un cuadro, una, si el artista no tuvo sus motivos para alterar la apariencia de lo que vio. Y otra, que nunca deberíamos condenar una obra por estar incorrectamente dibujada, a menos que estemos seguros de que el que está equivocado es el pintor y no nosotros.
Los pintores quieren ver el mundo con un nuevo mirar, previniendo todo prejuicio e idea previa. No es fácil deshacerse de esas ideas preconcebidas, pero los artistas que mejor lo consiguen producen las obras más interesantes. Ellos son los que nos enseñan a contemplar nuevos atractivos en la Naturaleza. No existe mayor obstáculo para disfrutar de las grandes obras de arte que nuestra repulsión a prescindir de costumbres y prejuicios.
Muchos de los cuadros y esculturas de museos y galerías, no se concibieron para ser disfrutados artísticamente, sino que se realizaron para una ocasión y un propósito definido. Por otra parte, ideas acerca de la belleza y la expresión escasamente son nombradas por los artistas. Lo que preocupa a un artista es si ha acertado.
A la hora de reunir formas o colocar colores, un artista debe ser puntilloso. Además éste es capaz de diferenciar formas y matices que nosotros difícilmente observaríamos.
En nuestras vidas no encontramos ningún tipo de reglas que nos expliquen cuándo un cuadro o una escultura están bien, por lo que es imposible explicar por qué creemos hallarnos frente a una obra maestra. Por lo tanto, cuando más claramente la percibamos, mejor disfrutaremos de ella.
La belleza como proporción y armonía.
La belleza siempre ha ido unida a la proporción desde las épocas antiguas.
La belleza siempre ha ido unida a la proporción desde las épocas antiguas.
Desde la antigua Grecia algunos filósofos empezaron a indagar sobre este tema partiendo de las matemáticas haciendo ver que todo existe porque las cosas están ordenadas y tienen una naturaleza de belleza. También se relaciona la proporción con los sonidos de la música, según nos presenta Boecio en sus obras.
Con respecto a las proporciones arquitectónicas, hay que tener en cuenta que presentan los mismos intervalos con los cuales se interpretaba los sonidos musicales (Pitágoras es quién se atreve a pasar del concepto aritmético numeral, al concepto geométrico espacial entre dos puntos).
Frente a la belleza del cuerpo humano, cabe decir que la armonía es el equilibrio entre los contrastes, pero según Pitágoras y sus aprendices sostenían que en la oposición de lo contrario sólo uno hacía referencia a la perfección, como por ejemplo lo impar, la recta y el cuadrado son bellos y buenos, mientras que lo contrario a estos representan lo erróneo, lo malo y la falta de armonía. Por el contrario, Heráclito dice que la unión entre los opuestos es lo que forma la armonía, por ejemplo la unión entre amor y odio.
Los artistas antiguos representaban en piedra las hermosuras de las que hablaban los poetas, así que una de las maneras de realizarlas era de justa proporción y simetría. Pero más tarde se tendrá en cuenta que todas las partes del cuerpo debían juntarse mutuamente según fuera la relación proporcional de la geometría: A es a B como B a C.
En relación con el cosmos y la naturaleza, los pitagóricos afirmaban que el alma y cuerpo del hombre se rigen por la mismas reglas que los fenómenos musicales.
En las otras artes, la estética de la proporción ha tomado distintas formas y cada vez más complicadas y que aparecen también en la pintura. Los artistas del Renacimiento se dieron cuenta de que la buena función en perspectiva no era solamente precisa y realista, sino que también bella y agradable en cuanto a la vista.
No debemos hablar sólo de armonía y proporción para indagar el sentido de la belleza sino que desde la parte más adelantada del pensamiento medieval, se utiliza también la integridad y claridad, donde observamos que en la integridad cada cosa debe tener las partes que le corresponden, evitando que exista un cuerpo mutilado, y en cuanto a la claridad, es considerado bello lo más nítido.
Sí préstamos atención a la proporción en la historia podemos observar que siempre a estado en consonancia con la filosofía platónica, que quiere decir que lo real son las ideas y que las cosas reales son la imitación de las ideas.
A modo de conclusión decir que desde el principio de los tiempos se ha hablado de belleza de la proporción, pero a medida que la especie humana y las épocas han ido evolucionando también lo ha hecho consigo este término, a pesar de sus principios aritméticos y geométricos.
RESUMEN
El sistema tradicional de la enseñanza del dibujo se apoyaba en el estudio de la forma organizada, así como en el inicio de los sistemas de representación objetiva, con el estudio del natural también, más el color. La didáctica era intuitiva y se basaba en técnicas consuetudinarias, en el estudio de los maestros anteriores y en las experiencias del profesor. Con la reconversión de las Escuelas Superiores de Bellas Artes en Facultades de Bellas Artes, las inquietudes intelectuales del profesor y las vanguardias aceptadas por las autoridades académicas, fueron añadiendo otras materias de interés. En una actitud receptiva han dado cabida en su profesorado a licenciados de diversa procedencia.
Eisner, uno de los teóricos de más actualidad, considera que los dominios del aprendizaje artístico son: el productivo, el crítico y el histórico; establece tres tipos de curriculum: programas orientados al taller, diseño creativo (resolver de forma no ambigua y carácter estético) y enfoques humanísticos o relacionados con el arte.
Desde las Facultades de Bellas Artes, el énfasis se ponía tradicionalmente en la producción de artistas, y la preocupación era la estética. Desde el ámbito de un Departamento de Ciencias de la Educación, el enfoque debe ser más amplio, también de menos profundización. Un profesor de Didáctica de la Expresión Plástica, sin renunciar a unos contenidos y una práctica mínimas, debe poner su interés en los aspectos teóricos. También contemplamos otras orientaciones que podemos centrar en las siguientes: la educación a través del arte, la expresión plástica entendida como lenguaje, la expresión plástica como actividad creadora, tradicional entendimiento de la actividad plástica como una extensión de la artesanía, tendencia actual orientada al diseño, la expresión plástica como elemento globalizador de la educación y la educación de la visión artística.
El arte representa el exponente más excelso de determinado momento histórico de una cultura, una sociedad, un pueblo, una región. Dos cuestiones fundamentales justifican por sí mismas la necesidad de la educación artística:
- Histórica: Desde los tiempos más remotos la persona ha sentido la necesidad de producir y disfrutar de objetos artísticos.
- Biológica: El arte plástico es algo innato en el individuo, cualquier niño siente la necesidad de dibujar.
Desde el punto de visto productivo, como dice Eisner, la persona dedicada a practicar arte tiene la necesidad del placer estético. Desde la perspectiva del educador, las “necesidades” que cubre el arte son más amplias. Si analizamos con un criterio historicista, la producción artística encontramos una larga lista.
La finalidad de
nuestra asignatura no es únicamente la de producir artistas, sino la de
proporcionar técnicas expresivas a todos nuestros alumnos. Siguiendo esta idea,
la relación de necesidades o justificaciones del arte se puede resumir en tres
grandes tipos de arte: arte emocional, arte técnico y arte descriptivo.
Con respecto a las proporciones arquitectónicas, hay que tener en cuenta que presentan los mismos intervalos con los cuales se interpretaba los sonidos musicales (Pitágoras es quién se atreve a pasar del concepto aritmético numeral, al concepto geométrico espacial entre dos puntos).
Frente a la belleza del cuerpo humano, cabe decir que la armonía es el equilibrio entre los contrastes, pero según Pitágoras y sus aprendices sostenían que en la oposición de lo contrario sólo uno hacía referencia a la perfección, como por ejemplo lo impar, la recta y el cuadrado son bellos y buenos, mientras que lo contrario a estos representan lo erróneo, lo malo y la falta de armonía. Por el contrario, Heráclito dice que la unión entre los opuestos es lo que forma la armonía, por ejemplo la unión entre amor y odio.
Los artistas antiguos representaban en piedra las hermosuras de las que hablaban los poetas, así que una de las maneras de realizarlas era de justa proporción y simetría. Pero más tarde se tendrá en cuenta que todas las partes del cuerpo debían juntarse mutuamente según fuera la relación proporcional de la geometría: A es a B como B a C.
En relación con el cosmos y la naturaleza, los pitagóricos afirmaban que el alma y cuerpo del hombre se rigen por la mismas reglas que los fenómenos musicales.
En las otras artes, la estética de la proporción ha tomado distintas formas y cada vez más complicadas y que aparecen también en la pintura. Los artistas del Renacimiento se dieron cuenta de que la buena función en perspectiva no era solamente precisa y realista, sino que también bella y agradable en cuanto a la vista.
No debemos hablar sólo de armonía y proporción para indagar el sentido de la belleza sino que desde la parte más adelantada del pensamiento medieval, se utiliza también la integridad y claridad, donde observamos que en la integridad cada cosa debe tener las partes que le corresponden, evitando que exista un cuerpo mutilado, y en cuanto a la claridad, es considerado bello lo más nítido.
Sí préstamos atención a la proporción en la historia podemos observar que siempre a estado en consonancia con la filosofía platónica, que quiere decir que lo real son las ideas y que las cosas reales son la imitación de las ideas.
A modo de conclusión decir que desde el principio de los tiempos se ha hablado de belleza de la proporción, pero a medida que la especie humana y las épocas han ido evolucionando también lo ha hecho consigo este término, a pesar de sus principios aritméticos y geométricos.
TEMA 3
RESUMEN
El autor del texto es John Berger, a través del libro “modos de
ver”, nos presenta este artículo “El presente está solo”.
La visión de una imagen depende de la manera con la que se la
mire.
Las nuevas tecnologías son fruto del deseo de visualizar toda
imagen que nos rodea.
La vista llega antes que las palabras y por eso nunca se ha
establecido una relación entre lo que se ve y se sabe.
Toda imagen simboliza un modo de ver. Sin embargo, la percepción
de la misma depende también de nuestro punto de vista.
Toda pintura o imagen que utilizaba la perspectiva sugería al
espectador como centro del mundo, algo que con la iniciación de las nuevas
tecnologías dejó de percibirse.
IDEAS PRINCIPALES
Las ideas principales que considero que aparecen en este texto
son:
1. La perspectiva con la que podemos observar una imagen.
2. La influencia de las nuevas tecnologías ante el arte.
COMO LO PODEMOS LLEVAR AL AULA
Yo trabajaría este tema mediante una ilustración y que cada niño
escribiera lo que le sugiere, ahí observaríamos que cada uno tiene un punto de
vista diferente.
Otra actividad que se podría plantear sería algo de mímica, puesto
que aquí podríamos observar que cada niño puede interpretar una cosa de
diferente forma.
Podría pedirse también que cada niño dibujase algo concreto y
observaríamos que cada uno lo ve de distinta manera.
TEMA 4
RESUMEN
El siguiente texto se titula “Arte, educación y creatividad”,
escrito por Juan Carlos Arañó Gisbert.
En este artículo se plantea la idea de creatividad en las artes
plásticas y visuales, teniendo en cuenta los conceptos de realidad, belleza,
naturaleza, conocimiento, etc.
El primer punto a tratar sobre este tema es el problema de una
ideología artística: símbolo, arte y cultura. Existen varias áreas de clases
sociales, las cuales pueden parecerse relativamente entre si o no, es decir,
que se posee una identidad cultural con significado individual y colectivo,
pero, en su contexto, no se trata de un simple mundo físico, sino que es
simbólico.
El segundo tema a tratar son las dificultades para la definición
del área del conocimiento. Las enseñanzas artísticas resultan difíciles de
enseñar ya que el arte se encuentra en cada una de las civilizaciones en una o
más formas y su relación para el aprendizaje se vincula con las aptitudes
personales.
El arte se ve desde una perspectiva amplia y liberal.
Se tiene la idea de que la educación es una reconstrucción
continua de la experiencia. Cuando hablamos de actividad artística hacemos
referencia a una experiencia artística, donde la participación es selectiva.
El aprendizaje de nuevos conocimientos comienza con la observación
de conocimientos u objetos o ideas a partir de los conocimientos previos que
tenemos.
Hasta el siglo XIX el concepto de creatividad no se hace presente
en todos los campos de la producción humana. La creatividad parte
principalmente de la innovación. Las cualidades que presenta la creatividad son
las siguientes: gradación, sus orígenes personales según la intención del
autor, la variedad de efectos, la capacidad creativa y el análisis objetivo o
subjetivo.
IDEAS PRINCIPALES:
Conocimiento de la creatividad.
Conocimiento de cultura.
Conocimiento de arte,
La creatividad en la enseñanza artística.
COMO LLEVARLO AL AULA
Se tendría en cuenta los conocimientos previos de cada alumno y a
partir de ahí pediría que se dejaran llevar por sus sentimientos y dibujar
mediante acuarelas, ceras, rotuladores pinturas, gomets…
TEMA 5
El autor del siguiente artículo es Acaso. M. (2006). Titulado
“Herramientas del lenguaje visual”. Es el segundo capítulo del libro “El
lenguaje visual”, Barcelona: Paidós, págs. 49-103.
RESUMEN
Este artículo trata el tema de las herramientas del lenguaje, en
las que encontramos dos tipos: herramientas de configuración y herramientas de
organización.
En las herramientas de configuración nos encontramos con:
* El tamaño: teniendo en cuenta el impacto psicológico (relación
física entre espectador y representación visual); el efecto de notoriedad (
imagen de gran tamaño); y la comodidad de manejo o de ubicación ( tamaño
predeterminado).
* La forma: puede ser orgánica (irregulares, onduladas) o
artificial (rectas y regulares). A partir de aquí se puede trabajar en tres
niveles:
Selección de la forma del producto visual como objeto (forma y
orientación del soporte, sentido de la lectura y contenido simbólico).
Selección de la forma del contenido del producto visual.
Selección de la forma del espacio que alberga al producto visual.
* El color: podemos diferenciar dos tipo: colores-pigmento (cian,
amarillo y magenta. Utilizados en libros) y colores luz (rojo, verde y azul.
Utilizados por el ordenador). Además podemos encontrar tres características:
Luminosidad (luz que posee) Saturación (nivel de pureza en relación con el
color gris) y Temperatura (sensación corporal que transmite).
* La iluminación. Dos tipos: tipo de iluminación que elige el
autor en el contenido intrínseco del propio objeto; y tipo de luz que se
utiliza para iluminar un objeto desde su exterior. Además existen una serie de
criterios de selección que son los siguientes: tipo de fuente (natural o
artificial), cantidad (claves altas o bajas), temperatura y orientación (a
favor de lectura, a contralectura, picado o contrapicado).
* La textura. Soportes o materiales que se aplican a éste.
Encontramos tres tipos de texturas: textura real (información visual y táctil
coinciden), textura simulada (la información de la vista y el tacto no
coinciden) y textura ficticia (se hace creer algo que realmente no lo es).
Herramientas de organización nos encontramos con:
* La composición. Ordenación de las herramientas del lenguaje
visual. Se diferencia entre composición reposada y composición dinámica.
* La retórica visual. Estable relación entre los distintos
significados de los componentes de un producto. Las figuras retóricas son:
metáfora, alegoría y metonimia; calambur; oposición, paralelismo y gradación;
repetición o anáfora; hipérbole; préstamo; elipsis.
IDEAS PRINCIPALES
Las ideas principales de este artículo son:
* Las herramientas del lenguaje visual.
* Características de estas herramientas.
COMO LLEVARLO AL AULA
Lo que yo haría sería crear algún dibujo en el ordenador
Yo mandaría crear a los alumnos dibujos en el ordenador y
colorearlos y después imprimirlos para ver la diferencia de colores en el
ordenador y en papel.
TEMA 6. La conquista de un concepto de
la forma.
La fase esquemática de 7 a 9 años. LOWEENFELD, V. y LAMBERT, B.
A la edad de
7 años, normalmente es cuando un niño adquiere esquemas, que son la captación
de imágenes que ve en su entorno. Estos esquemas varían en cada niño debido a
las experiencias emocionales, por las experiencias táctiles…
El esquema
humano es una de las primeras figuras personalizadas que realiza un niño.
En cuanto al
esquema espacial, decir que el niño en esta fase parte de una línea base, que
tiene como referencia el suelo.
El niño en
su aprendizaje se basa en su propia experiencia ya sea consciente o no.
Se puede
observar que aparecen algunas exageraciones de alguna parte del dibujo u omitir
alguna otra o cambiar algún símbolo.
En esta
etapa, el niño tiene una idea más objetiva a la hora de dibujar y descubre la
relación del color que determina a un objeto.
Es un
momento importante para el desarrollo del niño, puesto que es en esta etapa
donde éste comienza a representar que no solo se relacionan con él mismo sino
también con otros objetos.
IDEAS
PRINCIPALES
Las ideas
principales de este artículo son:
-
El desarrollo del niño en la fase esquemático.
-
Las características del dibujo en esta etapa.
COMO
LLEVARLAS AL AULA
Según mi punto de vista, yo llevaría
este tema al aula de manera que, mandaría hacer un dibujo en el que apareciera
alguna figura humana y a partir de ahí evaluar la creatividad y observaríamos
las diferencias que se encuentran en cada dibujo.
TEMA 7: "Didáctica
Específica de la Educación Plástica". AUTOR: José Luis López Salas
RESUMEN
El sistema tradicional de la enseñanza del dibujo se apoyaba en el estudio de la forma organizada, así como en el inicio de los sistemas de representación objetiva, con el estudio del natural también, más el color. La didáctica era intuitiva y se basaba en técnicas consuetudinarias, en el estudio de los maestros anteriores y en las experiencias del profesor. Con la reconversión de las Escuelas Superiores de Bellas Artes en Facultades de Bellas Artes, las inquietudes intelectuales del profesor y las vanguardias aceptadas por las autoridades académicas, fueron añadiendo otras materias de interés. En una actitud receptiva han dado cabida en su profesorado a licenciados de diversa procedencia.
Eisner, uno de los teóricos de más actualidad, considera que los dominios del aprendizaje artístico son: el productivo, el crítico y el histórico; establece tres tipos de curriculum: programas orientados al taller, diseño creativo (resolver de forma no ambigua y carácter estético) y enfoques humanísticos o relacionados con el arte.
Desde las Facultades de Bellas Artes, el énfasis se ponía tradicionalmente en la producción de artistas, y la preocupación era la estética. Desde el ámbito de un Departamento de Ciencias de la Educación, el enfoque debe ser más amplio, también de menos profundización. Un profesor de Didáctica de la Expresión Plástica, sin renunciar a unos contenidos y una práctica mínimas, debe poner su interés en los aspectos teóricos. También contemplamos otras orientaciones que podemos centrar en las siguientes: la educación a través del arte, la expresión plástica entendida como lenguaje, la expresión plástica como actividad creadora, tradicional entendimiento de la actividad plástica como una extensión de la artesanía, tendencia actual orientada al diseño, la expresión plástica como elemento globalizador de la educación y la educación de la visión artística.
El arte representa el exponente más excelso de determinado momento histórico de una cultura, una sociedad, un pueblo, una región. Dos cuestiones fundamentales justifican por sí mismas la necesidad de la educación artística:
- Histórica: Desde los tiempos más remotos la persona ha sentido la necesidad de producir y disfrutar de objetos artísticos.
- Biológica: El arte plástico es algo innato en el individuo, cualquier niño siente la necesidad de dibujar.
Desde el punto de visto productivo, como dice Eisner, la persona dedicada a practicar arte tiene la necesidad del placer estético. Desde la perspectiva del educador, las “necesidades” que cubre el arte son más amplias. Si analizamos con un criterio historicista, la producción artística encontramos una larga lista.
TEMA 8. "El hiperdesarrollo del lenguaje". Autora: María Acaso
RESUMEN
La educación artística es un área educativa que se diferencia del
resto de las áreas basadas en un lenguaje visual. En la actualidad, partiendo
de la obra “La felicidad paradójica. Ensayo sobre la sociedad de hiperconsumo”
de Gilles Lipovetsky, la era del lenguaje visual ha pasado y hoy nos
encontramos dentro de la era del hiperdesarrollo del lenguaje visual. Tres
factores han sido los causantes del cambio de era:
-Desarrollo de la técnica: El ejemplo del móvil resume en sí mismo
el proceso de hiperdesarrollo del lenguaje visual asociado a la técnica, porque
cualquier avance asociado al hardware se vincula a la capacidad de generar
imágenes. Los principales eslabones de esta cadena de tecnificación que fomenta
el hiperdesarrollo del lenguaje visual son: nacimiento de la fotografía,
desarrollo de la imprenta, nacimiento de la televisión, perfeccionamiento de
los sistemas de tratamiento de las representaciones visuales, perfeccionamiento
de los sistemas de transmisión y desarrollo continúo de nuevos productos en la
web. Los diferentes software de tratamiento de imágenes, han sido y siguen
siendo el proceso que ha afectado en mayor medida al hiperdesarrollo del
lenguaje visual.
-Espectacularización de los mensajes visuales: El hiperdesarrollo
del lenguaje visual, auspiciado por las nuevas tecnologías, produce la
multiplicación de imágenes en los aspectos de nuestra vida, y esto produce el
hecho de que vivamos la experiencia como incompleta si no se exhiben las reproducciones
visuales de dicha experiencia. Porque ya no siento placer al contemplar mis
imágenes, siento placer cuando las comparto contigo. Las representaciones
visuales que configuran este mundo hiperestético acaban por convertir lo
cotidiano en espectáculo, y lo privado en público. Asistimos a un proceso
patológico en el que casi todas las actividades que tienen que ver con la
violencia se han convertido en espectáculo debido al hiperdesarrollo del
lenguaje visual.
-Desarrollo del hiperconsumo: Para que el hiperconsumidor se
convierta en tal, es necesario hiperestimularlo visualmente. Y para crear este
impulso, la hiperutilización del lenguaje es la clave, porque para convencer al
espectador de que compre, el mundo como texto ha sido sustituido por el mundo como
imagen. Podemos afirmar que vivimos dentro del mundo-imagen, paralelo al mundo
real y construido a través del lenguaje visual, que tiene una influencia en
nuestras vidas cada vez mayor que la propia realidad. Pero no debemos olvidar
que la capacidad para absorber e interpretar la información visual no es una
capacidad innata en el ser humano, sino que es una habilidad que hay que
aprender a desarrollar y, por lo tanto, la educación artística tiene mucho que
ver con la desconsolidación del mundo-imagen.
TEMA 9. El programa educativo “Explora Guernica”. Autor: S. González D´Ambrosio
RESUMEN
El Departamento de Educación del Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía, tras la firma de un convenio de colaboración con la Fundación ONCE
y la colaboración con organizaciones que trabajan con personas con
discapacidad, ha desarrollado programas para personas con discapacidad visual.
“Explora Guernica” acerca la obra central del Museo a los
visitantes con discapacidad visual. Constituye una aproximación integral al
gran mural realizado para la exposición Internacional de París de 1937,
combinando estrategias de tipo háptico, auditivo, táctil y visuales. Además, la
narración histórica de los hechos nos permite introducir evocaciones de
estímulos olfativos, auditivos y táctiles presentes durante el bombardeo de
Guernica. El detonante para el diseño de la actividad fue la celebración de la
exposición Picasso: tradición y vanguardia.
Para transmitir Guernica a las personas con discapacidad visual,
utilizamos los diagramas táctiles sobre papel microcapsulado, así se refuerza y
potencia las explicaciones verbales del educador sobre las características de
la obra y las figuras que la componen. De este modo, los participantes de la
actividad pueden conservar los diagramas e incidir posteriormente en su lectura
detallada. Intentar conservar la fuerza expresiva de las figuras en los
diagramas táctiles fue otro de los retos más difíciles y una de nuestras
mayores preocupaciones durante el proceso. Otras características del cuadro,
como la ausencia de perspectiva o de una sensación de profundidad en el cuadro,
facilitaban la adaptación. Los diseños se realizaron siguiendo los códigos y
patrones táctiles fijados por Art Education for the Blind. Los profesionales
del Departamento de Recursos Culturales de la Dirección de Cultura y Deporte de
la ONCE, fueron evaluando nuestras propuestas y nos aconsejaron mejoras para
optimizar su legibilidad.
El objetivo general del programa es impulsar el acceso al
conocimiento y disfrute de las colecciones del Museo por parte de las personas
con discapacidad visual, así como la valoración de las artes plásticas como un
medio efectivo para acercarse a la cultura y para entender la historia y la
sociedad actual. Uno de los objetivos específicos de “Explora Guernica” es
vivenciar la impactante presencia del cuadro, sus dimensiones y el ambiente
generado por los visitantes. Otro objetivo es reconocer a Picasso como figura
clave en la historia de arte contemporáneo y el por qué de la relevancia de su
obra Guernica.
La metodología se adapta dependiendo de las características de
cada grupo o participante. Las sesiones se estructuran en cuatro partes: la
visita a las salas de exposición, la explicación verbal del cuadro, la
exploración de los diagramas táctiles sobre papel microcapsulado y la realización
de un taller de creación.
Aunque la mayoría de los participantes han llegado a través de la
ONCE o de alguna de sus delegaciones territoriales, cabe destacar que ha habido
varias personas y un grupo universitario que han participado sin necesidad de
la mediación de la ONCE.
Al concluir la actividad, el educador facilita un cuestionario de
evaluación a los participantes o a los monitores. Este cuestionario está
disponible en su formato habitual y también en macrocaracteres. Los datos
demuestran que el usuario agradece el carácter reducido de la actividad y el
trato personalizado y adaptado que se otorga a las visitas.
TEMA 10
DIDÁCTICA DE
LA EXPRESIÓN PLÁSTICA O EDUCACIÓN ARTÍSTICA
MARÍN VIADEL,
R. (2000). Fundamentos didácticos de las áreas curriculares.
RESUMEN
El autor del texto nos
introduce primeramente en la educación plástica con una definición de la misma
y como ha sido su evolución a lo largo de su historia.
Este área no solo va
dirigido a niños en edad escolar, sino, también para el resto de la sociedad.
La Educación Artística
plantea como objetivo el conocimiento, disfrute y transformación de los
aspectos visuales, constructivos, simbólicos, artísticos y estéticos de la
naturaleza y de la cultura mediante la creación de imágenes. Dentro de estos
objetivos encontramos cuatro rasgos como:
- Creación visual: mediante el tipo y cualidad
cognoscitiva que se aprenden dibujando, no pueden lograrse mediante otros
procedimientos.
- Cualidades visuales: surgen los elementos
constructivos, sus funciones simbólicas y sus valores artísticos y estéticos.
- Saber,
gozar y representar.
Si observamos esta área
vemos como se lleva a cabo en los distintas etapas de la educación.
En Educación infantil, las
actividades deben estar enfocadas a un nivel básico, entre las que pueden
encontrarse el modelado y construcciones de papel y plastilina, el uso del
cartón y pintura y el dibujo. El objetivo de esta etapa será que el niño
desarrolle su capacidad creativa, de comunicación y de expresión a través de la
creación de imágenes y el conocimiento y comprensión de las obras artísticas.
En Educación Primaria, se
trabaja la percepción de formas e imágenes a través de la observación y la
imaginación y, la puesta en práctica de ello a través de la experimentación con
materiales y procedimientos.
El autor observa dentro de la Didáctica de la
Expresión Plástica, diferentes tendencias. Algunas de ellas son: educación
artística multicultural, multimedia, feminista, medioambiental, etc.
Señalar que será a través de
la experiencia profesional docente y de
la investigación del área de Educación Artística donde se alcanzarán proyectos
y materiales curriculares de calidad, por lo que será la base de las
formaciones pedagógicas.
TRABAJOS PRÁCTICOS
No hay comentarios:
Publicar un comentario