Tema 1
“EL docente y la Educación Artística”
Artículo 1: “La expresión plástica como producto creativo del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración curricular”
Autores: Juan Delgado y Elvira Martínez
Haciendo un recorrido sobre la evolución de la Educación Artística en España, nos encontramos con que antes de los años 70 la educación artística se contemplaba como una actividad que desarrollaba la habilidad manual y la destreza para el dibujo y se basaba fundamentalmente en la habilidad para reproducir patrones exteriores y que se concretaba según el nivel de los alumnos. A continuación, los años 70 supusieron un gran avance en la concepción del área, modificando contenidos, actitudes y sobre todo metodología, aunque en ocasiones no se supo dirigir bien al alumno. Y finalmente, en los años 80 y 90, se empiezan a manifestar profesionales de esta disciplina que pretenden corregir las desviaciones que se produjeron años atrás, aunque se sigue potenciando el trabajo imitativo y dependiente del alumno.
En este artículo nos encontramos con que a la Educación Plástica se le da muy poca importancia en el sistema educativo español. Es interesante destacar cómo se consideran lo creativo y lo artístico conceptos inseparables y luego en el aula de Educación Plástica, los alumnos son sometidos a procesos de imitación y copia sin estar estimulando la creatividad. Las causas de esta contradicción son debidas a que hoy en día se tiene una valoración marginal de lo artístico, ya que se piensa que no es productivo para el sistema, y, a su vez, nos encontramos ante la falta de preparación docente que existe en este ámbito.
En definitiva, hay que decir que para que exista una actividad creativa es necesario realizar un proceso en el que primero hay que interiorizar la información, después hay que reflexionar sobre la misma para poder transformarla y crear usos nuevos, y por último hay que expresarla, es decir, proyectarla al exterior.
A modo de conclusión y desde mi punto de vista el problema de la enseñanza Plástica reside principalmente en el docente (en la mayoría de ocasiones) debido a que éste no está formado para impartir este tipo de asignatura. Lo primero que debe de hacer el docente a nivel aula en este ámbito, y en todos, es motivar al alumno para generar y retroalimentar su capacidad de aprender, lo cual provoca un rendimiento positivo del mismo. Y cuando el alumno ya está motivado, entonces el docente debe fomentar la creatividad teniendo claro que debe:
- Asumir la creatividad como parte del aprendizaje.
- Pensar la creatividad como una habilidad.
- Crear un entorno que propicie la creatividad.
- Tener en cuenta todos los debates y discusiones.
- Afirmar la libertad de expresión.
- Dejar espacio para los errores.
- Hacer un espacio para la creatividad.
- Saber que la creatividad genera auto confianza.
- Animar la curiosidad de los estudiantes.
- Comprender que la creatividad es importante para el futuro de los estudiantes en el mercado laboral.
Por último, decir que es necesario crear nuevas leyes que plasmen la importancia de esta disciplina, porque es una pena que el arte se desmerezca de esta forma.
Artículo 2: “Educación Artística: propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de Grado.”
Autora: Carmen Alcaide
En este artículo nos encontramos con que en la actualidad cultural el desarrollo de las Artes es un prestigio evidente, pero en nuestro sistema educativo existe escasa formación en todos los niveles. La formación artística en los currículos de enseñanza es inferior al destinado a otras materias, pero además de estar limitada, la formación en muchas ocasiones es errónea debido a que no se alcanzan los objetivos que supuestamente se pretenden cumplir.
Debido a que la formación del profesorado es uno de los distintos responsables sobre la situación de la Educación Artística en la enseñanza actual se tiene la necesidad de adaptarse al Espacio Europeo de Educación Superior para generar nuevos Planes de Estudio que sean más acordes a las necesidades académicas y laborales actuales.
Según la demanda de los estudiantes relacionados con la Educación Artística, se han diseñado diferentes propuestas para favorecer el desarrollo artístico y pedagógico de los educadores:
- Grado en Educación Artística: Plástica y Música.
- Grado en Educación Infantil con Mención en Educación Artística. (Doble titulación).
- Grado en Educación Primaria con Mención en Educación Artística. (Doble titulación).
- Posgrado en Artes Visuales (diversas opciones).
- Posgrado en Música (diversas opciones).
Esta propuesta de títulos para la formación del Profesorado se debe encuadrar dentro de la Rama de Ciencias Sociales y Jurídicas tal y como se especifica en el documento del MEC.
En definitiva, la Educación Artística experimenta, cada día con mayor nitidez, la necesidad de contar con un espacio de investigación y de acción pedagógica propio para mejorar la metodología de la enseñanza.
Para concluir, en mi opinión, se debería cursar la carrera de Educación Primaria con una especialización específica, es decir, que si una persona tiene El Grado de Educación Primaria, se tiene que especializar en un área concreta para que sólo pueda impartir clases de esta materia y así habrá docentes cualificados para cada asignatura, pero claro esto es algo que no sé si algún día se llegará a conseguir, hay que tener la esperanza de que nuestro sistema educativo cambie para hacer frente a las demandas de la sociedad.
Y, también, decir que es necesario formar a docentes para que sean capaces de trabajar en equipo, priorizando el trabajo cooperativo y sin olvidar que el rol docente no acaba en el aula, sino que hay que prepararse el trabajo y estar constantemente renovando información.
Artículo 3: “Educación Artística y Cultural. Un proyecto de didáctica de la Expresión Plástica en la formación inicial del profesorado”
Autor: Alfredo Palacios Garrido
En este artículo el autor comienza hablando de que la mayoría de las actividades que se trabajan en Educación Plástica están aisladas y sin relación unas con otras debido a que año tras año se utilizan las mismas actividades por la falta de formación del profesorado y, además, no se tienen en cuenta los intereses de los alumnos.
El problema reside en que un docente de Educación Artística puede tener muchos conocimientos pero no saber aplicarlos en el aula (didáctica) o viceversa, y es por ello, por lo que se propone un proyecto que muestre una metodología globalizadora del currículo, que desarrolle un análisis visual y conceptual destinado a la comprensión e interpretación de unos rasgos estilísticos, que potencie un conocimiento de manifestaciones artísticas, y que de funcionalidad y contextualice el estudio de aspectos formales y de sintaxis dentro del currículo.
Estos proyectos favorecen el desarrollo de estrategias de planificación y capacidad de trabajar. El fenómeno artístico es capaz de integrar un gran número de aspectos culturales y sociales y se considera un instrumento de conocimiento que permite la relación de las diferentes formas de representación, expresión y análisis de la realidad.
Lo que se quiere es que los estudiantes estén en contacto con la realidad que les rodea y que sientan la Educación Artística como medio para conocerla.
Para la realización de estos proyectos es necesario:
- Establecer objetivos.
- Elegir un tema para la investigación.
- Desarrollar el trabajo.
- Evaluación.
A modo de conclusión, es importante saber que en Educación Artística el alumno debe asimilar las cosas a través de la experiencia y que sepa utilizar los conocimientos aprendidos en otros contextos. Es necesario tener la concepción de que la Educación Artística es un instrumento de conocimiento que contribuye a comprender la realidad.
Tema 2
“La apreciación plástica de Estilos Artísticos. La necesidad de juicios críticos”
Artículo 1: “El arte y los artistas”
Autor: E. H. Gombrich
En este capítulo sobre la Historia del Arte, el autor comienza afirmando que el Arte no existe realmente, que tan sólo hay artistas. Según en la época y en el lugar donde nos encontremos, la palabra Arte puede significar muchas cosas diferentes, pero según Gombrich, hay que aprender que el Arte escrito con mayúscula no existe, éste sólo es un fantasma y un ídolo.
Cada persona tiene diferentes gustos y aversiones, y es por ello que cuando vemos un cuadro nos vienen a la cabeza infinidad de recuerdos que influyen sobre nuestros gustos y nos ayudan a disfrutar lo que vemos.
La belleza es algo que varía muchísimo según los gustos y los criterios de cada persona, por lo que un artista nunca nos podría censurar por nuestros gustos; normalmente, lo bello para mucha gente es aquello donde se refleja la realidad. Además, hay que decir, que las personas, además de la belleza en una obra, también busca la expresión, es decir, buscan comprender la obra con facilidad a través de la expresión de la obra, lo cual emociona al espectador, pero hay que decir que no siempre es fácil ver en una obra lo que se quiere expresar. Cuando el pintor italiano del siglo XVII Guido Reni pintó la cabeza del Cristo en la cruz se propuso, sin duda, que el contemplador encontrase en este rostro la agonía y toda la exaltación de la pasión. En los siglos posteriores, muchos seres humanos han sacado fuerzas y consuelo de una representación semejante del Cristo. El sentimiento que expresa es tan intenso y evidente que pueden hallarse reproducciones de esta obra en sencillas iglesias y apartados lugares donde la gente no tiene idea alguna acerca del Arte.
También hay que destacar que las personas que se acercan por primera vez al Arte, se fijan en la destreza que tiene el artista al representar la realidad y lo que más les gusta son los cuadros que expresan lo que se ve de verdad en la realidad, y es por ello, por lo que sienten rechazo hacia las obras que consideran que están mal dibujadas. Según el autor, un artista moderno posee los suficientes conocimientos para dibujar con corrección, por lo que nunca hay que considerar una obra incorrectamente dibujada, ya que el artista pudo tener sus motivos para la alterar la apariencia de la obra y expresar con ello un sentimiento. Cuando una persona contempla un cuadro es necesario que se despoje de sus costumbres y de sus prejuicios para poder apreciar realmente lo que el artista quiere trasmitir.
La verdad es que resulta imposible dictar normas, porque nunca se puede saber por anticipado qué efectos desea conseguir el artista. Como no existen reglas que nos expliquen cuándo un cuadro o una escultura está bien, por lo general es imposible explicar exactamente con palabras por qué creemos que nos encontramos ante una obra maestra.
Nunca se deja de aprender en cuanto al Arte se refiere, siempre existen cosas nuevas por descubrir; aunque sea difícil, es necesario mirar un cuadro con los ojos limpios y dejarse llevar.
A modo de conclusión, me gustaría decir que el Arte es algo subjetivo que depende de muchos factores (época, gustos personales, lugar…) y a la hora de introducirlo en el aula sería conveniente hacer un recorrido por las diferentes épocas y hacer que los alumnos viesen lo que cada autor quería expresar y así ellos poder plasmar en sus dibujos lo que sienten.
Artículo 2: "La belleza como proporción y armonía"
Autor: Umberto Eco
En este documento se comienza diciendo que una cosa bella es aquella que es proporcionada, lo cual explica el por qué en la antigüedad la belleza se identificó con la proporción y además se le unía el color. La estética de la proporción ha ido adoptando diversas formas y cada vez más complejas. Para Santo Tomás de Aquino, la belleza es la adecuada proporción, la integridad, la claridad y la consonancia, y también la considera como un valor moral, es decir, habla de belleza moral, se basa en el principio de la adecuación al fin al que está destinada la cosa.
Según Pitágoras, el número es el principio de todas las cosas y es por ello por lo que nace una visión estético-matemática del universo. Las relaciones matemáticas regulan los sonidos musicales y es la idea de armonía musical la que se asocia con cualquier regla para la producción de lo bello; y son los Pitagóricos los que sabían que los distintos modos musicales influyen en la psicología de las personas.
A la hora de hablar de la proporción arquitectónica se construye la Tetrakys pitagórica, que es un símbolo de igualdad perfecta y en ella se concentra la sabiduría universal. Y es también Pacioli quien descubre la divina proporción que es la sección Áurea. La arquitectura de Vitrubio sirvió de modelo para la proporción óptima en la edad media y renacimiento, el cual hace alusión a la preferencia de las figuras pentagonales y al arte gótico.
En relación con el cuerpo humano, Pitágoras ve la perfección en lo impar, la recta y lo cuadrado; así como para Heráclito la armonía es el equilibrio como son la quietud y el movimiento.
Hay que destacar también la relación que existe entre el cosmos y la naturaleza, que según Boecio, el alma y el cuerpo están sometidos a las mismas reglas que regulan los fenómenos musicales y así se encuentra la armonía del cosmos.
A modo de conclusión, decir que la historia se basa en una noción ideal de la armonía que ha ido cambiando a lo largo del tiempo. Según Humberto Eco: “el arte es una de las manifestaciones de la belleza pero solo contemplando el arte no podríamos comprender el alcance de lo que la belleza ha representado para las culturas”.
A la hora de introducir el tema de la belleza en el aula se le podría decir a los alumnos que dibujasen algo que considerasen bello y así cada uno realizaría un dibujo totalmente diferente porque la belleza es algo subjetivo y cada persona la aprecia de manera diferente. Y una vez que hiciesen su dibujo, cada alumno lo enseñaría a la clase y le explicaría los motivo del por qué considera que su dibujo es bello.
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