Tema 1
“EL
docente y la Educación Artística”
Artículo
1: “La expresión plástica como producto creativo del lenguaje visual.
Reflexiones acerca de su integración curricular”
Autores: Juan Delgado y Elvira Martínez
Haciendo
un recorrido sobre la evolución de la
Educación Artística en España, nos encontramos con que antes de los años 70 la educación artística se contemplaba como una actividad
que desarrollaba la habilidad manual y la destreza para el dibujo y se basaba
fundamentalmente en la habilidad para reproducir patrones exteriores y que se
concretaba según el nivel de los alumnos. A continuación, los años 70 supusieron un gran avance en la concepción
del área, modificando contenidos, actitudes y sobre todo metodología,
aunque en ocasiones no se supo dirigir bien al alumno. Y finalmente, en los
años 80 y 90, se empiezan a manifestar profesionales de esta disciplina que
pretenden corregir las desviaciones que se produjeron años atrás, aunque se
sigue potenciando el trabajo imitativo y dependiente del alumno.
En este artículo nos encontramos con que a la Educación Plástica se le da
muy poca importancia en el sistema educativo español. Es interesante
destacar cómo se consideran lo creativo y lo artístico conceptos inseparables y
luego en el aula de Educación Plástica, los alumnos son sometidos a procesos de
imitación y copia sin estar estimulando la creatividad.
Las causas de esta contradicción son debidas a que hoy en día se tiene una
valoración marginal de lo artístico, ya que se piensa que no es productivo para
el sistema, y, a su vez, nos encontramos ante la falta de preparación docente
que existe en este ámbito.
En definitiva, hay que decir que para que exista una actividad creativa es
necesario realizar un proceso en el que primero hay que interiorizar la
información, después hay que reflexionar sobre la misma para poder
transformarla y crear usos nuevos, y por último hay que expresarla, es decir,
proyectarla al exterior.
A modo de conclusión y desde mi punto de vista el problema de la enseñanza
Plástica reside principalmente en el docente (en la mayoría de ocasiones)
debido a que éste no está formado para impartir este tipo de asignatura. Lo
primero que debe de hacer el docente a nivel aula en este ámbito, y en todos,
es motivar al alumno para generar y retroalimentar su capacidad de aprender, lo
cual provoca un rendimiento positivo del mismo. Y cuando el alumno ya está
motivado, entonces el docente debe fomentar la creatividad teniendo claro que
debe:
- Asumir la creatividad como parte del aprendizaje.
- Pensar la creatividad como una habilidad.
- Crear un entorno que propicie la creatividad.
- Tener en cuenta todos los debates y discusiones.
- Afirmar la libertad de expresión.
- Dejar espacio para los errores.
- Hacer un espacio para la creatividad.
- Saber que la creatividad genera auto confianza.
- Animar la curiosidad de los estudiantes.
- Comprender que la creatividad es importante para el futuro de los estudiantes en el mercado laboral.
Por último, decir que es necesario crear nuevas
leyes que plasmen la importancia de esta disciplina, porque es una pena que el
arte se desmerezca de esta forma.
Artículo 2: “Educación Artística: propuestas para la
formación del profesorado en los nuevos estudios de Grado.”
Autora: Carmen Alcaide
En
este artículo nos encontramos con que en la actualidad cultural el desarrollo
de las Artes es un prestigio evidente, pero en nuestro sistema educativo existe
escasa formación en todos los niveles. La formación artística en los currículos
de enseñanza es inferior al destinado a otras materias, pero además de estar
limitada, la formación en muchas ocasiones es errónea debido a que no se
alcanzan los objetivos que supuestamente se pretenden cumplir.
Debido
a que la formación del profesorado es uno de los distintos responsables sobre
la situación de la Educación Artística en la enseñanza actual se tiene la
necesidad de adaptarse al Espacio Europeo de Educación Superior para generar
nuevos Planes de Estudio que sean más acordes a las necesidades académicas y
laborales actuales.
Según
la demanda de los estudiantes relacionados con la Educación Artística, se han
diseñado diferentes propuestas para favorecer el desarrollo artístico y
pedagógico de los educadores:
- Grado en Educación Artística: Plástica y Música.
- Grado en Educación Infantil con Mención en Educación Artística. (Doble titulación).
- Grado en Educación Primaria con Mención en Educación Artística. (Doble titulación).
- Posgrado en Artes Visuales (diversas opciones).
- Posgrado en Música (diversas opciones).
Esta
propuesta de títulos para la formación del Profesorado se debe encuadrar dentro
de la Rama de Ciencias Sociales y Jurídicas tal y como se especifica en el
documento del MEC.
En
definitiva, la Educación Artística experimenta, cada día con mayor nitidez, la
necesidad de contar con un espacio de investigación y de acción pedagógica
propio para mejorar la metodología de la enseñanza.
Para
concluir, en mi opinión, se debería cursar la carrera de Educación Primaria con
una especialización específica, es decir, que si una persona tiene El Grado de
Educación Primaria, se tiene que especializar en un área concreta para que sólo
pueda impartir clases de esta materia y así habrá docentes cualificados para
cada asignatura, pero claro esto es algo que no sé si algún día se llegará a
conseguir, hay que tener la esperanza de que nuestro sistema educativo cambie
para hacer frente a las demandas de la sociedad.
Y,
también, decir que es necesario formar a docentes para que sean capaces de
trabajar en equipo, priorizando el trabajo cooperativo y sin olvidar que el rol
docente no acaba en el aula, sino que hay que prepararse el trabajo y estar
constantemente renovando información.
Artículo 3: “Educación Artística y Cultural. Un proyecto
de didáctica de la Expresión Plástica en la formación inicial del profesorado”
Autor:
Alfredo Palacios Garrido
En este
artículo el autor comienza hablando de que la mayoría de las actividades que se
trabajan en Educación Plástica están aisladas y sin relación unas con otras
debido a que año tras año se utilizan las mismas actividades por la falta de
formación del profesorado y, además, no se tienen en cuenta los intereses de
los alumnos.
El problema
reside en que un docente de Educación Artística puede tener muchos
conocimientos pero no saber aplicarlos en el aula (didáctica) o viceversa, y es
por ello, por lo que se propone un proyecto que muestre una metodología
globalizadora del currículo, que desarrolle un análisis visual y conceptual
destinado a la comprensión e interpretación de unos rasgos estilísticos, que
potencie un conocimiento de manifestaciones artísticas, y que de funcionalidad
y contextualice el estudio de aspectos formales y de sintaxis dentro del
currículo.
Estos proyectos
favorecen el desarrollo de estrategias de planificación y capacidad de
trabajar. El fenómeno artístico es capaz de integrar un gran número de aspectos
culturales y sociales y se considera un instrumento de conocimiento que permite
la relación de las diferentes formas de representación, expresión y análisis de
la realidad.
Lo que se
quiere es que los estudiantes estén en contacto con la realidad que les rodea y
que sientan la Educación Artística como medio para conocerla.
Para la
realización de estos proyectos es necesario:
- Establecer objetivos.
- Elegir un tema para la investigación.
- Desarrollar el trabajo.
- Evaluación.
A modo de conclusión, es importante saber que en
Educación Artística el alumno debe asimilar las cosas a través de la
experiencia y que sepa utilizar los conocimientos aprendidos en otros
contextos. Es necesario tener la concepción de que la Educación Artística es un
instrumento de conocimiento que contribuye a comprender la realidad.
Tema 2
“La apreciación plástica de Estilos Artísticos. La necesidad de
juicios críticos”
Artículo 1: “El arte y los artistas”
Autor: E. H. Gombrich
En
este capítulo sobre la Historia del Arte, el autor comienza afirmando que el
Arte no existe realmente, que tan sólo hay artistas. Según en la época y en el
lugar donde nos encontremos, la palabra Arte puede significar muchas cosas
diferentes, pero según Gombrich, hay que aprender que el Arte escrito con
mayúscula no existe, éste sólo es un fantasma y un ídolo.
Cada
persona tiene diferentes gustos y aversiones, y es por ello que cuando vemos un
cuadro nos vienen a la cabeza infinidad de recuerdos que influyen sobre
nuestros gustos y nos ayudan a disfrutar
lo que vemos.
La belleza es algo que varía muchísimo según los gustos y los criterios de
cada persona, por lo que un artista nunca nos podría censurar por nuestros
gustos; normalmente, lo bello para mucha gente es aquello donde se refleja la
realidad. Además, hay que decir, que las personas, además de la belleza en una
obra, también busca la expresión, es
decir, buscan comprender la obra con facilidad a través de la expresión de la
obra, lo cual emociona al espectador, pero hay que decir que no siempre es
fácil ver en una obra lo que se quiere expresar. Cuando el pintor italiano del
siglo XVII Guido Reni pintó la cabeza del Cristo en la cruz se propuso, sin
duda, que el contemplador encontrase en este rostro la agonía y toda la
exaltación de la pasión. En los siglos posteriores, muchos seres humanos han
sacado fuerzas y consuelo de una representación semejante del Cristo. El
sentimiento que expresa es tan intenso y evidente que pueden hallarse
reproducciones de esta obra en sencillas iglesias y apartados lugares donde la
gente no tiene idea alguna acerca del Arte.
También
hay que destacar que las personas que se acercan por primera vez al Arte, se
fijan en la destreza que tiene el artista al representar la realidad y lo que
más les gusta son los cuadros que expresan lo que se ve de verdad en la
realidad, y es por ello, por lo que sienten rechazo hacia las obras que
consideran que están mal dibujadas. Según el autor, un artista moderno posee
los suficientes conocimientos para dibujar con corrección, por lo que nunca hay
que considerar una obra incorrectamente dibujada, ya que el artista pudo tener
sus motivos para la alterar la apariencia de la obra y expresar con ello un
sentimiento. Cuando una persona contempla un cuadro es necesario que se despoje
de sus costumbres y de sus prejuicios para poder apreciar realmente lo que el
artista quiere trasmitir.
La
verdad es que resulta imposible dictar normas, porque nunca se puede saber por
anticipado qué efectos desea conseguir el artista. Como no existen reglas que
nos expliquen cuándo un cuadro o una escultura está bien, por lo general es
imposible explicar exactamente con palabras por qué creemos que nos encontramos
ante una obra maestra.
Nunca
se deja de aprender en cuanto al Arte se refiere, siempre existen cosas nuevas
por descubrir; aunque sea difícil, es necesario mirar un cuadro con los ojos
limpios y dejarse llevar.
A modo
de conclusión, me gustaría decir que el Arte es algo subjetivo que depende de
muchos factores (época, gustos personales, lugar…) y a la hora de introducirlo
en el aula sería conveniente hacer un recorrido por las diferentes épocas y
hacer que los alumnos viesen lo que cada autor quería expresar y así ellos
poder plasmar en sus dibujos lo que sienten.
Artículo
2: "La belleza como proporción y
armonía"
Autor:
Umberto Eco
En
este documento se comienza diciendo que una cosa bella es aquella que es
proporcionada, lo cual explica el por qué en la antigüedad la belleza se
identificó con la proporción y además se le unía el color. La estética de la
proporción ha ido adoptando diversas formas y cada vez más complejas. Para
Santo Tomás de Aquino, la belleza es la adecuada proporción, la integridad, la
claridad y la consonancia, y también la considera como un valor moral, es
decir, habla de belleza moral, se basa en el principio de la adecuación al fin
al que está destinada la cosa.
Según
Pitágoras, el número es el principio de todas las cosas y es por ello por lo
que nace una visión estético-matemática del universo. Las relaciones
matemáticas regulan los sonidos musicales y es la idea de armonía musical la
que se asocia con cualquier regla para la producción de lo bello; y son los
Pitagóricos los que sabían que los distintos modos musicales influyen en la
psicología de las personas.
A la
hora de hablar de la proporción arquitectónica se construye la Tetrakys
pitagórica, que es un símbolo de igualdad perfecta y en ella se concentra la
sabiduría universal. Y es también Pacioli quien descubre la divina proporción
que es la sección Áurea. La arquitectura de Vitrubio sirvió de modelo para la
proporción óptima en la edad media y renacimiento, el cual hace alusión a la
preferencia de las figuras pentagonales y al arte gótico.
En
relación con el cuerpo humano, Pitágoras ve la perfección en lo impar, la recta
y lo cuadrado; así como para Heráclito la armonía es el equilibrio como son la
quietud y el movimiento.
Hay
que destacar también la relación que existe entre el cosmos y la naturaleza,
que según Boecio, el alma y el cuerpo están sometidos a las mismas reglas que
regulan los fenómenos musicales y así se encuentra la armonía del cosmos.
A modo
de conclusión, decir que la historia se basa en una noción ideal de la armonía
que ha ido cambiando a lo largo del tiempo. Según Humberto Eco: “el arte es una
de las manifestaciones de la belleza pero solo contemplando el arte no podríamos
comprender el alcance de lo que la belleza ha representado para las culturas”.
A la
hora de introducir el tema de la belleza en el aula se le podría decir a los
alumnos que dibujasen algo que considerasen bello y así cada uno realizaría un
dibujo totalmente diferente porque la belleza es algo subjetivo y cada persona
la aprecia de manera diferente. Y una vez que hiciesen su dibujo, cada alumno
lo enseñaría a la clase y le explicaría los motivo del por qué considera que su
dibujo es bello.
TEMA 3
“Modos de ver”
Autor: John Berger
Esta
obra de John Berger, se cuestiona si existe o no una forma objetiva de contemplar la realidad. El autor
muestra una serie de opiniones acerca del proceso de observar, ver y mirar una
imagen concreta. Afirma que la vista
llega antes que las palabras y que el niño ve antes de hablar pero, el ojo
humano sólo será capaz de procesar lo que
vea cuando lo relacione con alguna referencia previa.
Según
Berger, lo que sabemos o lo que
creemos afecta al modo en que vemos las cosas, es decir, según la información
que las personas han adquirido en su educación y las propias experiencias,
hacen que las personas vean las cosas de diferente manera.
Para el autor, solamente vemos aquello que
miramos y mirar es un acto voluntario y no se trata de que la reproducción no
logre reflejar fielmente ciertos aspectos de una imagen, sino de que la reproducción
hace posible, e incluso inevitable, que una imagen sea utilizada para numerosos
fines distintos y que la imagen reproducida, al contrario que la original, se
presta a tales usos.
En este ensayo, también se habla de la
manipulación que puede existir según la intención que tenga el autor de la
imagen, es decir, una sola imagen puede sugerir al observador una
interpretación diferente a la que quiere transmitir el autor, pero si a esa
imagen se le añade un texto , las interpretaciones se reducen y se someten a la
interpretación que el autor haya querido transmitir.
Gracias a los avances que existen hoy en día, el
arte, cada vez más, se acerca a la gente, ya no es algo a lo que sólo puede
acceder la élite de la sociedad, sin embargo, la gente, todavía muestra
desinterés por el arte. Según el texto, las
personas tenemos, muchas veces, ideas preconcebidas sobre el arte, o cómo una
obra puede llegar a ser más valorada dependiendo de cuál sea su precio en el
mercado o por el hecho de que sea apreciada por coleccionistas.
Es necesario, que dejemos de ver el arte del pasado
como algo a lo que no podemos acceder debido a que éste ha ido evolucionando a
lo largo del tiempo y ahora se nos permite ser partícipes de él.
A modo de conclusión, tras la lectura de la obra, tengo que decir que cada
persona percibe las cosas de manera diferente según sus vivencias, su educación
y el entorno en el que haya vivido. Por tanto, la realidad y
nuestra percepción de la realidad son cosas distintas que dependen de cada uno
de nosotros.
TEMA 4
“Arte, educación y creatividad”
Autor: Juan Carlos Arañó Gisbert
En
este artículo, el autor plantea el concepto de creatividad en las artes
plásticas y visuales. El término Creatividad, al igual que el de Arte, dependen
de la cultura; son términos ambiguos, imprecisos y han sufrido distintas
consideraciones y evoluciones.
En
cuanto al Arte, hay que decir que está presente en cada civilización humana y
la habilidad para su aprendizaje está en relación directa con las aptitudes
personales; normalmente, las enseñanzas artísticas, se consideran difíciles de
enseñar. La preocupación por el Arte se remota a tiempos antiguos y, en la
actualidad, se trata de situarlo al mismo nivel que la ciencia, entendiéndolo
como un órgano de conocimiento que ilumina de forma similar el mundo de las
ideas, expresivas por medio de ellas.
En
sentido educativo, el Arte se intenta transmitir con objetividad y univocidad,
y se entiende como una actividad humana consciente en la que el individuo se
manifiesta plenamente capaz de intervenir y/u observar su contexto, y como
resultado de esa intervención, reproduce cosas y/o ideas, manipula formas y/o
ideas de modo creador, y/o expresa una experiencia.
En
la última década, en USA, se viene desarrollando la idea de Educación Artística
como Disciplina cuyo núcleo es la formación artística en la educación general
organizada en torno a cuatro materias directamente interrelacionadas que
establecen: la estética, la producción artística, la historia del arte y la
crítica del arte. Su objetivo final consiste en que el estudiante adquiera una
cultura, en concreto la artística. Y para que esta educación sea significativa,
se debe realizar una planificación a partir del interés y conocimiento de los
estudiantes y desde éste organizar su estructura.
Y,
en cuanto al concepto de creatividad, hay que destacar que este término nunca
existió en nuestra cultura, debido a que para los griegos y los romanos era
algo indeseable porque decían que el arte era una destreza que estaba regida
por normas; los hombres del Renacimiento fueron conscientes de su libertad, independencia
y creatividad propias; en el siglo XVI el término más aproximado a la actividad
creadora es el de genio; en el siglo XVIII, el concepto de creatividad va
apareciendo con mayor frecuencia unido al concepto de imaginación en teoría del
arte; y, finalmente, con el progreso de las ideas ilustradoras y con el
desarrollo de los estudios de la personalidad en psicología, buscan mayores
razones externas para su descripción, lo cual hace que entre en desuso; y en el
siglo XX, la expresión “creativo” empezó a aplicarse a lo largo de todas las
culturas occidentales, es decir, la creatividad es posible en todos los campos
de la producción humana.
El
rasgo que distingue a la creatividad de otros campos es la novedad. Toda
creatividad implica innovación, pero no a la inversa.
Y ,
por último, decir que se pueden distinguir cuatro tipos de conducta creadora:
conducta que no acepta límites (extensión de los temas y de las formas comunes
de la obra de arte por medio de nuevas combinaciones o de una elaboración
diferente), conducta inventiva (creación de temas o formas nuevas), conducta
que supera los límites (elaboración de temas y formas enteramente nuevos) y
conducta organizadora estética (ordenamiento de formas específicas para
construir un todo coherente, armonioso y equilibrado).
TEMA 5
“Herramientas del lenguaje visual”
Autora: María Acaso
En
este texto se trabajan las herramientas que se utilizan para el lenguaje
visual. Este lenguaje es un código específico de la comunicación visual, el
cual se articula a través de dos grandes grupos de herramientas con las que
construimos los significantes y los significados de los mensajes y con las que
organizamos, ordenamos y jerarquizamos esos elementos: herramientas de
configuración y herramientas de organización.
Con respecto
a las herramientas de configuración nos encontramos con: el tamaño, la forma,
el color, la iluminación y la textura.
El tamaño hace referencia a las
dimensiones físicas del producto visual. Esta herramienta se selecciona en
relación con la escala del espectador, y, a través de un sistema de
comparación, produce una relación física con la representación visual. Los
criterios de selección de esta herramienta son: el impacto psicológico
(relación que se establece físicamente entre el espectador y la representación
visual), el efecto de notoriedad (percibir cuándo la visualización se convierte
en un evento) y la comodidad de manejo o de ubicación (se selecciona cuando el
tamaño le viene impuesto al creador de la imagen).
La forma es la determinación exterior de
la materia y se clasifica en dos grupos: las formas orgánicas (son las más
habituales en el mundo natural y tienden a ser irregulares y ondulantes) y las
formas artificiales (de tipo
geométrico, en su mayoría creadas por el hombre, y suelen ser regulares y
rectas). Según la forma, el artista tiene establecidos unos niveles de selección
para elegir los recursos formales: selección de la forma del producto visual
como objeto (límites físicos del soporte de la representación), selección de la
forma del contenido del producto visual (forma de los objetos representados) y
selección de la forma del espacio que alberga al producto visual (espacio donde
la obra va a ser representada).
El color es una de las herramientas más importantes para
transmitir significados a través del lenguaje visual. Existen dos tipos de
colores: los colores-pigmento (aquellos en los que se trabaja el color como
materia y que se pueden tocar físicamente como el cian, el amarillo y el
magenta) y los colores-luz (tienen un carácter intangible; rojo, verde y azul).
Y, además, para dominar el color hay que tener en cuenta la luminosidad
(cantidad de luz que posee un color como característica propia), la saturación (niveles
de pureza del color en relación al gris, cuanto más saturado, mayor pureza y
más alejado del gris) y la temperatura (fenómeno visual según las sensaciones
corporales: colores cálidos vs colores fríos). Y, también puede transmitir
significados muy concretos según cinco criterios de selección del color: contenido
simbólico, calendario comercial, contraste visual, identificación de la marca e
identificación con el público-objetivo.
La iluminación transmite significado desde la
iluminación que el autor elige para el objeto o desde la que se utiliza para
iluminar ese objeto desde el exterior. Los criterios selección son: tipo de
fuente (natural o artificial), cantidad (claves altas o bajas), temperatura
(caliente o fría) y orientación (a favor de la lectura, a contralectura, picado
o contrapicado).
Y
la textura es la materia
de la que está hecho el producto visual, puede referirse a la textura del
material del soporte o la textura de los materiales que se aplican sobre
soporte.
Y,
además, se puede clasificar en real (lo percibido por la vista coincide con el
tacto), simulada (lo percibido por el ojo no coincide con el tacto) y ficticia
(cuando el receptor piensa que el producto es de una calidad cuando es de otra).
Y,
por último, en cuanto a las herramientas de organización, nos encontramos con:
la composición y la retórica visual.
La composición es la
ordenación de las herramientas del lenguaje visual dentro del espacio
disponible del soporte; se utilizan diferentes recursos para generar
significado: si lo que se quiere es crear una composición reposada, los recursos
tienen que ser simétricos, rectos, centrípetos, completos y centrados, y si se
quiere alcanzar una composición dinámica, los recursos serán inconstantes,
asimétricos, oblicuos, centrífugos, incompletos y descentrados.
Y
la retórica visual se
utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del
producto visual. Esta herramienta funciona mediante múltiples figuras retóricas
agrupadas en cuatro grupos: sustitución, comparación, adjunción y supresión.
Y,
para concluir, decir que aprender a ver es como aprender a conducir, como se
muestra al final del texto; cuando te enfrentas por primera vez al lenguaje
visual, te sometes a un proceso lento en el que vas recordando cada paso, pero
con el tiempo te acostumbras y ya lo realizas de manera automática.
TEMA 6
“La
conquista de un concepto de la forma”
Autores: Lowenfeld,
V. y Lambert, B.
En este texto nos encontramos con la importancia que tiene la fase
esquemática que se desarrolla en los niños de los 7 hasta los 9 años, en la
cual el niño comienza a elaborar esquemas según emociones y vivencias. El
esquema está determinado por la forma de ver de cada niño y el significado que
éste asocia al mismo.
Desde
la fase anterior hasta la esquemática, los niños han ido adquiriendo un mayor
control en los trazos, y ya pueden dibujar con una intención de representar
objetos concretos. Sus producciones gráficas van asemejándose cada vez más a lo
que quieren representar.
El niño se va
desarrollando durante esta etapa y va adoptando nuevos comportamientos, deja de
ser egocéntrico para empezar a pensar más en los demás; van adquiriendo un
mayor sentido del espacio y el dibujo se vuelve una composición que relaciona
distintos objetos de forma coherente y armónica.
Cuando el niño
dibuja, expresa la realidad que percibe; estas imágenes son el resultado de un
proceso mental donde el niño representa su realidad. Con el estudio de los
dibujos, también podemos ver en el grado de conocimiento y el desarrollo del
intelecto, lo cual depende del entorno del niño. Lo que se pretende con este
proceso esquemático es ver la evolución que va teniendo el niño. Un cambio
importante en esta etapa tiene que ver con la utilización del color, los niños
relacionarán cada vez más los colores con los objetos que representen.
La representación del tiempo y espacio incluyen en un dibujo secuencias
temporales diferentes o impresiones espaciales distintas. Uno de los objetos de
representación es la historia.
El niño
descubre naturalmente que existe una relación entre el color y el objeto, ya
dibuja el medio de modo más objetivo y desarrollando relaciones espaciadas
definidas. Repite esquemas de la persona y de colores para los mismos objetos.
La motivación que debe usar el docente en los distintos niveles de edad
surge de las necesidades de los niños durante cada fase del desarrollo,
cualquier motivación debe originar y estimular un intenso deseo de crear una
obra significativa y debe animar a los niños a ser flexibles en su aproximación
al material, seleccionándolo con cuidado según la actividad que se vaya a
llevar a cabo y según a los alumnos a los que vaya dirigido, y al tema, que es
de gran importancia porque si no se elige bien, el alumno perderá el interés
por la tarea.
TEMA 7
“Didáctica específica de la expresión plástica”
Autor: José Luis López Salas
El sistema tradicional de la enseñanza
del dibujo se apoyaba en el estudio de la forma organizada, la geometría,
comenzada ya en la educación general básica, así como el inicio de los sistemas
de representación objetiva, que se estudiaba razonadamente en secundaria, con
el estudio del manual también, comenzando con la reproducción de volúmenes
reglados y de revolución, que servían como paso intermedio, mas el color.
La didáctica
empleada era intuitiva y se basaba en técnicas consuetudinarias, en el estudio
de los maestros anteriores y en las experiencias del profesor, que corregía
sobre la marcha los ejercicios del alumno.
Eisner consideraba que los dominios del aprendizaje artístico son: el productivo,
el crítico y el histórico y establece tres tipos de currículum: Programas
orientados al taller, Diseño creativo y Enfoques humanísticos o relacionados
con las artes.
Para facilitar a los profesores que vayan a analizar y a
formar el arte infantil, es recomendable contemplar las siguientes
orientaciones: la educación por el arte, la expresión plástica entendida como
lenguaje, la expresión plástica como actividad creadora, tradicional
entendimiento de la actividad plástica como una extensión de la artesanía,
tendencia actual orientada al diseño, la expresión plástica como elemento
globalizador de la educación y educación de la visión artística.
En este libro,
se puede ver como la Expresión Plástica es entendida de diferentes formas: como
lenguaje, como actividad creadora, como una extensión de la artesanía, como
diseño, como elemento globalizador de la educación y como desarrollo de la
sensibilidad estética.
Y en cuanto a las Necesidades de la educación artística existen dos razones que
justifican la necesidad de esta educación: histórica y biológica. A través de
la historia se ve la latencia del arte, desde los tiempos más remotos por lo
que el hombre ha sentido la necesidad de producir y disfrutar de
objetos artísticos; y, con respecto a la razón biológica, se observa que
el arte plástico es algo innato en el individuo ya que cualquier niño siente la
necesidad de dibujar, es decir, el arte infantil es espontáneo y va ligado a la
persona.
Como dice
Eisner, desde el punto de vista productivo, la persona dedicada a practicar el
arte tiene una necesidad del placer estético; desde la perspectiva del
educador, las necesidades que cubre el arte son más amplias,
aunque siempre esté inherente la característica estética.
Como
conclusión decir que es importante que los alumnos aprendan de manera más
eficaz , pero existe el inconveniente de que no puedan hacerlo debido a que
puede que los profesores no estén dotados de los suficientes conocimientos como
para que los alumnos aprendan de forma óptima.
TEMA 8
“El hiperdesarrollo del lenguaje visual”
Autora: María Acaso
Este libro, trata de la vinculación de la
educación artística con los procesos intelectuales que generan
conocimiento a través del lenguaje visual, sin hacer desaparecer por ello los
procesos manuales, pero sí descentrándolos.
La autora presenta una propuesta completa a partir
de la cual sea posible ejecutar una educación de las artes y de la cultura
visual desde una perspectiva innovadora en consonancia con el mundo que nos
rodea.
La
Educación Artística es un área educativa que se diferencia del resto de las
áreas debido a que su conocimiento se genera a partir del lenguaje visual.
El lenguaje
visual es un mundo configurado por numerosas características referidas con el
arte. La autora nombra las referencias del filósofo Gilles Lipovetsky, el
cual aplica el término “hiper” a la sociedad de consumo, haciendo referencia a
que vivimos en una sociedad de hiperconsumo.
A lo largo del
tiempo se han ido produciendo grandes cambios tecnológicos debido al desarrollo
de la sociedad, así pues, lo mismo ha pasado con el lenguaje visual, se ha
producido un proceso de hiperdesarrollo. Lo que se pretende decir a través del
lenguaje visual no se puede comunicar a través de otro tipo de lenguaje.
Se puede
afirmar que vivimos dentro del mundo-imagen, de una serie de mundos visuales paralelos
al mundo real y construidos a través del lenguaje visual, que tienen una
influencia en nuestras vidas cada vez mayor que la propia realidad. Vivimos en
una sociedad estresada donde todo se acelera cuyas características están
ligadas al hiperdesarrollo del lenguaje visual, el cual funciona como catapulta
del deseo.
Y no hay que
olvidar que la capacidad de absorber e interpretar la información visual no es
una capacidad innata en el ser humano, sino que es una habilidad que hay que
aprender a desarrollar, por lo que la Educación Artística tiene mucho que ver
con la desconsolidación del mundo-imagen.
Tema 9
“Explora Guernica: unir los sentidos
para conocer la obra clave de Picasso. Un programa educativo de accesibilidad
para personas con discapacidad visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía.”
Autor: S. González D´Ambrosio
En
este documento nos encontramos con la presentación del programa educativo
“Explora Guernica” en el que unen los sentidos para conocer la obra de
Picasso. Es un programa del Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid cuya iniciativa es la de
favorecer el acceso de las personas con discapacidad visual a los museos
mediante la combinación de informaciones verbales, la exploración de diagramas
táctiles y la realización de talleres de creación. Esta actividad amplia y
potencia el acercamiento a las obras de arte y el convencimiento de que éstas
deben ser accesibles a todos, además, permite la participación conjunta de personas con y sin discapacidad
visual, favoreciendo la integración y la visibilidad.
Este
programa, une las diferentes formas y canales de la percepción para acercar la
obra central del Museo a los visitantes con discapacidad visual. El arte exige
mucho más que un mero estímulo visual, por lo que puede y debe ser accesible
para todos ya que todos tenemos derecho a sentir, a conocer y a disfrutar.
Para
transmitir el Guernica a las personas con discapacidad visual fue necesario
contar con algún tipo de adaptación táctil que reforzase y potenciase las
explicaciones verbales sobre las características formales de la obra y las
figuras que la componen, por lo que se seleccionaron los diagramas táctiles
sobre papel microcapsulado. Esta elección de material se realizó por varias
razones como por la gestión directa desde el Museo del diseño y la producción
de láminas, por la posibilidad de introducir modificaciones, por la rapidez de
ejecución y por la posibilidad de realizar tantas copias como fuesen necesarias
a un coste reducido.
En
cuanto a los objetivos de este programa, destacar el de conocer y
familiarizarse con los códigos empleados para trasponer las imágenes visuales
en diagramas táctiles, de forma que los participantes puedan discriminar a
través del tacto y con el apoyo de las indicaciones verbales, las formas y los
elementos marcados en láminas que se exploren.
Para
garantizar un buen aprovechamiento de la actividad se presta una atención
personalizada de forma individual o por grupos; el educador adecua la visita a
las necesidades e intereses de los participantes. La metodología se adapta a
las características de los participantes y la duración de cada sesión oscila
entre las dos horas debido a que primero se visitan las salas, luego se explica
verbalmente el Guernica, después se exploran los diagramas táctiles y, por
último, se realiza un taller de creación. Y al concluir la actividad, el
educador facilita un cuestionario para poder mejorar las actividades.
Este
programa ha tenido una buena aceptación y potencia las iniciativas que permitan
el acceso de las personas con discapacidad visual a los museos y a la cultura
debido a que todos tenemos derecho a conocer nuestro pasado y nuestra cultura.
TEMA 10
“Didáctica de la expresión plástica o
Educación Artística”
Autor: Ricardo Marín Viadel
Este
documento se centra en la Didáctica de la Expresión Plástica (DEP), la cual es
el área de conocimiento cuyo objeto de estudio es la educación artística y
estética, es decir, los procesos de enseñanza y de aprendizaje de las Artes,
las Culturas y las Comunicaciones Visuales.
La
DEP estudia las situaciones y acontecimientos que se producen en el sistema
educativo formal y el conjunto de las actividades formativas y educativas que
se producen en diferentes instituciones y agencias sociales. También se ocupa
del aprendizaje del alumnado en edad escolar y de cualquier otro grupo de
personas y, a su vez, trata el dibujo y cualquier tipo o sistema de
comunicación visual o manifestación artística.
Ésta
es una disciplina o conjunto de ellas interdisciplinares y profesionalizantes
cuyo objeto propio de estudio es el aprendizaje artístico. El objetivo o
finalidad de la Educación Artística es el conocimiento, el disfrute y la
transformación de aspectos visuales para conseguir un mayor disfrute tanto del
mundo como de la cultura y un mejor conocimiento de la experiencia humana.
También
hay que ver la evolución histórica del término “Didáctica de la Expresión
Plástica” debido a que no siempre se ha denominado así. Los términos que le
precedían fueron los siguientes: “Formación de artistas, artesanos y
diseñadores”, ”Enseñanza del dibujo y la educación estética en la escuela”,
”Formación del profesorado de arte” y ,por último, el actual, “Didáctica de la
Expresión Plástica”.
En
cuanto al aprendizaje artístico, analiza
y explica diversas conductas y capacidades tales como la percepción, el
pensamiento, la inteligencia visual, la creación, la producción, la proyección
de imágenes, la imaginación, la fantasía, la creatividad visual, el
conocimiento y la comprensión de imágenes.
También
podemos ver en el texto que las asociaciones profesionales de la educación
artística son escasas debido a que para muchas de las personas que trabajan en
educación artística no existe una clara conciencia profesional en torno a su actividad
docente, porque en gran parte no existe una clara formación inicial
especializada. Una de las asociaciones que es importante es la NAEA, que fue
fundada en 1947 para promover la educación artística a través del desarrollo
profesional, el avance del conocimiento y la investigación.
Uno
de los documentos normativos sobre la formación del profesorado de enseñanzas
artísticas que elaboró, aprobó y publicó la NAEA fue el de las recomendaciones
de las asociaciones profesionales de educación artística sobre la formación del
profesorado de artes visuales, en el cual queda reflejado que dicha educación,
debe organizarse en torno a cuatro ejes: conocimientos de artes visuales,
conocimientos de ciencias humanas y sociales, teoría de la enseñanza y el aprendizaje
y prácticas docentes.
Y,
por último, con respeto a la formación del profesorado de Educación Infantil y
Primaria, los docentes deben de tener unas destrezas en el lenguaje visual,
comprendiendo y generando imágenes, al mismo nivel con el que se debe manejar
el lenguaje verbal. Para su formación
inicial deben figurar asignaturas de educación artística específicamente
dirigidas a estos niveles educativos; y para su formación permanente debe
existir una amplia variedad de cursos y seminarios de diferente formato y
duración.
"Elaboración del Blog de Dibujo"
LÁMINA 1
Elaboración de una lámina con capturas de pantalla sobre la realización del blog digital de la asignatura de Enseñanza y Aprendizaje de la Expresión Plástica y Visual.
LÁMINA 2 Y 3
Capturas de pantalla de este blog y explicación de mi reflexión docente sobre los valores de la Educación Plástica y Visual
LÁMINA 4
Resúmenes del primer tema de la asignatura sobre la importancia de la creatividad
LÁMINA 5
Resúmenes del segundo tema de la asignatura sobre el Arte y su concepción de la belleza
LÁMINA 6
Elaboración de figuras simples a partir de la técnica de papel rasgado
LÁMINA 7
Elaboración de figuras complejas a partir de la técnica de papel rasgado
LÁMINA 8
Realización de diferentes emociones con la técnica de papel rasgado y un rotulador
LÁMINA 9
Resumen del tercer tema de la asignatura sobre la concepción de la realidad
LÁMINA 10
Resumen del cuarto tema de la asignatura sobre sobre la creatividad y el Arte
LÁMINA 11
Elaboración de la versión del cuadro de "Los Girasoles" de Van Gogh con fragmentos de papel rasgado
LÁMINA 12
Ampliación de un dibujo simple a partir de una cuadrícula
LÁMINA 13
Resumen del quinto tema de la asignatura sobre las herramientas del lenguaje visual
LÁMINA 14
Resumen del sexto tema de la asignatura sobre la fase esquemática de los niños de 7 a 9 años
LÁMINA 15
Caracterización de unas imágenes basadas en seis adjetivos
LÁMINA 16
Resumen del séptimo tema de la asignatura sobre la expresión plástica
LÁMINA 17
Resumen del octavo tema de la asignatura sobre el desarrollo del lenguaje visual
LÁMINA 18
Creación de un dibujo a partir de una base (las tres personas del dibujo)
LÁMINA 19
Ampliación de un dibujo sin usar cuadrícula
LÁMINA 20
Resumen del noveno tema de la asignatura sobre el programa educativo "Explora Guernica"
LÁMINA 21
Resumen del décimo tema de la asignatura sobre la Didáctica de la Expresión Plástica
LÁMINA 22
Realización de mezcla de colores con acuarelas
LÁMINAS 23 Y 24
A partir de una huella realización de animales marinos, terrestres y personas
A partir de una huella realizada con el puño, elaboración de diversos dibujos
LÁMINA 25
Elaboración de un ánfora con arcilla
LÁMINA 26
Elaboración de un "Tres en Raya de transportes" con arcilla
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