TEMA 3
“Modos de ver”
Autor: John Berger
Esta
obra de John Berger, se cuestiona si existe o no una forma objetiva de contemplar la realidad. El autor
muestra una serie de opiniones acerca del proceso de observar, ver y mirar una
imagen concreta. Afirma que la vista
llega antes que las palabras y que el niño ve antes de hablar pero, el ojo
humano sólo será capaz de procesar lo que
vea cuando lo relacione con alguna referencia previa.
Según
Berger, lo que sabemos o lo que
creemos afecta al modo en que vemos las cosas, es decir, según la información
que las personas han adquirido en su educación y las propias experiencias,
hacen que las personas vean las cosas de diferente manera.
Para el autor, solamente vemos aquello que
miramos y mirar es un acto voluntario y no se trata de que la reproducción no
logre reflejar fielmente ciertos aspectos de una imagen, sino de que la reproducción
hace posible, e incluso inevitable, que una imagen sea utilizada para numerosos
fines distintos y que la imagen reproducida, al contrario que la original, se
presta a tales usos.
En este ensayo, también se habla de la
manipulación que puede existir según la intención que tenga el autor de la
imagen, es decir, una sola imagen puede sugerir al observador una
interpretación diferente a la que quiere transmitir el autor, pero si a esa
imagen se le añade un texto , las interpretaciones se reducen y se someten a la
interpretación que el autor haya querido transmitir.
Gracias a los avances que existen hoy en día, el
arte, cada vez más, se acerca a la gente, ya no es algo a lo que sólo puede
acceder la élite de la sociedad, sin embargo, la gente, todavía muestra
desinterés por el arte. Según el texto, las
personas tenemos, muchas veces, ideas preconcebidas sobre el arte, o cómo una
obra puede llegar a ser más valorada dependiendo de cuál sea su precio en el
mercado o por el hecho de que sea apreciada por coleccionistas.
Es necesario, que dejemos de ver el arte del pasado
como algo a lo que no podemos acceder debido a que éste ha ido evolucionando a
lo largo del tiempo y ahora se nos permite ser partícipes de él.
A modo de conclusión, tras la lectura de la obra, tengo que decir que cada
persona percibe las cosas de manera diferente según sus vivencias, su educación
y el entorno en el que haya vivido. Por tanto, la realidad y
nuestra percepción de la realidad son cosas distintas que dependen de cada uno
de nosotros.
TEMA 4
“Arte, educación y creatividad”
Autor: Juan Carlos Arañó Gisbert
En
este artículo, el autor plantea el concepto de creatividad en las artes
plásticas y visuales. El término Creatividad, al igual que el de Arte, dependen
de la cultura; son términos ambiguos, imprecisos y han sufrido distintas
consideraciones y evoluciones.
En
cuanto al Arte, hay que decir que está presente en cada civilización humana y
la habilidad para su aprendizaje está en relación directa con las aptitudes
personales; normalmente, las enseñanzas artísticas, se consideran difíciles de
enseñar. La preocupación por el Arte se remota a tiempos antiguos y, en la
actualidad, se trata de situarlo al mismo nivel que la ciencia, entendiéndolo
como un órgano de conocimiento que ilumina de forma similar el mundo de las
ideas, expresivas por medio de ellas.
En
sentido educativo, el Arte se intenta transmitir con objetividad y univocidad,
y se entiende como una actividad humana consciente en la que el individuo se
manifiesta plenamente capaz de intervenir y/u observar su contexto, y como
resultado de esa intervención, reproduce cosas y/o ideas, manipula formas y/o
ideas de modo creador, y/o expresa una experiencia.
En
la última década, en USA, se viene desarrollando la idea de Educación Artística
como Disciplina cuyo núcleo es la formación artística en la educación general
organizada en torno a cuatro materias directamente interrelacionadas que
establecen: la estética, la producción artística, la historia del arte y la
crítica del arte. Su objetivo final consiste en que el estudiante adquiera una
cultura, en concreto la artística. Y para que esta educación sea significativa,
se debe realizar una planificación a partir del interés y conocimiento de los
estudiantes y desde éste organizar su estructura.
Y,
en cuanto al concepto de creatividad, hay que destacar que este término nunca
existió en nuestra cultura, debido a que para los griegos y los romanos era
algo indeseable porque decían que el arte era una destreza que estaba regida
por normas; los hombres del Renacimiento fueron conscientes de su libertad, independencia
y creatividad propias; en el siglo XVI el término más aproximado a la actividad
creadora es el de genio; en el siglo XVIII, el concepto de creatividad va
apareciendo con mayor frecuencia unido al concepto de imaginación en teoría del
arte; y, finalmente, con el progreso de las ideas ilustradoras y con el
desarrollo de los estudios de la personalidad en psicología, buscan mayores
razones externas para su descripción, lo cual hace que entre en desuso; y en el
siglo XX, la expresión “creativo” empezó a aplicarse a lo largo de todas las
culturas occidentales, es decir, la creatividad es posible en todos los campos
de la producción humana.
El
rasgo que distingue a la creatividad de otros campos es la novedad. Toda
creatividad implica innovación, pero no a la inversa.
Y ,
por último, decir que se pueden distinguir cuatro tipos de conducta creadora:
conducta que no acepta límites (extensión de los temas y de las formas comunes
de la obra de arte por medio de nuevas combinaciones o de una elaboración
diferente), conducta inventiva (creación de temas o formas nuevas), conducta
que supera los límites (elaboración de temas y formas enteramente nuevos) y
conducta organizadora estética (ordenamiento de formas específicas para
construir un todo coherente, armonioso y equilibrado).
TEMA 5
“Herramientas del lenguaje visual”
Autora: María Acaso
En
este texto se trabajan las herramientas que se utilizan para el lenguaje
visual. Este lenguaje es un código específico de la comunicación visual, el
cual se articula a través de dos grandes grupos de herramientas con las que
construimos los significantes y los significados de los mensajes y con las que
organizamos, ordenamos y jerarquizamos esos elementos: herramientas de
configuración y herramientas de organización.
Con respecto
a las herramientas de configuración nos encontramos con: el tamaño, la forma,
el color, la iluminación y la textura.
El tamaño hace referencia a las
dimensiones físicas del producto visual. Esta herramienta se selecciona en
relación con la escala del espectador, y, a través de un sistema de
comparación, produce una relación física con la representación visual. Los
criterios de selección de esta herramienta son: el impacto psicológico
(relación que se establece físicamente entre el espectador y la representación
visual), el efecto de notoriedad (percibir cuándo la visualización se convierte
en un evento) y la comodidad de manejo o de ubicación (se selecciona cuando el
tamaño le viene impuesto al creador de la imagen).
La forma es la determinación exterior de
la materia y se clasifica en dos grupos: las formas orgánicas (son las más
habituales en el mundo natural y tienden a ser irregulares y ondulantes) y las
formas artificiales (de tipo
geométrico, en su mayoría creadas por el hombre, y suelen ser regulares y
rectas). Según la forma, el artista tiene establecidos unos niveles de selección
para elegir los recursos formales: selección de la forma del producto visual
como objeto (límites físicos del soporte de la representación), selección de la
forma del contenido del producto visual (forma de los objetos representados) y
selección de la forma del espacio que alberga al producto visual (espacio donde
la obra va a ser representada).
El color es una de las herramientas más importantes para
transmitir significados a través del lenguaje visual. Existen dos tipos de
colores: los colores-pigmento (aquellos en los que se trabaja el color como
materia y que se pueden tocar físicamente como el cian, el amarillo y el
magenta) y los colores-luz (tienen un carácter intangible; rojo, verde y azul).
Y, además, para dominar el color hay que tener en cuenta la luminosidad
(cantidad de luz que posee un color como característica propia), la saturación (niveles
de pureza del color en relación al gris, cuanto más saturado, mayor pureza y
más alejado del gris) y la temperatura (fenómeno visual según las sensaciones
corporales: colores cálidos vs colores fríos). Y, también puede transmitir
significados muy concretos según cinco criterios de selección del color: contenido
simbólico, calendario comercial, contraste visual, identificación de la marca e
identificación con el público-objetivo.
La iluminación transmite significado desde la
iluminación que el autor elige para el objeto o desde la que se utiliza para
iluminar ese objeto desde el exterior. Los criterios selección son: tipo de
fuente (natural o artificial), cantidad (claves altas o bajas), temperatura
(caliente o fría) y orientación (a favor de la lectura, a contralectura, picado
o contrapicado).
Y
la textura es la materia
de la que está hecho el producto visual, puede referirse a la textura del
material del soporte o la textura de los materiales que se aplican sobre
soporte.
Y,
además, se puede clasificar en real (lo percibido por la vista coincide con el
tacto), simulada (lo percibido por el ojo no coincide con el tacto) y ficticia
(cuando el receptor piensa que el producto es de una calidad cuando es de otra).
Y,
por último, en cuanto a las herramientas de organización, nos encontramos con:
la composición y la retórica visual.
La composición es la
ordenación de las herramientas del lenguaje visual dentro del espacio
disponible del soporte; se utilizan diferentes recursos para generar
significado: si lo que se quiere es crear una composición reposada, los recursos
tienen que ser simétricos, rectos, centrípetos, completos y centrados, y si se
quiere alcanzar una composición dinámica, los recursos serán inconstantes,
asimétricos, oblicuos, centrífugos, incompletos y descentrados.
Y
la retórica visual se
utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del
producto visual. Esta herramienta funciona mediante múltiples figuras retóricas
agrupadas en cuatro grupos: sustitución, comparación, adjunción y supresión.
Y,
para concluir, decir que aprender a ver es como aprender a conducir, como se
muestra al final del texto; cuando te enfrentas por primera vez al lenguaje
visual, te sometes a un proceso lento en el que vas recordando cada paso, pero
con el tiempo te acostumbras y ya lo realizas de manera automática.
TEMA 6
“La
conquista de un concepto de la forma”
Autores: Lowenfeld,
V. y Lambert, B.
En este texto nos encontramos con la importancia que tiene la fase
esquemática que se desarrolla en los niños de los 7 hasta los 9 años, en la
cual el niño comienza a elaborar esquemas según emociones y vivencias. El
esquema está determinado por la forma de ver de cada niño y el significado que
éste asocia al mismo.
Desde
la fase anterior hasta la esquemática, los niños han ido adquiriendo un mayor
control en los trazos, y ya pueden dibujar con una intención de representar
objetos concretos. Sus producciones gráficas van asemejándose cada vez más a lo
que quieren representar.
El niño se va
desarrollando durante esta etapa y va adoptando nuevos comportamientos, deja de
ser egocéntrico para empezar a pensar más en los demás; van adquiriendo un
mayor sentido del espacio y el dibujo se vuelve una composición que relaciona
distintos objetos de forma coherente y armónica.
Cuando el niño
dibuja, expresa la realidad que percibe; estas imágenes son el resultado de un
proceso mental donde el niño representa su realidad. Con el estudio de los
dibujos, también podemos ver en el grado de conocimiento y el desarrollo del
intelecto, lo cual depende del entorno del niño. Lo que se pretende con este
proceso esquemático es ver la evolución que va teniendo el niño. Un cambio
importante en esta etapa tiene que ver con la utilización del color, los niños
relacionarán cada vez más los colores con los objetos que representen.
La representación del tiempo y espacio incluyen en un dibujo secuencias
temporales diferentes o impresiones espaciales distintas. Uno de los objetos de
representación es la historia.
El niño
descubre naturalmente que existe una relación entre el color y el objeto, ya
dibuja el medio de modo más objetivo y desarrollando relaciones espaciadas
definidas. Repite esquemas de la persona y de colores para los mismos objetos.
La motivación que debe usar el docente en los distintos niveles de edad
surge de las necesidades de los niños durante cada fase del desarrollo,
cualquier motivación debe originar y estimular un intenso deseo de crear una
obra significativa y debe animar a los niños a ser flexibles en su aproximación
al material, seleccionándolo con cuidado según la actividad que se vaya a
llevar a cabo y según a los alumnos a los que vaya dirigido, y al tema, que es
de gran importancia porque si no se elige bien, el alumno perderá el interés
por la tarea.
TEMA 7
“Didáctica específica de la expresión plástica”
Autor: José Luis López Salas
El sistema tradicional de la enseñanza
del dibujo se apoyaba en el estudio de la forma organizada, la geometría,
comenzada ya en la educación general básica, así como el inicio de los sistemas
de representación objetiva, que se estudiaba razonadamente en secundaria, con
el estudio del manual también, comenzando con la reproducción de volúmenes
reglados y de revolución, que servían como paso intermedio, mas el color.
La didáctica
empleada era intuitiva y se basaba en técnicas consuetudinarias, en el estudio
de los maestros anteriores y en las experiencias del profesor, que corregía
sobre la marcha los ejercicios del alumno.
Eisner consideraba que los dominios del aprendizaje artístico son: el productivo,
el crítico y el histórico y establece tres tipos de currículum: Programas
orientados al taller, Diseño creativo y Enfoques humanísticos o relacionados
con las artes.
Para facilitar a los profesores que vayan a analizar y a
formar el arte infantil, es recomendable contemplar las siguientes
orientaciones: la educación por el arte, la expresión plástica entendida como
lenguaje, la expresión plástica como actividad creadora, tradicional
entendimiento de la actividad plástica como una extensión de la artesanía,
tendencia actual orientada al diseño, la expresión plástica como elemento
globalizador de la educación y educación de la visión artística.
En este libro,
se puede ver como la Expresión Plástica es entendida de diferentes formas: como
lenguaje, como actividad creadora, como una extensión de la artesanía, como
diseño, como elemento globalizador de la educación y como desarrollo de la
sensibilidad estética.
Y en cuanto a las Necesidades de la educación artística existen dos razones que
justifican la necesidad de esta educación: histórica y biológica. A través de
la historia se ve la latencia del arte, desde los tiempos más remotos por lo
que el hombre ha sentido la necesidad de producir y disfrutar de
objetos artísticos; y, con respecto a la razón biológica, se observa que
el arte plástico es algo innato en el individuo ya que cualquier niño siente la
necesidad de dibujar, es decir, el arte infantil es espontáneo y va ligado a la
persona.
Como dice
Eisner, desde el punto de vista productivo, la persona dedicada a practicar el
arte tiene una necesidad del placer estético; desde la perspectiva del
educador, las necesidades que cubre el arte son más amplias,
aunque siempre esté inherente la característica estética.
Como
conclusión decir que es importante que los alumnos aprendan de manera más
eficaz , pero existe el inconveniente de que no puedan hacerlo debido a que
puede que los profesores no estén dotados de los suficientes conocimientos como
para que los alumnos aprendan de forma óptima.
TEMA 8
“El hiperdesarrollo del lenguaje visual”
Autora: María Acaso
Este libro, trata de la vinculación de la
educación artística con los procesos intelectuales que generan
conocimiento a través del lenguaje visual, sin hacer desaparecer por ello los
procesos manuales, pero sí descentrándolos.
La autora presenta una propuesta completa a partir
de la cual sea posible ejecutar una educación de las artes y de la cultura
visual desde una perspectiva innovadora en consonancia con el mundo que nos
rodea.
La
Educación Artística es un área educativa que se diferencia del resto de las
áreas debido a que su conocimiento se genera a partir del lenguaje visual.
El lenguaje
visual es un mundo configurado por numerosas características referidas con el
arte. La autora nombra las referencias del filósofo Gilles Lipovetsky, el
cual aplica el término “hiper” a la sociedad de consumo, haciendo referencia a
que vivimos en una sociedad de hiperconsumo.
A lo largo del
tiempo se han ido produciendo grandes cambios tecnológicos debido al desarrollo
de la sociedad, así pues, lo mismo ha pasado con el lenguaje visual, se ha
producido un proceso de hiperdesarrollo. Lo que se pretende decir a través del
lenguaje visual no se puede comunicar a través de otro tipo de lenguaje.
Se puede
afirmar que vivimos dentro del mundo-imagen, de una serie de mundos visuales paralelos
al mundo real y construidos a través del lenguaje visual, que tienen una
influencia en nuestras vidas cada vez mayor que la propia realidad. Vivimos en
una sociedad estresada donde todo se acelera cuyas características están
ligadas al hiperdesarrollo del lenguaje visual, el cual funciona como catapulta
del deseo.
Y no hay que
olvidar que la capacidad de absorber e interpretar la información visual no es
una capacidad innata en el ser humano, sino que es una habilidad que hay que
aprender a desarrollar, por lo que la Educación Artística tiene mucho que ver
con la desconsolidación del mundo-imagen.
Tema 9
“Explora Guernica: unir los sentidos
para conocer la obra clave de Picasso. Un programa educativo de accesibilidad
para personas con discapacidad visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía.”
Autor: S. González D´Ambrosio
En
este documento nos encontramos con la presentación del programa educativo
“Explora Guernica” en el que unen los sentidos para conocer la obra de
Picasso. Es un programa del Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid cuya iniciativa es la de
favorecer el acceso de las personas con discapacidad visual a los museos
mediante la combinación de informaciones verbales, la exploración de diagramas
táctiles y la realización de talleres de creación. Esta actividad amplia y
potencia el acercamiento a las obras de arte y el convencimiento de que éstas
deben ser accesibles a todos, además, permite la participación conjunta de personas con y sin discapacidad
visual, favoreciendo la integración y la visibilidad.
Este
programa, une las diferentes formas y canales de la percepción para acercar la
obra central del Museo a los visitantes con discapacidad visual. El arte exige
mucho más que un mero estímulo visual, por lo que puede y debe ser accesible
para todos ya que todos tenemos derecho a sentir, a conocer y a disfrutar.
Para
transmitir el Guernica a las personas con discapacidad visual fue necesario
contar con algún tipo de adaptación táctil que reforzase y potenciase las
explicaciones verbales sobre las características formales de la obra y las
figuras que la componen, por lo que se seleccionaron los diagramas táctiles
sobre papel microcapsulado. Esta elección de material se realizó por varias
razones como por la gestión directa desde el Museo del diseño y la producción
de láminas, por la posibilidad de introducir modificaciones, por la rapidez de
ejecución y por la posibilidad de realizar tantas copias como fuesen necesarias
a un coste reducido.
En
cuanto a los objetivos de este programa, destacar el de conocer y
familiarizarse con los códigos empleados para trasponer las imágenes visuales
en diagramas táctiles, de forma que los participantes puedan discriminar a
través del tacto y con el apoyo de las indicaciones verbales, las formas y los
elementos marcados en láminas que se exploren.
Para
garantizar un buen aprovechamiento de la actividad se presta una atención
personalizada de forma individual o por grupos; el educador adecua la visita a
las necesidades e intereses de los participantes. La metodología se adapta a
las características de los participantes y la duración de cada sesión oscila
entre las dos horas debido a que primero se visitan las salas, luego se explica
verbalmente el Guernica, después se exploran los diagramas táctiles y, por
último, se realiza un taller de creación. Y al concluir la actividad, el
educador facilita un cuestionario para poder mejorar las actividades.
Este
programa ha tenido una buena aceptación y potencia las iniciativas que permitan
el acceso de las personas con discapacidad visual a los museos y a la cultura
debido a que todos tenemos derecho a conocer nuestro pasado y nuestra cultura.
TEMA 10
“Didáctica de la expresión plástica o
Educación Artística”
Autor: Ricardo Marín Viadel
Este
documento se centra en la Didáctica de la Expresión Plástica (DEP), la cual es
el área de conocimiento cuyo objeto de estudio es la educación artística y
estética, es decir, los procesos de enseñanza y de aprendizaje de las Artes,
las Culturas y las Comunicaciones Visuales.
La
DEP estudia las situaciones y acontecimientos que se producen en el sistema
educativo formal y el conjunto de las actividades formativas y educativas que
se producen en diferentes instituciones y agencias sociales. También se ocupa
del aprendizaje del alumnado en edad escolar y de cualquier otro grupo de
personas y, a su vez, trata el dibujo y cualquier tipo o sistema de
comunicación visual o manifestación artística.
Ésta
es una disciplina o conjunto de ellas interdisciplinares y profesionalizantes
cuyo objeto propio de estudio es el aprendizaje artístico. El objetivo o
finalidad de la Educación Artística es el conocimiento, el disfrute y la
transformación de aspectos visuales para conseguir un mayor disfrute tanto del
mundo como de la cultura y un mejor conocimiento de la experiencia humana.
También
hay que ver la evolución histórica del término “Didáctica de la Expresión
Plástica” debido a que no siempre se ha denominado así. Los términos que le
precedían fueron los siguientes: “Formación de artistas, artesanos y
diseñadores”, ”Enseñanza del dibujo y la educación estética en la escuela”,
”Formación del profesorado de arte” y ,por último, el actual, “Didáctica de la
Expresión Plástica”.
En
cuanto al aprendizaje artístico, analiza
y explica diversas conductas y capacidades tales como la percepción, el
pensamiento, la inteligencia visual, la creación, la producción, la proyección
de imágenes, la imaginación, la fantasía, la creatividad visual, el
conocimiento y la comprensión de imágenes.
También
podemos ver en el texto que las asociaciones profesionales de la educación
artística son escasas debido a que para muchas de las personas que trabajan en
educación artística no existe una clara conciencia profesional en torno a su actividad
docente, porque en gran parte no existe una clara formación inicial
especializada. Una de las asociaciones que es importante es la NAEA, que fue
fundada en 1947 para promover la educación artística a través del desarrollo
profesional, el avance del conocimiento y la investigación.
Uno
de los documentos normativos sobre la formación del profesorado de enseñanzas
artísticas que elaboró, aprobó y publicó la NAEA fue el de las recomendaciones
de las asociaciones profesionales de educación artística sobre la formación del
profesorado de artes visuales, en el cual queda reflejado que dicha educación,
debe organizarse en torno a cuatro ejes: conocimientos de artes visuales,
conocimientos de ciencias humanas y sociales, teoría de la enseñanza y el aprendizaje
y prácticas docentes.
Y,
por último, con respeto a la formación del profesorado de Educación Infantil y
Primaria, los docentes deben de tener unas destrezas en el lenguaje visual,
comprendiendo y generando imágenes, al mismo nivel con el que se debe manejar
el lenguaje verbal. Para su formación
inicial deben figurar asignaturas de educación artística específicamente
dirigidas a estos niveles educativos; y para su formación permanente debe
existir una amplia variedad de cursos y seminarios de diferente formato y
duración.
