TEMA 1
EL DOCENTE Y LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA
ARTICULO I
EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CULTURAL. UN PROYECTO DE DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LA FORMACIÓN INICIAL DEL PROFESORADO.
(Alfredo Palacios Garrido)
Tras la lectura de los artículos como el de Alfredo Palacios Garrido” un proyecto de didáctica de la expresión plástica en la formación inicial del profesorado, Juan Delgado y Elvira Martínez” educación artística o la pervivencia de una paradoja” y “propuesta para la formación del profesorado en los nuevos estudios del grado” de Carmen Alcaide.
Resumiendo estos artículos, hoy en día los alumnos están sometidos a un aprendizaje nada creativo y a procesos instrumentales cerrados a causa de que la educación visual y plástica, sigue siendo una actividad marginal dentro del curriculum y por otro lado no se considera como producto de la utilización de un lenguaje.
El gran problema que encontramos en las aulas, es la escasa formación de los maestros en el área estético-expresiva, relacionada también por la escasez de horas dedicadas que fomenta la copia y repetición esto anula la creatividad. Todo ello nos conduce a la necesidad de formación del profesorado para adaptarnos al espacio europeo de educación.
La intención de las diferentes propuestas de títulos es favorecer el desarrollo artístico y pedagógico de los educadores que hasta el momento carecen de formación universitaria en el ámbito del arte. Pero la educación de la expresión plástica y artística debe ir dirigida a una visión globalizada, que siga actividades contextualizadas y con sentido. Para ello es necesario una formación del docente, y una adecuada y estructurada organización del trabajo.
Por ellos nos podemos preguntar nosotros mismos estas preguntas:
-¿Qué aprenden los niños en las clases de plástica durante la Educación Primaria?
-¿Qué contenidos tienen los maestros acerca de esta área?
BIBLIOGRAFÍA:
Palacios Garrido, A(199) Educación Artística y cultura. Un proyecto de didáctica de la expresión plástica en la formación inicial del profesorado. Arte y individuo y sociedad, 11, 147-161.
ARTICULO II
LA EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO PRODUCTO CREATIVO DEL LENGUAJE VISUAL. REFLEXIONES ACERCA DE SU INTEGRACIÓN CURRICULAR.
"La educación artística o la pervivencia de una paradoja"
(Juan Delgado y Elvira Martinez)
Según Juan Delgado y Elvira Martínez en el artículo, “la educación artística o la pervivencia de una paradoja”.
Estos dos autores intentan tratar los creativo y lo artístico. En cuanto a la pintura, la escultura y otros modos de poder representarlos son aquellos los motores de manipular y desarrollar la capacidad de creación del artista.
La educación visual y plástica, sigue siendo, una gran actividad marginal, por varias razones:
La valoración social de lo artístico tiene una gran valoración social marginal. Cuya marginalidad es consecuencia de dos valoraciones, una peyorativo que se refiere que lo artístico no puede ser productivo para el sistema y el otro el paradigmático que se refiere que el arte es un privilegio de los artista.
Pero sin embargo la valoración pedagógica de los lenguajes expresivos en comparación a las áreas de conocimientos. La expresión individual del alumno favorece a la dependencia y la imitación frente a la creación. Por ello no deja de ser curioso que cuando los especialistas hablan de niños creativos, en expresión plástica, se refieren a niños que dibujan con gran imaginación y realizan trabajos muy intuitivos y muy graciosos y sorprendentes desde nuestro punto de vista.
No consideramos la actividad plástica como un producto de utilización de un lenguaje, pero el lenguaje plástico-visual llena a una serie de acumulaciones de conocimientos, técnicas y destrezas. Podemos destacar dos razones muy fundamentales:
La gran falta de preparación de los dicentes en la educación artística: los maestros, desconocemos los fundamentos del lenguaje visual, los recursos expresivos así como el manejo de operadores creativos, los especialistas desconocen los fundamentos evolutivos, perceptivos, coordinativos, reflexivos e integración espacial.
También podríamos ver la gran evolución de la educación artística que surge en España.
En los años 70 la plástica no se veía como ahora la desarrollamos, antes se desarrollaba con un gran interés de habilidad manual y destreza para el dibujo. Antes era fundamental poder reproducir patrones exteriores que se concretaban según el nivel de los alumnos. Pero sin embargo en la educación infantil se usaba en cuadernillos de esquemas adultos y en la educación primaria, es aquí cuando los llamamos trabajos manuales que serán ya láminas de dibujo para poder adquirir el dominio del trazo y sombreado.
En este apartado hay un autor Víctor Lowenfeld que hace referencia a su libro “el desarrollo de la capacidad creadora” comenta que intenta desbloquear la creación del alumno, para poder facilitar la expresión individual y facilitar el papel de posibilitador de recursos y materiales.
Pero sin embargo a finales de los ochenta empieza una gran manifestación de la disciplina artística y poder dotarla de contenidos propios y específicos basados en los estudios sobre la sintaxis del lenguaje visual. Querían cambiar el nombre y ponerle las didácticas de la lengua y el arte porque decían que el termino expresión plástica era un proceso intelectual y restrictivo y por ello debía pasar a artes plásticas y así será como mas académico pero como finalidad lo dejaron como didáctica de la lengua y el arte.
Cuando ya se habla del futuro de una educación más creativas integral del lenguaje plástico-visual ya todo cambiaria.
Se diría que cualquier lenguaje para poder trasmitírselo a alguien en la educación ya podríamos decir que es un lenguaje visual debe contemplar al ser humano en su interacción con el entorno que le rodea por ello debería ver, saber y hacer.
Existe una habilidad artística que involucra el uso y la transformación de diversas clases de símbolos y sistemas, aquellos individuos que quieren participar en la creación artística, tiene que aprender de modo de manipular, de qué modo escribir con las diversas formas, como poder interiorizar las sensaciones, percepciones... Hacer una pequeña reflexión de datos de una forma personal y como poder comunicarlos a través de la obra.
Para ir finalizando, yo creo que la educación plástica –visual es cada alumnos debe de expresarse como quiera y plasmarlo libremente a través de un dibujo. Cada individuo tiene una opinión diferente de pensar e incluso de actuar, no debería de ser una obligación de como debes de hacerlo sino que cada uno actúe como quiera a la manera de poder expresarlo con libertad. La educación artística hay que ser muy creativos , flexible y tener bastante capacidad de poder expresar lo que sentimos a través de un papel y poder trasmitírselo a los demás, pues eso ocurre con los niños pequeños trasmiten sensaciones a través de dibujos y tanto buenas como malas , bonicas o menos bonitas, pues así nos ocurre a todos nosotros.
BIBLIOGRAFÍA:
Delgado, J(2010) La Educación plástica como producto creativo del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración curricular. La educación artística o la pervivencia de una paradoja. Recuperado de http://www.iacat.com/l-científica/Jdelgado.htm.
MARTÍNEZ, E. y DELGADO, J. (1983) “La educación artística o la pervivencia de una paradoja”, Suplemento de educación, El País.
ARTICULO III
EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO.
(Carmen Alcaide)
Según en este articulo la autora Carmen alcaide, nos dice que la formación inicial del profesorado de infantil y primaria ha de cambiar para los futuros docentes.
Según en el documento del MEC, después de algunas vacilaciones parece estar decidido que desaparecen las especialidades así como un número ilimitado de estudios. La próxima autonomía de las universidades abre puerta a proyectos hacia lo que pudo haber sido especialidad en educación artística. Por ello los futuros docentes les permite asumir las áreas artístico-expresivas en labor docente por ellos los universitarios para que salgan bien preparados den requerir bien los documentos sé que acreditan en el MEC.
Nos que nos quieren pretender con este artículo es que los universitarios y futuros docentes que entendamos la educación artística como tal, el área global que se imparte en los niveles de educación infantil y primaria.
Las artes es un prestigio en el entorno cultural, como lo demuestran las grandes exposiciones y ferias artísticas. La formación artística en los currículos de enseñanza obligatoria sabemos que es limitada en muchos de los casos, puesto que va en contra de los objetivos a conseguir. Pero la formación inicial de los dicentes en las áreas expresivas, parece su existencia que relaciona la escasez de horas en la educación artística en primaria por ello no se aprende lo suficiente por las limitaciones de horas lectivas en los centros educativos.
Por ello en este artículo nos da a entender que los futuros docentes debemos de tener una gran formación en esta asignatura a la hora de poder transmitírsela a nuestros alumnos. Que seamos unos gran profesionales, innovadores que siempre estemos reformulando y renovándonos y que nos quedemos atrás y siempre tener la libertad de expresar lo que cada uno quiera y pueda transmitir a través de la plástica.
BIBLIOGRAFÍA:
Alcaide (2007). Educación artística: Propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de grado. Nuevas propuestas de educación en educación artística, 21-28.
TEMA: 2
“LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS. LA NECESIDAD DE JUICIOS CRÍTICOS”
ARTICULO I
ARTICULO I
EL ARTE Y LOS ARTISTAS
(E.H. Gombrich)
No existe realmente el arte. Tan solo hay artista. Arte puede significar muchas cosas distintas, en épocas y lugares diversos. Pero, tenemos que aprender que el arte, escrito con mayúsculas, no existe. El arte con mayúscula solo es un fantasma y un ídolo. Cuando veamos un cuadro, nos ponemos a recordar muchas cosas que influyen sobre nuestros gustos y aversiones. Varían mucho los gustos y criterios acerca de la belleza.
Los que se acercan por primera vez al arte quieren mirar la destreza del artista al representar los objetos, y lo que más les gusta son los cuadros en los que algo parece “como si fuera de verdad”. No solo es el abocetamiento lo que molesta a los que prefieren que los cuadros parezcan “de verdad”. Sienten mayor aversión por obras que consideran incorrectamente dibujadas, en especial si pertenecen a una época cercana a nosotros.
Pensemos como queremos del artista moderno pero podemos estar seguros de que poseen conocimientos suficientes para dibujar con corrección. Hay dos cosas que debemos preguntarnos siempre que encontremos una falta de corrección en un cuadro:
v Si el artista no tuvo sus motivos de lo que vio nunca debemos condenar una obra por estar incorrectamente dibujada, a menos que estamos seguros de que él está equivocado es el pintor y no nosotros.
No es fácil desembarazarse de ideas preconcebidas. No existe mayor obstáculo para gozar de grandes obras de arte que nuestra repugnancia a despojarnos de costumbres y perjuicios.
Cuanto más frecuentemente hemos visto aparecer un tema en arte, tantos más seguros estamos que tiene que representar de manera análoga.
A veces quienes desprecian y censuran las obras de arte por motivos erróneos pueden ocasionar prejuicios. Muchos de las obras que están en museos o galerías no se concibieran para ser gozados artísticamente, sino que se ejecutaron para una determinada ocasión y con un propósito definido, estuvieron en la mente del artista mando este se puso a trabajar en ellos.
Lo que le preocupa a un artista cuando proyecta un cuadro, realiza apuntes acerca de cuándo ha de dar por concluida su obra, es algo muy difícil de expresar con palabras. El artista tal vez diría que lo que le preocupa es si ha “acertado”. Cuando se trata de reunir formas o colocar colores, un artista debe ser siempre “exagerado” o, más aun, quisquilloso en extremo. Él puede ver diferencias en formas y matices que nosotros advertimos.
Ø Los artistas mediocres no consiguen nada cuando prescinden de reglas fijas de composición mientras que los grandes maestros no las utilizan y sin embargo logran una manera armonía como nadie imagino anteriormente.
Ø Resulta difícil dictar normas, porque nunca se puede saber por anticipado que efectos desea conseguir el artista.
Nunca acaban de aprender en lo que el arte se refiere. Siempre existen cosas nuevas por descubrir. Las grandes obras de arte parecen tan inagotables e imprevisibles como los seres humanos. Es infinitivamente mejor no saber nada de arte, que poseer esa especie de semi-conocimiento de snobismo.
Mirar un cuadro con los ojos limpios y aventurarse en un viaje de descubrimiento, es una tarea difícil, pero también mucho mejor recompensada. Es difícil precisar cuánto podemos traer con nosotros al represo.
¿qué es el arte?
· creación humana de valores estéticos (belleza, equilibrio, armonía…) que sintetiza sus emociones, su historia, sus sentimientos y su cultura.
· Es un conjunto de procedimientos utilizados para realizar obras, en el cual aplicamos nuestros conocimientos.
El arte como lenguaje
El arte es un medio de comunicación con un código de signos propio, que el artista compone para crear imágenes transmisoras de un mensaje que el receptor espectador descifra.
El artista decide expresarse través de (emisor), la obra de arte (mensaje) el espectador (receptor).
¿Que opina el artista Gombrich?
Pues ese extraño recinto que llamamos “arte” es como una falsa de espejo o una galería de ecos. Cada forma conjura un millar de recuerdos y de imágenes de la memoria.
Bibliografía:
Bibliografía:
GOMBRICH, E. “El arte y los artistas ”, Introducción a La Historia del Arte, pp. 15-37.
ARTICULO II
LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y
(Humberto Eco)
v El número y la música:
La música guarda una íntima relación con las artes, las letras y las ciencias. Si nos quedamos en el terreno de lo artístico, la música se ha desarrollado junto con las demás disciplinas. Ha sido barroca cuando el barroco imperaba en Versalles, clásica por primera vez cuando en nuestras ciudades se construían Edificios basados en cánones de belleza griegos; medievales cuando intentaba salir de la oscuridad para crear un lenguaje sólido e internacional. Se hizo polifonía cuando las agujas del gótico se elevaban al cielo. No se puede ver ni palpar; sin embargo, se siente. La música es una de las manifestaciones artísticas más universales y, a la vez, uno de los rasgos más singulares junto con el habla, del ser humano. Pero el lenguaje musical tiene también mucho en común con otro lenguaje que la inteligencia ha inventado para describir la realidad: la ciencia. Ésta habla de espectros, frecuencias, resonancias, vibraciones y análisis armó-nico. No es una simple coincidencia, no hay música sin física ni música sin números.
o Sonidos musicales: una composición musical consiste en una serie de sonidos placenteros, expresivos o inteligibles de estructura definida y significado de acuerdo a las leyes de la melodía, armonía y ritmo. Componer consiste en intervalo y escribirla.
o Modos musicales: influyen de manera diversa, ritmos duros y ritmos suaves, ritmos adecuados para educar a los muchachos y ritmos blandos y lascivos.
v La proporción arquitectónica:
Las relaciones que regulan las dimensiones de los templos griegos, los intervalos entre columnas o las relaciones entre las distintas partes de la fachada corresponden a las mismas relaciones que regulan los intervalos.
La tetraktys es la figura simbólica por la que realizan los juramentos y en la que se condesa de forma perfecta y ejemplar la reducción de lo numérico a lo espacial, de lo aritmético a lo geométrico.
o Concepción matemática: las explicaciones del pensamiento piagetiano en el aprendizaje inciden en la concepción constructivista del aprendizaje. Los principios generales del pensamiento piagetiano sobre el aprendizaje:
-Los objetivos pedagógicos deben, además de estar centrados en el niño, partir de las actividades del alumno.
-El aprendizaje es un proceso constructivo interno.
-El aprendizaje depende del niño de desarrollo del sujeto.
v El cuerpo humano:
Los primeros pitagóricos, la armonía no consiste solamente en la oposición par/impar, sino también en la oposición entre limite e ilimitado, unidad y multiplicidad, derecha e izquierda, masculino y femenino, cuadrado y rectangular, recta y curva. La solución propuesta por Heráclito: si en el universo existen contrarios, realidades que parecen no conciliarse, como la unidad y la duplicidad, el amor y el odio, la paz y la guerra, la quietud y el movimiento, la armonía entre estos contrarios no se producirá anulando uno de ellos.
v La proporción en la historia
El estudio de la proporción se remonta a Egipto donde se descubre la proporción áurea por análisis y observación, buscando medidas que les permitiera dividir la tierra de manera exacta, a partir del hombre, utilizando la mano, el brazo, hasta hallar que un hombre medía lo mismo de alto que de ancho con los brazos extendidos y encontraron que el ombligo establecía el punto de división en su altura y esta misma, se lograba de manera exacta, rebatiendo sobre la bases de un cuadrado, una diagonal trazada de la mitad de la base a una de sus aristas.
En Occidente, la proporción de la figura humana ha variado a lo largo de la historia. Por ejemplo, en el Antiguo Egipto el canon de la figura humana se establecía a partir de un módulo o unidad ajeno al cuerpo humano. Toda parte de la figura se dibujaba tomando como referencia este módulo. De esta manera, desde el Imperio Antiguo hasta la Baja Época el canon imperante para la altura del cuerpo femenino o masculino era igual a 18 veces el módulo. A partir del siglo VII a.C. este canon se modificó, y la altura del cuerpo humano pasó a ser igual a 21 veces el módulo.
En la Grecia Antigua se empleó, como unidad de referencia, la altura de la cabeza humana. De este modo, en el siglo V a.C., Policleto estableció, para la figura humana, una altura de 7 y 1/2 cabezas. El modelo por excelencia de este canon es su Doríforo (siglo V a.C.). Posteriormente, en el siglo IV a.C., Lisipo modificó este canon, dando a sus esculturas una altura de 8 cabezas. Posteriormente Vitruvio estableció una afinidad entre el hombre y las figuras geométricas, al descubrir que el hombre de pie con los brazos extendidos puede inscribirse en un cuadrado, y si separa las piernas puede inscribirse dentro de un círculo, que tiene como centro el ombligo. Vitruvio, explicaba que la simetría consiste en el acuerdo de medidas entre los diversos elementos de la obra y estos con el conjunto.
Estos cánones clásicos permanecieron casi invariables durante la Antigüedad Grecorromana. Sin embargo, desde fines de la Antigüedad, fueron progresivamente abandonados, a medida que el interés en la representación naturalista de la figura humana fue decayendo. Durante la Edad Media no existió un canon riguroso para las proporciones del cuerpo humano. Según se puede apreciar en los cuadernos de Villard de Honnecourt (fines del siglo XIII), las figuras humanas y animales se trazaban a partir de formas geométricas simples, como el triángulo o el cuadrado.
En el Renacimiento se adoptaron nuevamente los cánones de la Antigüedad grecorromana. La proporción del cuerpo humano fue considerada como la expresión sensible de la armonía, y la teoría de las proporciones humanas despertó enorme interés entre los artistas de la época.
v Las otras artes:
La estética de la proporción ha adoptado formas diversas cada vez más complejas también en pintura. Todos los tratados de artes, desde los bizantinos de los monjes del monte Athos hasta el trattato de cennini, revelan artes plásticas al nivel matemático que la música. Donde los estudios matemáticos alcanzan la máxima precisión es en la teoría y en la práctica renacentista de la perspectiva. La representación en perspectiva es en sí misma un problema técnico, pero esto no interesa en la medida en que los artistas del renacimiento entendieron que la buena representación en perspectiva no solo era precisa y realista, sino también bella agradable.
Bibliografía:
ECO, U. (2004) Historia de la belleza, Lumen, Capítulo III. "La belleza como proporción y armonía", pp. 61-98.
- OPINIÓN SOBRE LOS
En mi opinión, estoy de acuerdo con estos artículos, ya que es imprescindible el arte tanto en el aula como fuera de ella. Además, a los futuros docentes o se les transmiten los conocimientos necesarios para poder llevarlos a cabo en las aulas.
Por ello, es necesario que el niño pueda llegar a ser un gran artista mediante el arte y la imaginación, la mayoría de nosotros podemos ser creativos en un ambiente abierto.
- FORMAS DE LLEVAR EL TEMA AL AULA EDUCACIÓN PRIMARIA
La educación artística la llevaría al aula de una manera muy creativa para que los alumnos vayan motivados al aula y a la hora de poder trabajar, llevando un espacio libre para que ellos puedan explorar mediante la imaginación, creatividad y libertad del arte.
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