Temas 3, 4, 5, 6, 7 ,8, 9 y 10

TEMA 3

“Modos de ver”

Autor: John Berger

Esta obra de John Berger, se cuestiona si existe o no una forma objetiva de contemplar la realidad. El autor muestra una serie de opiniones acerca del proceso de observar, ver y mirar una imagen concreta. Afirma que la vista llega antes que las palabras y que el niño ve antes de hablar pero, el ojo humano sólo será capaz de procesar lo que vea cuando lo relacione con alguna referencia previa.

Según Berger, lo que sabemos o lo que creemos afecta al modo en que vemos las cosas, es decir, según la información que las personas han adquirido en su educación y las propias experiencias, hacen que las personas vean las cosas de diferente manera.

Para el autor, solamente vemos aquello que miramos y mirar es un acto voluntario y no se trata de que la reproducción no logre reflejar fielmente ciertos aspectos de una imagen, sino de que la reproducción hace posible, e incluso inevitable, que una imagen sea utilizada para numerosos fines distintos y que la imagen reproducida, al contrario que la original, se presta a tales usos.

En este ensayo, también se habla de la manipulación que puede existir según la intención que tenga el autor de la imagen, es decir, una sola imagen puede sugerir al observador una interpretación diferente a la que quiere transmitir el autor, pero si a esa imagen se le añade un texto , las interpretaciones se reducen y se someten a la interpretación que el autor haya querido transmitir.

Gracias a los avances que existen hoy en día, el arte, cada vez más, se acerca a la gente, ya no es algo a lo que sólo puede acceder la élite de la sociedad, sin embargo, la gente, todavía muestra desinterés por el arte. Según el texto, las personas tenemos, muchas veces, ideas preconcebidas sobre el arte, o cómo una obra puede llegar a ser más valorada dependiendo de cuál sea su precio en el mercado o por el hecho de que sea apreciada por coleccionistas.

Es necesario, que dejemos de ver el arte del pasado como algo a lo que no podemos acceder debido a que éste ha ido evolucionando a lo largo del tiempo y ahora se nos permite ser partícipes de él.

A modo de conclusión, tras la lectura de la obra, tengo que decir que cada persona percibe las cosas de manera diferente según sus vivencias, su educación y el entorno en el que haya vivido. Por tanto, la realidad y nuestra percepción de la realidad son cosas distintas que dependen de cada uno de nosotros.

TEMA 4

“Arte, educación y creatividad”

Autor: Juan Carlos Arañó Gisbert

En este artículo, el autor plantea el concepto de creatividad en las artes plásticas y visuales. El término Creatividad, al igual que el de Arte, dependen de la cultura; son términos ambiguos, imprecisos y han sufrido distintas consideraciones y evoluciones.

En cuanto al Arte, hay que decir que está presente en cada civilización humana y la habilidad para su aprendizaje está en relación directa con las aptitudes personales; normalmente, las enseñanzas artísticas, se consideran difíciles de enseñar. La preocupación por el Arte se remota a tiempos antiguos y, en la actualidad, se trata de situarlo al mismo nivel que la ciencia, entendiéndolo como un órgano de conocimiento que ilumina de forma similar el mundo de las ideas, expresivas por medio de ellas.

En sentido educativo, el Arte se intenta transmitir con objetividad y univocidad, y se entiende como una actividad humana consciente en la que el individuo se manifiesta plenamente capaz de intervenir y/u observar su contexto, y como resultado de esa intervención, reproduce cosas y/o ideas, manipula formas y/o ideas de modo creador, y/o expresa una experiencia.

En la última década, en USA, se viene desarrollando la idea de Educación Artística como Disciplina cuyo núcleo es la formación artística en la educación general organizada en torno a cuatro materias directamente interrelacionadas que establecen: la estética, la producción artística, la historia del arte y la crítica del arte. Su objetivo final consiste en que el estudiante adquiera una cultura, en concreto la artística. Y para que esta educación sea significativa, se debe realizar una planificación a partir del interés y conocimiento de los estudiantes y desde éste organizar su estructura.

Y, en cuanto al concepto de creatividad, hay que destacar que este término nunca existió en nuestra cultura, debido a que para los griegos y los romanos era algo indeseable porque decían que el arte era una destreza que estaba regida por normas; los hombres del Renacimiento fueron conscientes de su libertad, independencia y creatividad propias; en el siglo XVI el término más aproximado a la actividad creadora es el de genio; en el siglo XVIII, el concepto de creatividad va apareciendo con mayor frecuencia unido al concepto de imaginación en teoría del arte; y, finalmente, con el progreso de las ideas ilustradoras y con el desarrollo de los estudios de la personalidad en psicología, buscan mayores razones externas para su descripción, lo cual hace que entre en desuso; y en el siglo XX, la expresión “creativo” empezó a aplicarse a lo largo de todas las culturas occidentales, es decir, la creatividad es posible en todos los campos de la producción humana.

El rasgo que distingue a la creatividad de otros campos es la novedad. Toda creatividad implica innovación, pero no a la inversa.

Y , por último, decir que se pueden distinguir cuatro tipos de conducta creadora: conducta que no acepta límites (extensión de los temas y de las formas comunes de la obra de arte por medio de nuevas combinaciones o de una elaboración diferente), conducta inventiva (creación de temas o formas nuevas), conducta que supera los límites (elaboración de temas y formas enteramente nuevos) y conducta organizadora estética (ordenamiento de formas específicas para construir un todo coherente, armonioso y equilibrado).

TEMA 5

“Herramientas del lenguaje visual”

Autora: María Acaso

En este texto se trabajan las herramientas que se utilizan para el lenguaje visual. Este lenguaje es un código específico de la comunicación visual, el cual se articula a través de dos grandes grupos de herramientas con las que construimos los significantes y los significados de los mensajes y con las que organizamos, ordenamos y jerarquizamos esos elementos: herramientas de configuración y herramientas de organización.

Con respecto a las herramientas de configuración nos encontramos con: el tamaño, la forma, el color, la iluminación y la textura.

El tamaño hace referencia a las dimensiones físicas del producto visual. Esta herramienta se selecciona en relación con la escala del espectador, y, a través de un sistema de comparación, produce una relación física con la representación visual. Los criterios de selección de esta herramienta son: el impacto psicológico (relación que se establece físicamente entre el espectador y la representación visual), el efecto de notoriedad (percibir cuándo la visualización se convierte en un evento) y la comodidad de manejo o de ubicación (se selecciona cuando el tamaño le viene impuesto al creador de la imagen).

La forma es la determinación exterior de la materia y se clasifica en dos grupos: las formas orgánicas (son las más habituales en el mundo natural y tienden a ser irregulares y ondulantes) y las formas artificiales (de tipo geométrico, en su mayoría creadas por el hombre, y suelen ser regulares y rectas). Según la forma, el artista tiene establecidos unos niveles de selección para elegir los recursos formales: selección de la forma del producto visual como objeto (límites físicos del soporte de la representación), selección de la forma del contenido del producto visual (forma de los objetos representados) y selección de la forma del espacio que alberga al producto visual (espacio donde la obra va a ser representada).

El color es una de las herramientas más importantes para transmitir significados a través del lenguaje visual. Existen dos tipos de colores: los colores-pigmento (aquellos en los que se trabaja el color como materia y que se pueden tocar físicamente como el cian, el amarillo y el magenta) y los colores-luz (tienen un carácter intangible; rojo, verde y azul). Y, además, para dominar el color hay que tener en cuenta la luminosidad (cantidad de luz que posee un color como característica propia), la saturación (niveles de pureza del color en relación al gris, cuanto más saturado, mayor pureza y más alejado del gris) y la temperatura (fenómeno visual según las sensaciones corporales: colores cálidos vs colores fríos). Y, también puede transmitir significados muy concretos según cinco criterios de selección del color: contenido simbólico, calendario comercial, contraste visual, identificación de la marca e identificación con el público-objetivo.

La iluminación transmite significado desde la iluminación que el autor elige para el objeto o desde la que se utiliza para iluminar ese objeto desde el exterior. Los criterios selección son: tipo de fuente (natural o artificial), cantidad (claves altas o bajas), temperatura (caliente o fría) y orientación (a favor de la lectura, a contralectura, picado o contrapicado).

Y la textura es la materia de la que está hecho el producto visual, puede referirse a la textura del material del soporte o la textura de los materiales que se aplican sobre soporte.

Y, además, se puede clasificar en real (lo percibido por la vista coincide con el tacto), simulada (lo percibido por el ojo no coincide con el tacto) y ficticia (cuando el receptor piensa que el producto es de una calidad cuando es de otra).

Y, por último, en cuanto a las herramientas de organización, nos encontramos con: la composición y la retórica visual.

La composición es la ordenación de las herramientas del lenguaje visual dentro del espacio disponible del soporte; se utilizan diferentes recursos para generar significado: si lo que se quiere es crear una composición reposada, los recursos tienen que ser simétricos, rectos, centrípetos, completos y centrados, y si se quiere alcanzar una composición dinámica, los recursos serán inconstantes, asimétricos, oblicuos, centrífugos, incompletos y descentrados.

Y la retórica visual se utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Esta herramienta funciona mediante múltiples figuras retóricas agrupadas en cuatro grupos: sustitución, comparación, adjunción y supresión.

Y, para concluir, decir que aprender a ver es como aprender a conducir, como se muestra al final del texto; cuando te enfrentas por primera vez al lenguaje visual, te sometes a un proceso lento en el que vas recordando cada paso, pero con el tiempo te acostumbras y ya lo realizas de manera automática.

TEMA 6

“La conquista de un concepto de la forma”

Autores: Lowenfeld, V. y Lambert, B.

En este texto nos encontramos con la importancia que tiene la fase esquemática que se desarrolla en los niños de los 7 hasta los 9 años, en la cual el niño comienza a elaborar esquemas según emociones y vivencias. El esquema está determinado por la forma de ver de cada niño y el significado que éste asocia al mismo.

Desde la fase anterior hasta la esquemática, los niños han ido adquiriendo un mayor control en los trazos, y ya pueden dibujar con una intención de representar objetos concretos. Sus producciones gráficas van asemejándose cada vez más a lo que quieren representar.

El niño se va desarrollando durante esta etapa y va adoptando nuevos comportamientos, deja de ser egocéntrico para empezar a pensar más en los demás; van adquiriendo un mayor sentido del espacio y el dibujo se vuelve una composición que relaciona distintos objetos de forma coherente y armónica.

Cuando el niño dibuja, expresa la realidad que percibe; estas imágenes son el resultado de un proceso mental donde el niño representa su realidad. Con el estudio de los dibujos, también podemos ver en el grado de conocimiento y el desarrollo del intelecto, lo cual depende del entorno del niño. Lo que se pretende con este proceso esquemático es ver la evolución que va teniendo el niño. Un cambio importante en esta etapa tiene que ver con la utilización del color, los niños relacionarán cada vez más los colores con los objetos que representen.

La representación del tiempo y espacio incluyen en un dibujo secuencias temporales diferentes o impresiones espaciales distintas. Uno de los objetos de representación es la historia.

El niño descubre naturalmente que existe una relación entre el color y el objeto, ya dibuja el medio de modo más objetivo y desarrollando relaciones espaciadas definidas. Repite esquemas de la persona y de colores para los mismos objetos.

La motivación que debe usar el docente en los distintos niveles de edad surge de las necesidades de los niños durante cada fase del desarrollo, cualquier motivación debe originar y estimular un intenso deseo de crear una obra significativa y debe animar a los niños a ser flexibles en su aproximación al material, seleccionándolo con cuidado según la actividad que se vaya a llevar a cabo y según a los alumnos a los que vaya dirigido, y al tema, que es de gran importancia porque si no se elige bien, el alumno perderá el interés por la tarea.

TEMA 7

“Didáctica específica de la expresión plástica”

Autor: José Luis López Salas

El sistema tradicional de la enseñanza del dibujo se apoyaba en el estudio de la forma organizada, la geometría, comenzada ya en la educación general básica, así como el inicio de los sistemas de representación objetiva, que se estudiaba razonadamente en secundaria, con el estudio del manual también, comenzando con la reproducción de volúmenes reglados y de revolución, que servían como paso intermedio, mas el color.

La didáctica empleada era intuitiva y se basaba en técnicas consuetudinarias, en el estudio de los maestros anteriores y en las experiencias del profesor, que corregía sobre la marcha los ejercicios del alumno.

Eisner consideraba que los dominios del aprendizaje artístico son: el productivo, el crítico y el histórico y establece tres tipos de currículum: Programas orientados al taller, Diseño creativo y Enfoques humanísticos o relacionados con las artes.  

Para facilitar a los profesores que vayan a analizar y a formar el arte infantil, es recomendable contemplar las siguientes orientaciones: la educación por el arte, la expresión plástica entendida como lenguaje, la expresión plástica como actividad creadora, tradicional entendimiento de la actividad plástica como una extensión de la artesanía, tendencia actual orientada al diseño, la expresión plástica como elemento globalizador de la educación y educación de la visión artística.

En este libro, se puede ver como la Expresión Plástica es entendida de diferentes formas: como lenguaje, como actividad creadora, como una extensión de la artesanía, como diseño, como elemento globalizador de la educación y como desarrollo de la sensibilidad estética.

Y en cuanto a las Necesidades de la educación artística existen dos razones que justifican la necesidad de esta educación: histórica y biológica. A través de la historia se ve la latencia del arte, desde los tiempos más remotos por lo que el hombre ha sentido la necesidad de producir y disfrutar de objetos artísticos; y, con respecto a la razón biológica, se observa que el arte plástico es algo innato en el individuo ya que cualquier niño siente la necesidad de dibujar, es decir, el arte infantil es espontáneo y va ligado a la persona. 

Como dice Eisner, desde el punto de vista productivo, la persona dedicada a practicar el arte tiene una necesidad del placer estético; desde la perspectiva del educador, las necesidades que cubre el arte son más amplias, aunque siempre esté inherente la característica estética.

Como conclusión decir que es importante que los alumnos aprendan de manera más eficaz , pero existe el inconveniente de que no puedan hacerlo debido a que puede que los profesores no estén dotados de los suficientes conocimientos como para que los alumnos aprendan de forma óptima.

TEMA 8

“El hiperdesarrollo del lenguaje visual”

Autora: María Acaso

Este libro, trata de la vinculación de la educación artística con los procesos intelectuales que generan conocimiento a través del lenguaje visual, sin hacer desaparecer por ello los procesos manuales, pero sí descentrándolos.

La autora presenta una propuesta completa a partir de la cual sea posible ejecutar una educación de las artes y de la cultura visual desde una perspectiva innovadora en consonancia con el mundo que nos rodea.

La Educación Artística es un área educativa que se diferencia del resto de las áreas debido a que su conocimiento se genera a partir del lenguaje visual.

El lenguaje visual es un mundo configurado por numerosas características referidas con el arte. La autora nombra las referencias del filósofo Gilles Lipovetsky, el cual aplica el término “hiper” a la sociedad de consumo, haciendo referencia a que vivimos en una sociedad de hiperconsumo.

A lo largo del tiempo se han ido produciendo grandes cambios tecnológicos debido al desarrollo de la sociedad, así pues, lo mismo ha pasado con el lenguaje visual, se ha producido un proceso de hiperdesarrollo. Lo que se pretende decir a través del lenguaje visual no se puede comunicar a través de otro tipo de lenguaje.

Se puede afirmar que vivimos dentro del mundo-imagen, de una serie de mundos visuales paralelos al mundo real y construidos a través del lenguaje visual, que tienen una influencia en nuestras vidas cada vez mayor que la propia realidad. Vivimos en una sociedad estresada donde todo se acelera cuyas características están ligadas al hiperdesarrollo del lenguaje visual, el cual funciona como catapulta del deseo.

Y no hay que olvidar que la capacidad de absorber e interpretar la información visual no es una capacidad innata en el ser humano, sino que es una habilidad que hay que aprender a desarrollar, por lo que la Educación Artística tiene mucho que ver con la desconsolidación del mundo-imagen.

Tema 9

“Explora Guernica: unir los sentidos para conocer la obra clave de Picasso. Un programa educativo de accesibilidad para personas con discapacidad visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.”

Autor: S. González D´Ambrosio

En este documento nos encontramos con la presentación del programa educativo “Explora Guernica” en el que unen los sentidos para conocer la obra de Picasso.  Es un programa del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid cuya iniciativa es la de favorecer el acceso de las personas con discapacidad visual a los museos mediante la combinación de informaciones verbales, la exploración de diagramas táctiles y la realización de talleres de creación. Esta actividad amplia y potencia el acercamiento a las obras de arte y el convencimiento de que éstas deben ser accesibles a todos, además, permite la participación  conjunta de personas con y sin discapacidad visual, favoreciendo la integración y la visibilidad.

Este programa, une las diferentes formas y canales de la percepción para acercar la obra central del Museo a los visitantes con discapacidad visual. El arte exige mucho más que un mero estímulo visual, por lo que puede y debe ser accesible para todos ya que todos tenemos derecho a sentir, a conocer y a disfrutar.

Para transmitir el Guernica a las personas con discapacidad visual fue necesario contar con algún tipo de adaptación táctil que reforzase y potenciase las explicaciones verbales sobre las características formales de la obra y las figuras que la componen, por lo que se seleccionaron los diagramas táctiles sobre papel microcapsulado. Esta elección de material se realizó por varias razones como por la gestión directa desde el Museo del diseño y la producción de láminas, por la posibilidad de introducir modificaciones, por la rapidez de ejecución y por la posibilidad de realizar tantas copias como fuesen necesarias a un coste reducido.

En cuanto a los objetivos de este programa, destacar el de conocer y familiarizarse con los códigos empleados para trasponer las imágenes visuales en diagramas táctiles, de forma que los participantes puedan discriminar a través del tacto y con el apoyo de las indicaciones verbales, las formas y los elementos marcados en láminas que se exploren.

Para garantizar un buen aprovechamiento de la actividad se presta una atención personalizada de forma individual o por grupos; el educador adecua la visita a las necesidades e intereses de los participantes. La metodología se adapta a las características de los participantes y la duración de cada sesión oscila entre las dos horas debido a que primero se visitan las salas, luego se explica verbalmente el Guernica, después se exploran los diagramas táctiles y, por último, se realiza un taller de creación. Y al concluir la actividad, el educador facilita un cuestionario para poder mejorar las actividades.

Este programa ha tenido una buena aceptación y potencia las iniciativas que permitan el acceso de las personas con discapacidad visual a los museos y a la cultura debido a que todos tenemos derecho a conocer nuestro pasado y nuestra cultura.

TEMA 10

“Didáctica de la expresión plástica o Educación Artística”

Autor: Ricardo Marín Viadel

Este documento se centra en la Didáctica de la Expresión Plástica (DEP), la cual es el área de conocimiento cuyo objeto de estudio es la educación artística y estética, es decir, los procesos de enseñanza y de aprendizaje de las Artes, las Culturas y las Comunicaciones Visuales.

La DEP estudia las situaciones y acontecimientos que se producen en el sistema educativo formal y el conjunto de las actividades formativas y educativas que se producen en diferentes instituciones y agencias sociales. También se ocupa del aprendizaje del alumnado en edad escolar y de cualquier otro grupo de personas y, a su vez, trata el dibujo y cualquier tipo o sistema de comunicación visual o manifestación artística.

Ésta es una disciplina o conjunto de ellas interdisciplinares y profesionalizantes cuyo objeto propio de estudio es el aprendizaje artístico. El objetivo o finalidad de la Educación Artística es el conocimiento, el disfrute y la transformación de aspectos visuales para conseguir un mayor disfrute tanto del mundo como de la cultura y un mejor conocimiento de la experiencia humana.

También hay que ver la evolución histórica del término “Didáctica de la Expresión Plástica” debido a que no siempre se ha denominado así. Los términos que le precedían fueron los siguientes: “Formación de artistas, artesanos y diseñadores”, ”Enseñanza del dibujo y la educación estética en la escuela”, ”Formación del profesorado de arte” y ,por último, el actual, “Didáctica de la Expresión Plástica”.

En cuanto al  aprendizaje artístico, analiza y explica diversas conductas y capacidades tales como la percepción, el pensamiento, la inteligencia visual, la creación, la producción, la proyección de imágenes, la imaginación, la fantasía, la creatividad visual, el conocimiento y la comprensión de imágenes.

También podemos ver en el texto que las asociaciones profesionales de la educación artística son escasas debido a que para muchas de las personas que trabajan en educación artística no existe una clara conciencia profesional en torno a su actividad docente, porque en gran parte no existe una clara formación inicial especializada. Una de las asociaciones que es importante es la NAEA, que fue fundada en 1947 para promover la educación artística a través del desarrollo profesional, el avance del conocimiento y la investigación.

Uno de los documentos normativos sobre la formación del profesorado de enseñanzas artísticas que elaboró, aprobó y publicó la NAEA fue el de las recomendaciones de las asociaciones profesionales de educación artística sobre la formación del profesorado de artes visuales, en el cual queda reflejado que dicha educación, debe organizarse en torno a cuatro ejes: conocimientos de artes visuales, conocimientos de ciencias humanas y sociales, teoría de la enseñanza y el aprendizaje y prácticas docentes.

Y, por último, con respeto a la formación del profesorado de Educación Infantil y Primaria, los docentes deben de tener unas destrezas en el lenguaje visual, comprendiendo y generando imágenes, al mismo nivel con el que se debe manejar el lenguaje verbal.  Para su formación inicial deben figurar asignaturas de educación artística específicamente dirigidas a estos niveles educativos; y para su formación permanente debe existir una amplia variedad de cursos y seminarios de diferente formato y duración.