Tema 1 y Tema 2

Tema 1

“EL docente y la Educación Artística”

Artículo 1: “La expresión plástica como producto creativo del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración curricular”

Autores: Juan Delgado y Elvira Martínez

Haciendo un recorrido  sobre la evolución de la Educación Artística en España, nos encontramos con que antes de los años 70 la educación artística se contemplaba como una actividad que desarrollaba la habilidad manual y la destreza para el dibujo y se basaba fundamentalmente en la habilidad para reproducir patrones exteriores y que se concretaba según el nivel de los alumnos. A continuación, los años 70 supusieron un gran avance en la concepción del área, modificando contenidos, actitudes y sobre todo metodología, aunque en ocasiones no se supo dirigir bien al alumno. Y finalmente, en los años 80 y 90, se empiezan a manifestar profesionales de esta disciplina que pretenden corregir las desviaciones que se produjeron años atrás, aunque se sigue potenciando el trabajo imitativo y dependiente del alumno.

En este artículo nos encontramos con que a la Educación Plástica se le da muy poca importancia en el sistema educativo español. Es interesante destacar cómo se consideran lo creativo y lo artístico conceptos inseparables y luego en el aula de Educación Plástica, los alumnos son sometidos a procesos de imitación y copia sin estar estimulando la creatividad.                                                                                            Las causas de esta contradicción son debidas a que hoy en día se tiene una valoración marginal de lo artístico, ya que se piensa que no es productivo para el sistema, y, a su vez, nos encontramos ante la falta de preparación docente que existe en este ámbito.

En definitiva, hay que decir que para que exista una actividad creativa es necesario realizar un proceso en el que primero hay que interiorizar la información, después hay que reflexionar sobre la misma para poder transformarla y crear usos nuevos, y por último hay que expresarla, es decir, proyectarla al exterior.

A modo de conclusión y desde mi punto de vista el problema de la enseñanza Plástica reside principalmente en el docente (en la mayoría de ocasiones) debido a que éste no está formado para impartir este tipo de asignatura. Lo primero que debe de hacer el docente a nivel aula en este ámbito, y en todos, es motivar al alumno para generar y retroalimentar su capacidad de aprender, lo cual provoca un rendimiento positivo del mismo. Y cuando el alumno ya está motivado, entonces el docente debe fomentar la creatividad teniendo claro que debe:

•   Asumir la creatividad como parte del aprendizaje.
•    Pensar la creatividad como una habilidad.
•   Crear un entorno que propicie la creatividad.
•   Tener en cuenta todos los debates y discusiones.
•   Afirmar la libertad de expresión.
•   Dejar espacio para los errores.
•   Hacer un espacio para la creatividad.
•   Saber que la creatividad genera auto confianza.
•  Animar la curiosidad de los estudiantes.
•  Comprender que la creatividad es importante para el futuro de los estudiantes en el mercado   laboral.

Por último, decir que es necesario crear nuevas leyes que plasmen la importancia de esta disciplina, porque es una pena que el arte se desmerezca de esta forma.

Artículo 2: “Educación Artística: propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de Grado.”

Autora: Carmen Alcaide

En este artículo nos encontramos con que en la actualidad cultural el desarrollo de las Artes es un prestigio evidente, pero en nuestro sistema educativo existe escasa formación en todos los niveles. La formación artística en los currículos de enseñanza es inferior al destinado a otras materias, pero además de estar limitada, la formación en muchas ocasiones es errónea debido a que no se alcanzan los objetivos que supuestamente se pretenden cumplir.

Debido a que la formación del profesorado es uno de los distintos responsables sobre la situación de la Educación Artística en la enseñanza actual se tiene la necesidad de adaptarse al Espacio Europeo de Educación Superior para generar nuevos Planes de Estudio que sean más acordes a las necesidades académicas y laborales actuales.

Según la demanda de los estudiantes relacionados con la Educación Artística, se han diseñado diferentes propuestas para favorecer el desarrollo artístico y pedagógico de los educadores:

•     Grado en Educación Artística: Plástica y Música.
•     Grado en Educación Infantil con Mención en Educación Artística. (Doble titulación).
•     Grado en Educación Primaria con Mención en Educación Artística. (Doble titulación).
•     Posgrado en Artes Visuales (diversas opciones).
•     Posgrado en Música (diversas opciones).

Esta propuesta de títulos para la formación del Profesorado se debe encuadrar dentro de la Rama de Ciencias Sociales y Jurídicas tal y como se especifica en el documento del MEC.

En definitiva, la Educación Artística experimenta, cada día con mayor nitidez, la necesidad de contar con un espacio de investigación y de acción pedagógica propio para mejorar la metodología de la enseñanza.

Para concluir, en mi opinión, se debería cursar la carrera de Educación Primaria con una especialización específica, es decir, que si una persona tiene El Grado de Educación Primaria, se tiene que especializar en un área concreta para que sólo pueda impartir clases de esta materia y así habrá docentes cualificados para cada asignatura, pero claro esto es algo que no sé si algún día se llegará a conseguir, hay que tener la esperanza de que nuestro sistema educativo cambie para hacer frente a las demandas de la sociedad.

Y, también, decir que es necesario formar a docentes para que sean capaces de trabajar en equipo, priorizando el trabajo cooperativo y sin olvidar que el rol docente no acaba en el aula, sino que hay que prepararse el trabajo y estar constantemente renovando información.

Artículo 3: “Educación Artística y Cultural. Un proyecto de didáctica de la Expresión Plástica en la formación inicial del profesorado”

Autor: Alfredo Palacios Garrido

En este artículo el autor comienza hablando de que la mayoría de las actividades que se trabajan en Educación Plástica están aisladas y sin relación unas con otras debido a que año tras año se utilizan las mismas actividades por la falta de formación del profesorado y, además, no se tienen en cuenta los intereses de los alumnos.

El problema reside en que un docente de Educación Artística puede tener muchos conocimientos pero no saber aplicarlos en el aula (didáctica) o viceversa, y es por ello, por lo que se propone un proyecto que muestre una metodología globalizadora del currículo, que desarrolle un análisis visual y conceptual destinado a la comprensión e interpretación de unos rasgos estilísticos, que potencie un conocimiento de manifestaciones artísticas, y que de funcionalidad y contextualice el estudio de aspectos formales y de sintaxis dentro del currículo.

Estos proyectos favorecen el desarrollo de estrategias de planificación y capacidad de trabajar. El fenómeno artístico es capaz de integrar un gran número de aspectos culturales y sociales y se considera un instrumento de conocimiento que permite la relación de las diferentes formas de representación, expresión y análisis de la realidad.

Lo que se quiere es que los estudiantes estén en contacto con la realidad que les rodea y que sientan la Educación Artística como medio para conocerla.

Para la realización de estos proyectos es necesario:

•   Establecer objetivos.
•   Elegir un tema para la investigación.
•   Desarrollar el trabajo.
•   Evaluación.

A modo de conclusión, es importante saber que en Educación Artística el alumno debe asimilar las cosas a través de la experiencia y que sepa utilizar los conocimientos aprendidos en otros contextos. Es necesario tener la concepción de que la Educación Artística es un instrumento de conocimiento que contribuye a comprender la realidad. 

Tema 2

 “La apreciación plástica de Estilos Artísticos. La necesidad de juicios críticos”

Artículo 1: “El arte y los artistas”

Autor: E. H. Gombrich

En este capítulo sobre la Historia del Arte, el autor comienza afirmando que el Arte no existe realmente, que tan sólo hay artistas. Según en la época y en el lugar donde nos encontremos, la palabra Arte puede significar muchas cosas diferentes, pero según Gombrich, hay que aprender que el Arte escrito con mayúscula no existe, éste sólo es un fantasma y un ídolo.

Cada persona tiene diferentes gustos y aversiones, y es por ello que cuando vemos un cuadro nos vienen a la cabeza infinidad de recuerdos que influyen sobre nuestros gustos y  nos ayudan a disfrutar lo que vemos.

La belleza es algo que varía muchísimo según los gustos y los criterios de cada persona, por lo que un artista nunca nos podría censurar por nuestros gustos; normalmente, lo bello para mucha gente es aquello donde se refleja la realidad. Además, hay que decir, que las personas, además de la belleza en una obra,  también busca la expresión, es decir, buscan comprender la obra con facilidad a través de la expresión de la obra, lo cual emociona al espectador, pero hay que decir que no siempre es fácil ver en una obra lo que se quiere expresar. Cuando el pintor italiano del siglo XVII Guido Reni pintó la cabeza del Cristo en la cruz se propuso, sin duda, que el contemplador encontrase en este rostro la agonía y toda la exaltación de la pasión. En los siglos posteriores, muchos seres humanos han sacado fuerzas y consuelo de una representación semejante del Cristo. El sentimiento que expresa es tan intenso y evidente que pueden hallarse reproducciones de esta obra en sencillas iglesias y apartados lugares donde la gente no tiene idea alguna acerca del Arte.

También hay que destacar que las personas que se acercan por primera vez al Arte, se fijan en la destreza que tiene el artista al representar la realidad y lo que más les gusta son los cuadros que expresan lo que se ve de verdad en la realidad, y es por ello, por lo que sienten rechazo hacia las obras que consideran que están mal dibujadas. Según el autor, un artista moderno posee los suficientes conocimientos para dibujar con corrección, por lo que nunca hay que considerar una obra incorrectamente dibujada, ya que el artista pudo tener sus motivos para la alterar la apariencia de la obra y expresar con ello un sentimiento. Cuando una persona contempla un cuadro es necesario que se despoje de sus costumbres y de sus prejuicios para poder apreciar realmente lo que el artista quiere trasmitir.

La verdad es que resulta imposible dictar normas, porque nunca se puede saber por anticipado qué efectos desea conseguir el artista. Como no existen reglas que nos expliquen cuándo un cuadro o una escultura está bien, por lo general es imposible explicar exactamente con palabras por qué creemos que nos encontramos ante una obra maestra.

Nunca se deja de aprender en cuanto al Arte se refiere, siempre existen cosas nuevas por descubrir; aunque sea difícil, es necesario mirar un cuadro con los ojos limpios y dejarse llevar.

A modo de conclusión, me gustaría decir que el Arte es algo subjetivo que depende de muchos factores (época, gustos personales, lugar…) y a la hora de introducirlo en el aula sería conveniente hacer un recorrido por las diferentes épocas y hacer que los alumnos viesen lo que cada autor quería expresar y así ellos poder plasmar en sus dibujos lo que sienten.

Artículo 2: "La belleza como proporción y armonía"

Autor: Umberto Eco

En este documento se comienza diciendo que una cosa bella es aquella que es proporcionada, lo cual explica el por qué en la antigüedad la belleza se identificó con la proporción y además se le unía el color. La estética de la proporción ha ido adoptando diversas formas y cada vez más complejas. Para Santo Tomás de Aquino, la belleza es la adecuada proporción, la integridad, la claridad y la consonancia, y también la considera como un valor moral, es decir, habla de belleza moral, se basa en el principio de la adecuación al fin al que está destinada la cosa.

Según Pitágoras, el número es el principio de todas las cosas y es por ello por lo que nace una visión estético-matemática del universo. Las relaciones matemáticas regulan los sonidos musicales y es la idea de armonía musical la que se asocia con cualquier regla para la producción de lo bello; y son los Pitagóricos los que sabían que los distintos modos musicales influyen en la psicología de las personas.

A la hora de hablar de la proporción arquitectónica se construye la Tetrakys pitagórica, que es un símbolo de igualdad perfecta y en ella se concentra la sabiduría universal. Y es también Pacioli quien descubre la divina proporción que es la sección Áurea. La arquitectura de Vitrubio sirvió de modelo para la proporción óptima en la edad media y renacimiento, el cual hace alusión a la preferencia de las figuras pentagonales y al arte gótico.

En relación con el cuerpo humano, Pitágoras ve la perfección en lo impar, la recta y lo cuadrado; así como para Heráclito la armonía es el equilibrio como son la quietud y el movimiento. 

Hay que destacar también la relación que existe entre el cosmos y la naturaleza, que según Boecio, el alma y el cuerpo están sometidos a las mismas reglas que regulan los fenómenos musicales y así se encuentra la armonía del cosmos.

A modo de conclusión, decir que la historia se basa en una noción ideal de la armonía que ha ido cambiando a lo largo del tiempo. Según Humberto Eco: “el arte es una de las manifestaciones de la belleza pero solo contemplando el arte no podríamos comprender el alcance de lo que la belleza ha representado para las culturas”.

A la hora de introducir el tema de la belleza en el aula se le podría decir a los alumnos que dibujasen algo que considerasen bello y así cada uno realizaría un dibujo totalmente diferente porque la belleza es algo subjetivo y cada persona la aprecia de manera diferente. Y una vez que hiciesen su dibujo, cada alumno lo enseñaría a la clase y le explicaría los motivo del por qué considera que su dibujo es bello.

                                       TEMA  1

                                         EL DOCENTE Y LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA    

                                                     ARTICULO I

EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CULTURAL. UN PROYECTO DE DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LA FORMACIÓN INICIAL DEL PROFESORADO.

                                                      (Alfredo Palacios Garrido)

Tras la lectura de los artículos como el de Alfredo Palacios Garrido” un proyecto de didáctica de la expresión plástica en la formación inicial del profesorado, Juan Delgado y Elvira Martínez” educación artística o la pervivencia de una paradoja” y “propuesta para la formación del profesorado en los nuevos estudios del grado” de Carmen Alcaide.

Resumiendo estos artículos, hoy en día los alumnos están sometidos a un aprendizaje nada creativo y a procesos instrumentales cerrados a causa de que la educación visual y plástica, sigue siendo una actividad marginal dentro del curriculum y por otro lado no se considera como producto de la utilización de un lenguaje.

El gran problema que encontramos en las aulas, es la escasa formación de los maestros en el área estético-expresiva, relacionada también por la escasez de horas dedicadas que fomenta la copia y repetición esto anula la creatividad. Todo ello nos conduce a la necesidad de formación del profesorado para adaptarnos al espacio europeo de educación.

La intención de las diferentes propuestas de títulos es favorecer el desarrollo artístico y pedagógico de los educadores que hasta el momento carecen de formación universitaria en el ámbito del arte. Pero la educación de la expresión plástica y artística debe ir dirigida a una visión globalizada, que siga actividades contextualizadas y con sentido. Para ello es necesario una formación del docente, y una adecuada y estructurada organización del trabajo.

Por ellos nos podemos preguntar nosotros mismos estas preguntas:

-¿Qué aprenden los niños en las clases de plástica durante la Educación Primaria?

-¿Qué contenidos tienen los maestros acerca de esta área?

BIBLIOGRAFÍA:

Palacios Garrido, A(199) Educación Artística y cultura. Un proyecto de didáctica de la expresión plástica en la formación inicial del profesorado. Arte y individuo y sociedad, 11, 147-161.

                                                       ARTICULO II

LA EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO PRODUCTO CREATIVO DEL LENGUAJE VISUAL. REFLEXIONES ACERCA DE SU INTEGRACIÓN CURRICULAR.

                                 "La educación artística o la pervivencia de una paradoja"

                                                 (Juan Delgado y Elvira Martinez)

Según Juan Delgado y Elvira Martínez en el artículo, “la educación artística o la pervivencia de una paradoja”.

Estos dos autores intentan tratar los creativo y lo artístico. En cuanto a la pintura, la escultura y otros modos de poder representarlos son aquellos los motores de manipular y desarrollar la capacidad de creación del artista.

La educación visual y plástica, sigue siendo, una gran actividad marginal, por varias razones:

La valoración social de lo artístico tiene una gran valoración social marginal. Cuya marginalidad es consecuencia de dos valoraciones, una peyorativo que se refiere que lo artístico no puede ser productivo para el sistema y el otro el paradigmático que se refiere que el arte es un privilegio de los artista.

Pero sin embargo la valoración pedagógica de los lenguajes expresivos en comparación a las áreas de conocimientos. La expresión individual del alumno favorece a la dependencia y la imitación frente a la creación. Por ello no deja de ser curioso que cuando los especialistas hablan de niños creativos, en expresión plástica, se refieren a niños que dibujan con gran imaginación y realizan trabajos muy intuitivos y muy graciosos y sorprendentes desde nuestro punto de vista.

No consideramos la actividad plástica como un producto de utilización de un lenguaje, pero el lenguaje plástico-visual llena a una serie de acumulaciones de conocimientos, técnicas y destrezas. Podemos destacar dos razones muy fundamentales:

La gran falta de preparación de los dicentes en la educación artística: los maestros, desconocemos los fundamentos del lenguaje visual, los recursos expresivos así como el manejo de operadores creativos, los especialistas desconocen los fundamentos evolutivos, perceptivos, coordinativos, reflexivos e integración espacial.

También podríamos ver la gran evolución de la educación artística que surge en España.

En los años 70 la plástica no se veía como ahora la desarrollamos, antes se desarrollaba con un gran interés de habilidad manual y destreza para el dibujo. Antes era fundamental poder reproducir patrones exteriores que se concretaban según el nivel de los alumnos. Pero sin embargo en la educación infantil se usaba en cuadernillos de esquemas adultos y en la educación primaria, es aquí cuando los llamamos trabajos manuales que serán ya láminas de dibujo para poder adquirir el dominio del trazo y sombreado.

En este apartado hay un autor Víctor Lowenfeld que hace referencia a su libro “el desarrollo de la capacidad creadora” comenta que intenta desbloquear la creación del alumno, para poder facilitar la expresión individual  y facilitar el papel de posibilitador de recursos y materiales.

Pero sin embargo a finales de los ochenta empieza una gran manifestación de la disciplina artística y poder dotarla de contenidos propios y específicos basados en los estudios sobre la sintaxis del lenguaje visual. Querían cambiar el nombre y ponerle las didácticas de la lengua y el arte porque decían que el termino expresión plástica era un proceso intelectual  y restrictivo y por ello debía pasar a artes plásticas y así será como mas académico pero como finalidad lo dejaron como didáctica de la lengua y el arte.

Cuando ya se habla del futuro de una educación más creativas integral del lenguaje plástico-visual ya todo cambiaria.

Se diría que cualquier lenguaje para poder trasmitírselo a alguien en la educación ya podríamos decir que es un lenguaje visual debe contemplar al ser humano  en su interacción con el entorno que le rodea por ello debería ver, saber y hacer.

Existe una habilidad artística que involucra el uso y la transformación de diversas clases de símbolos y sistemas, aquellos individuos que quieren participar en la creación artística, tiene que aprender de modo de manipular, de qué modo escribir con las diversas formas, como poder interiorizar las sensaciones, percepciones... Hacer una pequeña reflexión de datos de una forma personal y como poder comunicarlos a través de la obra.

Para ir finalizando, yo creo que la educación plástica –visual es cada alumnos debe de expresarse como quiera y plasmarlo libremente a través de un dibujo. Cada individuo tiene una opinión diferente de pensar e incluso de actuar, no debería de ser una obligación de como debes de hacerlo sino que cada uno actúe como quiera a la manera de poder expresarlo con libertad. La educación artística hay que ser muy creativos , flexible y tener bastante capacidad de poder expresar lo que sentimos a través de un papel y poder trasmitírselo a  los demás, pues eso ocurre con los niños pequeños trasmiten sensaciones a través de dibujos y tanto buenas como malas , bonicas o menos bonitas, pues así nos ocurre a todos nosotros.

BIBLIOGRAFÍA:

Delgado, J(2010) La Educación plástica como producto creativo del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración curricular. La educación artística o la pervivencia de una paradoja. Recuperado de http://www.iacat.com/l-científica/Jdelgado.htm.

MARTÍNEZ, E. y DELGADO, J. (1983) “La educación artística o la pervivencia de una paradoja”, Suplemento de educación, El País.

                                                               ARTICULO III 

EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO.

                                                             (Carmen Alcaide)

Según en este articulo la autora Carmen alcaide, nos dice que la formación inicial del profesorado de infantil y primaria ha de cambiar para los futuros docentes.

Según en el documento del MEC, después de algunas vacilaciones parece estar decidido que desaparecen las especialidades así como un número ilimitado de estudios. La próxima autonomía de las universidades abre puerta a proyectos hacia lo que pudo haber sido especialidad en educación artística. Por ello los futuros docentes les permite asumir las áreas artístico-expresivas en labor docente por ellos los universitarios para que salgan bien preparados den requerir bien los documentos sé que acreditan en el MEC.

Nos que nos quieren pretender con este artículo  es que los universitarios y futuros docentes que entendamos la educación artística como tal, el área global que se imparte  en los niveles de educación infantil y primaria.

Las artes es un prestigio en el entorno cultural, como lo demuestran  las grandes exposiciones y ferias artísticas. La formación artística en los currículos de enseñanza obligatoria sabemos que es limitada en muchos de los casos, puesto que va en contra de los objetivos a conseguir. Pero la formación inicial de los dicentes en las áreas expresivas, parece su existencia que relaciona la escasez de horas en la educación artística en primaria por ello no se aprende lo suficiente por las limitaciones de horas lectivas en los centros educativos.

Por ello en este artículo nos da a entender que los futuros docentes debemos de tener una gran formación en esta asignatura a la hora de poder transmitírsela a nuestros alumnos. Que seamos unos gran profesionales, innovadores que siempre estemos reformulando y renovándonos y que nos quedemos atrás y siempre tener la libertad de expresar lo que cada uno quiera y pueda transmitir a través de la plástica.

BIBLIOGRAFÍA:

Alcaide (2007). Educación artística: Propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de grado. Nuevas propuestas de educación en educación artística, 21-28.

TEMA: 2

“LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS. LA NECESIDAD DE JUICIOS CRÍTICOS”

ARTICULO I

EL ARTE Y LOS ARTISTAS

(E.H. Gombrich)

No existe realmente el arte. Tan solo hay artista. Arte puede significar muchas cosas distintas, en épocas y lugares diversos. Pero, tenemos que aprender que el arte, escrito con mayúsculas, no existe. El arte con mayúscula solo es un fantasma y un ídolo. Cuando veamos un cuadro, nos ponemos a recordar muchas cosas que influyen sobre nuestros gustos y aversiones. Varían mucho los gustos y criterios acerca de la belleza.

Los que se acercan por primera vez al arte quieren mirar la destreza del artista al representar los objetos, y lo que más les gusta son los cuadros en los que algo parece “como si fuera de verdad”. No solo es el abocetamiento lo que molesta a los que prefieren que los cuadros parezcan “de verdad”. Sienten mayor aversión por obras que consideran incorrectamente dibujadas, en especial si pertenecen a una época cercana a nosotros.

Pensemos como queremos del artista moderno pero podemos estar seguros de que poseen conocimientos suficientes para dibujar con corrección. Hay dos cosas que debemos preguntarnos siempre que encontremos una falta de corrección en un cuadro:

v   Si el artista no tuvo sus motivos de lo que vio nunca debemos condenar una obra por estar incorrectamente dibujada, a menos que estamos seguros de que él está equivocado es el pintor y no nosotros.

No es fácil desembarazarse de ideas preconcebidas. No existe mayor obstáculo para gozar de grandes obras de arte que nuestra repugnancia a despojarnos de costumbres y perjuicios.

Cuanto más frecuentemente hemos visto aparecer un tema en arte, tantos más seguros estamos que tiene que representar de manera análoga.

A veces quienes desprecian y censuran las obras de arte por motivos erróneos pueden ocasionar prejuicios. Muchos de las obras que están en museos o galerías no se concibieran para ser gozados artísticamente, sino que se ejecutaron para una determinada ocasión y con un propósito definido, estuvieron en la mente del artista mando este se puso a trabajar en ellos.

Lo que le preocupa a un artista cuando proyecta un cuadro, realiza apuntes acerca de cuándo ha de dar por concluida su obra, es algo muy difícil de expresar con palabras. El artista tal vez diría que lo que le preocupa es si ha “acertado”. Cuando se trata de reunir formas o colocar colores, un artista debe ser siempre “exagerado” o, más aun, quisquilloso en extremo. Él puede ver diferencias en formas y matices que nosotros advertimos.

Ø  Los artistas mediocres no consiguen nada cuando prescinden de reglas fijas de composición mientras que los grandes maestros no las utilizan y sin embargo logran una manera armonía como nadie imagino anteriormente.

Ø  Resulta difícil dictar normas, porque nunca se puede saber por anticipado que efectos desea conseguir el artista.

Nunca acaban de aprender en lo que el arte se refiere. Siempre existen cosas nuevas por descubrir. Las grandes obras de arte parecen tan inagotables e imprevisibles como los seres humanos. Es infinitivamente mejor no saber nada de arte, que poseer esa especie de semi-conocimiento de snobismo.

Mirar un cuadro con los ojos limpios y aventurarse en un viaje de descubrimiento, es una tarea difícil, pero también mucho mejor recompensada. Es difícil precisar cuánto podemos traer con nosotros al represo.

        ¿qué es el arte?

·       creación humana de valores estéticos (belleza, equilibrio, armonía…) que sintetiza sus emociones, su historia, sus sentimientos y su cultura.

·       Es un conjunto de procedimientos utilizados para realizar obras, en el cual aplicamos nuestros conocimientos.

El arte como lenguaje

El arte es un medio de comunicación con un código de signos propio, que el artista compone para crear imágenes transmisoras de un mensaje que el receptor espectador descifra.

El artista decide expresarse través de (emisor), la obra de arte (mensaje) el espectador               (receptor).

¿Que opina el artista Gombrich?

Pues ese extraño recinto que llamamos “arte” es como una falsa de espejo o una galería de ecos. Cada forma conjura un millar de recuerdos y de imágenes de la memoria.

Bibliografía:

GOMBRICH, E. “El arte y los artistas ”, Introducción a La Historia del Arte, pp. 15-37.

ARTICULO II

LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y ARMONÍA

(Humberto Eco)

v El número y la música:

La música guarda una íntima relación con las artes, las letras  y las ciencias. Si nos quedamos en el terreno de lo artístico, la música se ha desarrollado junto con las demás disciplinas. Ha sido barroca cuando el barroco imperaba en Versalles, clásica por primera vez cuando en nuestras ciudades se construían Edificios basados en cánones de belleza griegos; medievales cuando intentaba salir de la oscuridad para crear un lenguaje sólido e internacional. Se hizo polifonía cuando las agujas del gótico se elevaban al cielo. No se puede ver ni palpar; sin embargo, se siente. La música es una de las manifestaciones artísticas más universales y, a la vez, uno de los rasgos más singulares junto con el habla, del ser humano. Pero el lenguaje musical tiene también mucho en común con otro lenguaje que la inteligencia ha inventado para describir la realidad: la ciencia. Ésta habla de espectros, frecuencias, resonancias, vibraciones y análisis armó-nico. No es una simple coincidencia, no hay música sin física ni música sin números.

o   Sonidos musicales: una composición musical consiste en una serie de sonidos placenteros, expresivos o inteligibles de estructura definida y significado de acuerdo a las leyes de la melodía, armonía y ritmo. Componer consiste en intervalo y escribirla.

o   Modos musicales: influyen de manera diversa, ritmos duros y ritmos suaves, ritmos adecuados para educar a los muchachos y ritmos blandos y lascivos.

v La proporción arquitectónica:

Las relaciones que regulan las dimensiones de los templos griegos, los intervalos entre columnas o las relaciones entre las distintas partes de la fachada corresponden a las mismas relaciones que regulan los intervalos.

La tetraktys es la figura simbólica por la que realizan los juramentos y en la que se condesa de forma perfecta y ejemplar la reducción de lo numérico a lo espacial, de lo aritmético a lo geométrico.

o   Concepción matemática: las explicaciones del pensamiento piagetiano en el aprendizaje inciden en la concepción constructivista del aprendizaje. Los principios generales del pensamiento piagetiano sobre el aprendizaje:

-Los objetivos pedagógicos deben, además de estar centrados en el niño, partir de las actividades del alumno.

-El aprendizaje es un proceso constructivo interno.

-El aprendizaje depende del niño de desarrollo del sujeto.

v El cuerpo humano:

Los primeros pitagóricos, la armonía no consiste solamente en la oposición par/impar, sino también en la oposición entre limite e ilimitado, unidad y multiplicidad, derecha e izquierda, masculino y femenino, cuadrado y rectangular, recta y curva. La solución propuesta por Heráclito: si en el universo existen contrarios, realidades que parecen no conciliarse, como la unidad y la duplicidad, el amor y el odio, la paz y la guerra, la quietud y el movimiento, la armonía entre estos contrarios no se producirá anulando uno de ellos.

v La proporción en la historia

El estudio de la proporción se remonta a Egipto donde se descubre la proporción áurea por análisis y observación, buscando medidas que les permitiera dividir la tierra de manera exacta, a partir del hombre, utilizando la mano, el brazo, hasta hallar que un hombre medía lo mismo de alto que de ancho con los brazos extendidos y encontraron que el ombligo establecía el punto de división en su altura y esta misma, se lograba de manera exacta, rebatiendo sobre la bases de un cuadrado, una diagonal trazada de la mitad de la base a una de sus aristas.

En Occidente, la proporción de la figura humana ha variado a lo largo de la historia. Por ejemplo, en el Antiguo Egipto el canon de la figura humana se establecía a partir de un módulo o unidad ajeno al cuerpo humano. Toda parte de la figura se dibujaba tomando como referencia este módulo. De esta manera, desde el Imperio Antiguo hasta la Baja Época el canon imperante para la altura del cuerpo femenino o masculino era igual a 18 veces el módulo. A partir del siglo VII a.C. este canon se modificó, y la altura del cuerpo humano pasó a ser igual a 21 veces el módulo.

En la Grecia Antigua se empleó, como unidad de referencia, la altura de la cabeza humana. De este modo, en el siglo V a.C., Policleto estableció, para la figura humana, una altura de 7 y 1/2 cabezas. El modelo por excelencia de este canon es su Doríforo (siglo V a.C.). Posteriormente, en el siglo IV a.C., Lisipo modificó este canon, dando a sus esculturas una altura de 8 cabezas. Posteriormente Vitruvio estableció una afinidad entre el hombre y las figuras geométricas, al descubrir que el hombre de pie con los brazos extendidos puede inscribirse en un cuadrado, y si separa las piernas puede inscribirse dentro de un círculo, que tiene como centro el ombligo. Vitruvio, explicaba que la simetría consiste en el acuerdo de medidas entre los diversos elementos de la obra y estos con el conjunto.

Estos cánones clásicos permanecieron casi invariables durante la Antigüedad Grecorromana. Sin embargo, desde fines de la Antigüedad, fueron progresivamente abandonados, a medida que el interés en la representación naturalista de la figura humana fue decayendo. Durante la Edad Media no existió un canon riguroso para las proporciones del cuerpo humano. Según se puede apreciar en los cuadernos de Villard de Honnecourt (fines del siglo XIII), las figuras humanas y animales se trazaban a partir de formas geométricas simples, como el triángulo o el cuadrado.

En el Renacimiento se adoptaron nuevamente los cánones de la Antigüedad grecorromana. La proporción del cuerpo humano fue considerada como la expresión sensible de la armonía, y la teoría de las proporciones humanas despertó enorme interés entre los artistas de la época.

v Las otras artes:

La estética de la proporción ha adoptado formas diversas cada vez más complejas también en pintura. Todos los tratados de artes, desde los bizantinos de los monjes del monte Athos hasta el trattato de cennini, revelan artes plásticas al nivel matemático que la música. Donde los estudios matemáticos alcanzan la máxima precisión es en la teoría y en la práctica renacentista de la perspectiva. La representación en perspectiva es en sí misma un problema técnico, pero esto no interesa en la medida en que los artistas del renacimiento entendieron que la buena representación en perspectiva no solo era precisa y realista, sino también bella agradable.

Bibliografía:

ECO, U. (2004) Historia de la belleza, Lumen, Capítulo III. "La belleza como proporción y  armonía", pp. 61-98.

• OPINIÓN SOBRE LOS ARTÍCULOS

En mi opinión, estoy de acuerdo con estos artículos, ya que es imprescindible el arte tanto en el aula como fuera de ella. Además, a los futuros docentes o se les transmiten los conocimientos necesarios para poder llevarlos a cabo en las aulas.

Por ello, es necesario que el niño pueda llegar a ser un gran artista mediante el arte y la imaginación, la mayoría de nosotros podemos ser creativos en un ambiente abierto.

• FORMAS DE LLEVAR EL TEMA AL AULA EDUCACIÓN PRIMARIA

La educación artística la llevaría al aula de una manera muy creativa para que los alumnos vayan motivados al aula y a la hora de poder trabajar, llevando un espacio libre para que ellos puedan explorar mediante la imaginación, creatividad y libertad del arte.

Carmen Lorenzo Lucas

VÍDEO MANIFIESTO DOCENTE

COMENTARIO:

En el anterior vídeo, se puede ver cómo veo el arte y la forma de hacerlo. Ya que, en los centros educativos, es tambie´n muy importante experimentar con la plástica para que los propios niños, puedan expresarse y emocionarse con la pintura.

TEMA 1: El docente y la educación 

artística

ARTÍCULO  :

LA EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO PRODUCTO CREATIVO DEL LENGUAJE VISUAL. REFLEXIONES ACERCA DE SU INTEGRACIÓN CURRICULAR. “La educación artística o la pervivencia de una paradoja”.

Autor: Juan Delgado

En el texto se puede observar la manera tan significante de unir el arte con la creatividad, ya que son calificativos inseparables. Pero hay varias causas en el que el ser humano, a pesar de ser creativos, no sabe desarrollarlo y llegan a la imitación, copia y aprendizajes que no son creativos.

Esto ocurre por varias razones, según postula Juan Delgado (2012):

1º.  La asignatura de Educación Plástica y Visual, está dentro del currículum como una actividad marginal a causa de:

-       La poca valoración social del arte, llega a tener una valoración social marginal, a pesar de ser valoraciones con sentido opuesto, se complementan los resultados.

-       La poca valoración pedagógica de los lenguajes expresivos en comparación a las áreas instrumentales o de conocimiento. Ya que en la escuela se tiene en cuenta que el alumno favorezca su dependencia y la imitación frente a  la diferencia y la creación.

2º. No se considera la actividad plástica como el producto de una utilización del lenguaje.

-       Por la falta de preparación de los docentes en Educación Artística, ya que los maestros desconocen los principios y fundamentos del lenguaje visual y los recursos expresivos.

-       La disparidad de criterios, la confusión conceptual, pedagógica y didáctica en la educación artística, el cual encontramos implantados en un aula.

Antes de los 70, la enseñanza en el trabajo se contemplaba desarrolladora para la habilidad manual y la destreza para el dibujo. Se basaba en reproducir patrones exteriores. En Educación Infantil, se utilizaba cuadernillos  para que los niños observaran y colorearan; y en Educación Primaria, se utilizaba trabajos manuales sometidos con patrones de reproducción mecánica y en años siguientes, se utilizaban láminas de dibujo para poder desarrollar el trazo y el sombreado.

En la década de los 70, la década de la libre enseñanza desbloqueadora, supuso un cambio radical en la educación artística y fue adoptado de forma minoritaria por los profesores más renovadores y movimientos progresistas de la educación.

En la década de los 80 y 90, la disciplina artística empieza a desarrollarse de forma reduccionista superficial y por resistencia al cambio, ya que está volviendo a potenciar un trabajo imitativo y dependiente del alumno.

El lenguaje tiene la función de expresar y comprender lo que se trasmite a través de él, una educación que pretenda el desarrollo del lenguaje visual, contemple al ser humano para ocuparse del desarrollo de saber ver y el saber hacer.

El uso del lenguaje visual y la adquisición supone una aplicación de procesos creativos al propio lenguaje en cada uno de sus tres ideas:

1.           Interiorización – recepción: Debe estar unida a la generación de ideas.

2.           Reflexión – trasformación: Debe de ir unida a las actitudes de trasformación adaptándola a usos nuevos.

3.           Expresión – comunicación.

ARTICULO :
EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO.

Autor: Carmen Alcaide

En el artículo podemos observar cómo la autonomía de universidades propone e inscriben títulos de Grado y Máster orientados hacia la Especialidad en Educación Artística. Esto hace que los futuros maestros y maestras tengan una formación y un aprendizaje positivo y de calidad, y puedan tener una capacidad idónea en las áreas artístico-expresivas en su labor docente.

Se pretende para los Títulos Universitarios de Grado y Posgrado referidos a la Educación Artística, presentar el área global impartida en Infantil y Primaria, el cual corresponde a Expresión Plástica y Musical. Los alumnos deben tener un aprendizaje de forma académica con contenidos universitarios pero sin dejar de lado la atención que necesitan  de preparación pedagógica orientadas a la formación de los niños de Infantil y Primaria.

Para la formación artística, en los currículos de enseñanza obligatoria, el tiempo dedicado es menor que para otras materias y también errónea, ya que va en contra de los objetivos que pretende alcanzar. Esto se debe a la formación de los maestros y profesores porque son insuficientes en las áreas estético-expresivas. En cuanto a la formación de los futuros maestros dentro de las áreas de Educación Artística, se encuentran demandados y surgen desde distintos ámbitos, para ello, debería tener una oferta flexible e interdisciplinar, teniendo en cuenta las posibilidades de acceso.

Las propuestas de títulos son:

-      Grado en Educación Artística: Plástica y Música.

-      Grado en Educación Infantil con Mención en Educación Artística. (Doble titulación).

-      Grado en Educación Primaria con Mención en Educación Artística. (Doble titulación).

-      Posgrado en Artes Visuales (diversas opciones).

-      Posgrado en Música (diversas opciones).

Estas propuestas pretenden facilitar a los futuros docentes especializados en artes, una educación interdisciplinar, amplia en el trabajo de investigación y reflexión, flexible y abierta a los campos profesionales y el desarrollo artístico. La intención de esto, es favorecer un desarrollo artístico y pedagógico de los educadores.

  Finalmente, la educación artística experimenta la necesidad de tener su propio lugar de investigación y de acción pedagógica. Estas acciones sirven para mejorar la formación artística y cultural de los educadores.

Bibliografía:

-      Delgado, J. (2012). . La expresión plástica como producto creativo del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración  curricular. La educación artística o la pervivencia de una paradoja. Recuperado de http://www.iacat.com/I-cientifica/Jdelgado.htm

-      Alcaide, C. (2007). Educación artística: propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de grado. Nuevas propuestas de acción en educación artística, 21-28.

ARTÍCULO :

EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CULTURA. UN PROYECTO DE DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LA FORMACIÓN INICIAL DEL PROFESORADO.

Autor: Alfredo Palacios Garrido

Las actividades del área de Expresión Plástica en los distintos niveles educativos, pero más en primaria, posee un carácter fragmentario dónde los alumnos y los profesores perciben como actividades aisladas sin relación y con una finalidad que se acaban en sí mismas. Esto se debe a la metodología que siguen los docentes del área.

En la expresión plástica, el currículo va de forma espiral profundizando de manera gradual los contenidos. En muchas ocasiones esta profundización es sustituida por una simple repetición durante años del mismo tipo de actividad, y esto se debe a una falta de criterios objetivos sobre lo que el alumno ha aprendido y lo que llegará a aprender.

Existen dos razones por la que han realizado esta situación:

1.    La influencia de la concepción de la educación artística como desarrollo de la autoexpresión creativa. Esto suponía que cualquier actividad artística bien realizada, era suficiente para un correcto desarrollo creativo.

2.    El déficit de formación del profesorado de Educación Artística en una doble vertiente. Aquí el maestro tiene conocimiento sobre didáctica, pero no de contenidos y procedimientos artísticos. Pero sin embargo, al profesor de primaria, le pasa lo contrario; tiene más conocimiento de contenidos y procedimientos, que de didáctica.

Para avanzar en educación artística y proyectos de trabajo, hace falta estructurar el currículo a base de proyectos. Este proyecto se debe situar en las primeras décadas con las ideas de Kilpatrick, John Dewey y el Movimiento Progresista Americano de Educación. Algunas de sus ventajas es que aumenta la significatividad del aprendizaje, el cual, da sentido y funcionalidad a los contenidos y desarrollan estrategias de aprendizaje.

La Educación Artística es un área idónea para los enfoques de proyectos y globales, y se orientan en un proyecto vinculado a otras materias y con diversidad de saberes. Puede que sea considerada como un instrumento de conocimiento del entorno con posibilidades de relacionar diferentes maneras de representación, de expresión y análisis de la realidad.

Los proyectos son considerados elementos motivadores del aprendizaje y favorecen el desarrollo de estrategias de planificación y la capacidad de trabajar un proceso dónde se integra la percepción, reflexión y creación.

Para finalizar el artículo, Alfredo Palacios (1999), propone un proyecto de trabajo con la finalidad de realizar una pintura mural con los rasgos del arte primitivo.

En cuanto a los objetivos, el autor pretende integrar estos objetivos:

-                     Mostrar una metodología didáctica globalizadora que toma de referencia la Educación Artística.

-         Dar funcionalidad y contextualizar el estudio de aspectos formales y de sintaxis dentro del currículo.

-         Desarrollar un trabajo de análisis visual y conceptual destinado a la comprensión e interpretación.

-         Potenciar un conocimiento de manifestaciones artísticas distintas a las de nuestro entorno geográfico y cultural para debatir sobre conceptos que relacionen arte y cultura.

En conclusión del proyecto, el autor piensa que lo más importante es ocupándose en la didáctica de la Educación Artística, es que el alumno asimile a través de la experiencia del proyecto, un método de trabajo que le sirva para organizar y estructurar el currículo.

•     Bibliografía:

-                     Palacios Garrido, A. (1999). Educación artística y cultura. Un proyecto de didáctica de la expresión plástica en la formación inicial del profesorado. Arte, Individuo y Sociedad, 11, 147-161.

COMENTARIO:

En los anteriores resúmenes, se puede observar la manera tan significante de unir el arte con la creatividad, ya que son calificativos inseparables; cómo reciben la asignatura los profesores de la expresión plástica y visual ; y por último, cómo aparece la asignatura de plástica en el currículo.

TEMA 2: "La apreciación plástica de 

estilos Artísticos. La necesidad de 

juicios críticos".

ARTICULO:

“HISTORIA DEL ARTE. El arte y los artistas.”

Autor: Gombrich

En el artículo, nos dice que el arte en sí, ya no existe, que eso ocurría en épocas pasadas. Ahora, sólo tenemos artistas.

El arte es algo muy complejo, ya que influyen mucho nuestros gustos, porque hay personas que les gustan más un paisaje o un retrato, una escultura, etc.  A las personas, la mayoría de veces, les gustan ver la realidad en los cuadros, cómo hizo el autor Rubens, el cual dibujó a su hijo, o Alberto Durero, que dibujo supuestamente a su madre. Los gustos varían mucho y los criterios referidos a la belleza y la expresión, ya que la expresión en ocasiones en el cuadro, hace que nos guste más o menos. Hay personas que les gustan más los cuadros o esculturas que dejan siempre algo que adivinar y que queda algo por descubrir.

Los artistas llevan a las personas a contemplar nuevos atractivos de la naturaleza, dónde nunca pueden llegar a imaginar.  Muchos de los cuadros que están colgados en museos o galerías, no se realizaron para ser de gozo artístico, sino que se realizaron para alguna ocasión, que estaba en la mente del artista cuando empezó a trabajar en ello. Esto no lo sabemos, porque no nos hemos puesto a realizar una obra nosotros mismos, no hemos tenido la idea de pintar un cuadro.

Algunas artistas no siguen un equilibrio a la hora de pintar, por eso en ocasiones nos preguntamos por qué hizo eso o quitó algo, y el caso es que el propio autor tampoco sabría contestarnos.

El gusto del arte es algo infinito y complejos, ya que se trata de descubrir algo  importante y serio. Los grandes maestros del arte, sufren por sus obras, se entregan a ellas, por eso, debemos prestar la atención que merece dicha obra y llegar a comprender lo que realizaron y quieren transmitir. Nunca se llega a aprender en lo que el arte se refiere, porque siempre hay cosa nuevas para descubrir.

Cuando observamos una obra de arte, siempre hay algo nuevo que observamos y descubrimos, parece que son inagotables. Una persona no puede decir que sabe todo de una obra, porque no se puede conseguir eso. Pero lo que sí es cierto, es que, para gozar de una obra, debe tener la mente limpia, hacerse eco de cualquier armonía oculta, un espíritu elevado por encima de todo, etc.

Por último, hay personas que pasean por museos con catálogos en la mano  y cada vez que se para en un cuadro, buscan su número con afán. Y cuando ven cual es el título, se van.  Pero las personas que han estudiado arte,  se paran a contemplarlas para buscar en sus memorias el rótulo correspondiente, y dicen cosas que han estudiado al ver nada más que al autor de la obra. Hablar del arte no es difícil, pero mirar un cuadro con ojos limpios y crear un viaje de descubrimiento sí.

• Bibliografía:

GOMBRICH, E. “El arte y los artistas”, Introducción a La Historia del Arte, pp. 15-37. ECO, U. (2004) Historia de la belleza, Lumen, Capítulo III. "La belleza como proporción y armonía", pp. 61-98.

ARTICULO:

“LA BELLEZA COMO PROPORCION Y ARMONÍA”.

Autor: Umberto Eco

v  El número y la música

Según dice el sentido común, juzgamos las cosas en bellas cuando están bien proporcionadas. Esto explica por qué desde tiempos pasados, la belleza es identificada con la proporción.

Cuando los filósofos presocráticos Tales, Anaximandro y Anaximenes comienzan a discutir cual es el principio de las cosas, pretenden que la explicación sea de un mundo ordenado y gobernado por una ley. Pero Pitágoras fue quien hizo nacer una visión estético- matemática del universo; donde las cosas existen porque están ordenadas y se cumplen unas leyes matemáticas, que son la condición de existencia y de belleza.

v  La proporción arquitectónica:

 Son las relaciones que regulan las dimensiones de los templos griegos, los intervalos entre las columnas o las relaciones entre las partes de la fachada, como los intervalos musicales. El principio de proporción reaparece en la práctica arquitectónica como alusión simbólica y mística.

v  El cuerpo humano:

 La armonía no consiste en la oposición par/impar, sino también en la oposición entre límite e ilimitado, unidad y multiplicidad, derecha e izquierda, masculino y femenino, cuadrado y rectángulo, recta y curva, etc., pero para Pitágoras sólo encuentra la perfección, lo impar, la recta y el cuadrado, si son buenos y bellos y las realidades opuestas; cómo el error, el mal y la falta de armonía. La idea de equilibrio nace entre estas dos entidades opuestas que son neutralizadas mutuamente y la polaridad, estos se vuelven armónicos porque se contraponen entre ellos convirtiéndose en simetría.

v  El cosmos y la naturaleza:

Según la tradición pitagórica, el alma y el cuerpo del hombre están sometidos en unas mismas reglas, en el que regula los fenómenos musicales y estas proporciones se encuentran en la armonía del cosmos.

La belleza aparece en el mundo cuando la materia se diferencia por peso y por número, se adquiere figura y color.  La naturaleza es el que rige este mundo, no el número.  

v  Las otras artes:

Todos los tratados de artes figurativas, revelan una ambición de artes plásticas. La presentación en perspectiva no es un problema técnico, pero interesa porque en el Renacimiento entendieron que la representación en perspectiva no solo era precisa y realista, sino que también bella y agradable con solo verla.

v  La adecuación al fin:

No hace falta tener una correcta proporción, claridad y proporción o consonancia para la belleza. Pero la proporción no es sólo la disposición correcta de la materia, sino también de la forma. La belleza es colaboración mutua entre las cosas por eso se le considera bella.

v  La proporción en la historia:

La proporción siempre ha estado vinculada con alguna filosofía de sello platónico, para que el modelo de la realidad sea las ideas y las cosas reales son solo pálidas e imperfectas. Platón considerada el arte como una imitación imperfecta de la naturaleza, que a su vez, es una imitación imperfecta del mundo ideal. A lo largo del tiempo ha habido distintos ideales de proporción.

COMENTARIO: 

En los anteriores textos, he podido ver cómo contemplar el arte hoy en día, ya que no es igual que el de tiempos pasados. También me a servido para recordar que el arte es muy complejo, y que cada persona tiene sus propios gustos y maneras de ver las obras. Y siguiendo el segundo texto, se habla de la proporción y armonía. Vemos muchas técnicas para hacer de una figura la proporción y conseguir la armonía.

LÁMINAS 6, 7, 8, Y 9

TÉCNICA PAPEL RASGADO: 

Figuras simples

A partir de trocitos de papeles simples, con formas de círculos, rectángulos,etc., he creado un paisaje.

TÉCNICA PAPEL RASGADO:

Figuras más complejas  

A partir de varios trocitos de papel, he creado una imágen más compleja que la anterior, de un niño jugando con su perro.

TÉCNICA PAPEL RASGADO:

Expresiones de un rostro.

Con círculos de papel, he creado varias caras de una niña con diferentes expresiones.

TEMA 3. 

MODOS DE VER

Autor: John Berge

Es cierto que la vista nos llega antes que las palabras, por eso, algunas veces no sabemos explicar cosas que vemos. Se confunde la visibilidad con la realidad y lo visible es un conjunto de imágenes dónde el ojo crea al mirar. Y la realidad, se hace visible cuando es percibida. 

Con la fotografía, televisión, ordenadores… se puede visualizar elementos microscópicos y también, imágenes  de hechos ocurridos en el pasado. John Berger, planteó cómo las formas de reproducción  de las obras de arte, se pueden falsear. Con la utilización de la televisión, mostró que las fotografías y la televisiva podían transmitir un significado en cada obra representada.

En 1972, se convirtió “Modos de ver” en un libro, en el cual John Berger y un equipo, querían iniciar un proceso de averiguación en el cual combina instantáneamente la percepción inmediata con lo ya aprendido y sabido, y llega a un lenguaje de sorpresas y preguntas. 

En el libro, las imágenes aparecen solas, dónde el lector a la hora de leerlo, es voluntario pensar en esas imágenes. En él, el lector podrá detenerse ante una pintura y notar su atracción.

Nunca se ha establecido la relación entre lo que vemos y sabemos. Lo que sabemos o creemos nos afecta a la hora de ver las cosas. Mirar es un acto voluntario, así que, cuando vemos queda en nuestro alcance. La visión es continua actividad, que está en continuo movimiento y aprendiendo cosas que se encuentran alrededor de ellas mismas.

Cuando las personas se presentan en una obra de arte,  se refieren a: la belleza, verdad, genio, civilización, forma, posición social, gusto, etc. Estas hipótesis ya no se ajustan al mundo tal cual es. Cuando vemos un paisaje, tratamos de situarnos en él, pero si viéramos el arte del pasado, nos situaríamos en la historia.

Según el autor, es incorrecto leer en los cuadros y hacer críticas a sus personajes. La composición de los cuadros contribuye mucho a la fuerza de su imagen. Por eso, es razonable tener en cuenta la composición.

Antes de la cámara, los hombres creían que los hombres  podían verlo todo. Pero con la perspectiva, organizaba el campo visual como si fuera lo ideal. En cada dibujo o pintura, se utilizaba la perspectiva y proponía al espectador como centro único. Fue la cámara, y sobre todo la de cine, la que demostró que no era el centro. Esto cambió la manera de ver del hombre, que lo visible llegó a significar algo distinto y se reflejó en la pintura.

Los modernos medios de reproducción, han destruido la autoridad del arte y han sacado las imágenes que reproducen de cualquier corto. Muy pocas personas, saben lo que está ocurriendo,  porque los medios de reproducción son utilizados para promover la ilusión de que nada ha cambiado.

El arte del pasado, ya no existe como antes porque ha perdido autoridad. Ahora, lo que importa es el uso del lenguaje y para que se usa.

Comentario:

En el anterior texto, se habla de la importancia que tiene la vista, y la manera que tenemos de ver las obras de arte.  Con la visibilidad, podemos viajar en un cuadro en el presente o en tiempos pasados, y gracias a ello, tenemos la posibilidad de hablar de dichos cuadros según cómo veamos a través de nuestro sentido de la vista.

TEMA 4 

ARTE, EDUCACIÓN Y CREATIVIDAD

Juan Carlos Arañó Gisbert

En este artículo, el concepto de creatividad se plantea en las artes plásticas y visuales. Para dar una valoración objetiva de la creatividad, se considera los conceptos de:

•  Realidad
• Belleza
•  Naturaleza
•   Conocimiento
•  Producción
•   Novedad
•    Libertad
•  Futuro

Con la existencia de clases sociales, se demuestra que las personas están habitadas en medios diferentes, y con esto, cada grupo de personas viven en lugares también diferentes; pero se parecen entre sí en sus conductas, actitudes, valores, normas…

La Cultura se entiende como un conjunto de formas simbólicas, acciones intencionadas, objetos y expresiones de varios tipos, trasmitidos y recibidos en contextos específicos.

La cultura deriva su carácter específico, su valor intelectual y moral, de la forma que esta materia adopta, de su estructura formal.

La filosofía de las formas simbólicas parte que existe una alguna definición de la naturaleza o esencia del humano, y debe ser entendida como una definición funcional y no sustancial.

El Arte se puede considerar como un fenómeno cultural, de carácter universal, el cual afecta a todas las personas, grupos sociales y culturas. Si se entiende la cultura como un sistema, el arte constituye un subsistema que está incluido en él; así que se encuentra relacionado con las demás manifestaciones culturales y a los modos de transmisión cultural.

El Arte se define de muchas maneras:

v  Semánticamente: Proviene del griego tejnè, con el que se aludía la destreza que se requiere para construir algo. Su traducción romana bastante literal en cuanto a su significado ARS, dio lugar a la raíz de las palabras que identificaban las lenguas con ciertos orígenes latinos.

v  Antropológicamente: Se relaciona con la manifestación productiva de una cultura o civilización.

v  Estéticamente: Alude su vínculo con la Belleza.

v  Económicamente: Se refiere al valor crematístico del producto de ese arte, a sus posibilidades comerciales.

v  Políticamente: Está relacionado con la inmensa capacidad de especulación que permite ese “valor” del producto.

v  Subjetivamente: Se une al significado de la regla o norma con la que se ha de realizar la producción artística.

v  Materialmente: posee la referencia al resultado formal de esa producción, al objeto material en sí.

v  Sociológicamente: La obra de arte puede entenderse como un valor existencial, individual o colectivo, como una declaración del ser humano.

v  Psicológicamente: Su interés se centra en los efectos que produce la experiencia estética o artística sobre la audiencia.

v  Popularmente: Toma la acepción de todo saber no metódico, poco riguroso, opuesto a ciencia y que para ejercitarlo se necesitan más cualidades o talento que capacidad intelectual.

Gadamer (1967) nos da tres razones para explicar la situación:

v  El inmenso progreso obtenido por la CIENCIA MODERNA NATURAL.

v  Como consecuencia de este progreso la RACIONALIZACION creciente de la sociedad.

v  Y como consecuencia de las dos anteriores el rumbo TECNICO Y CIENTIFICO dado a la dirección social de nuestra época.

La Educación Artística es definida por distintos autores:

Kubler (1988) enfatizó el carácter del pasado que tiene el Arte. No es posible hablar de arte sin la referencia a la obra realizada y considerada como artística.

En los tiempos más antiguos, Aristóteles lo entendió como “el saber y la capacidad de producir”.

Gadamer(1991) profundiza en las aportaciones de Kant y nos sitúa a la experiencia artística vinculada al juego, símbolo y experiencia.

Durkheim (1983) comenta que por otro lado, la educación se presenta como un perfeccionamiento de la persona. Esto se produce en los seres inteligentes con la coordinación de sus movimientos a la vez que se desarrolla la mente.

En el aprendizaje significativo, toda la actividad humana comienza en la observación. También el aprendizaje o construcción de nuevos conocimientos, comienza con la observación de acontecimientos u objetos, o ideas que comienzan con conceptos previos que ya poseemos. La enseñanza trata de construir el enlace estructural del conocimiento a partir de las proposiciones que formas los conceptos, y a su vez, el significado.

COMENTARIO:

En el texto que he realizado, aparece los diferentes puntos importantes del concepto de creatividad en el arte plástica y visual. También está reflejado las definición de arte y la importancia que tiene en nuestra sociedad.

LÁMINAS 12 Y 14

TÉCNICA PAPEL RASGADO:

Realización de un cuadro

He creado con papeles rasgados, un cuadro muy famoso de Joaquín Sorolla "El Balandrito"

AMPLIACIÓN DE UN DIBUJO SIMPLE:

CON CUADRÍCULA

He ampliado un dibujo de un bebé a partir de una cuadrícula de 3 cuadros verticales, y otros 3 horizontales. 

TEMA 5

HERRAMIENTAS DEL LENGUAJE VISUAL

Las herramientas del lenguaje visual son:

1.    De configuración

2.    De organización

Mediante estas herramientas,  el creador consigue que cada espectador interprete diferentes mensajes, aunque las representaciones visuales, no tienen una lectura cerrada, las herramientas seleccionadas delimitan los significados para estructurar los mensajes.

1.    HERRAMIENTAS DE CONFIGURACIÓN

EL TAMAÑO:

Es lo primero que debe considerar un profesional del lenguaje visual para crear un producto efectivo y las dimensiones físicas del producto visual. Se selecciona en relación con la escala del espectador, y a través de un sistema de comparación, se produce una relación física con la representación visual; más grande o más pequeña.

Los criterios de selección de la herramienta de tamaño son:

-       El impacto psicológico

-       El efecto de notoriedad

-       La comodidad de manejo o de ubicación

LA FORMA:

Es la determinación exterior de la materia, los límites exteriores del material visual. Se puede clasifica en dos grupos:

-       Formas orgánicas o naturales

-       Formas artificiales

Mediante el recurso formal, el constructor de imágenes puede trabajar desde tres niveles:

•  Selección de la forma del producto visual como objeto: Son las características visuales de los límites físicos de la representación visual.
• Selección de la forma del contenido del producto visual: El autor del mensaje otorga significado, tanto en la forma del contorno de la representación visual en sí misma como en la forma de los contornos de los objetos contenidos en dicha representación visual.
• Selección de la forma del espacio que alberga al producto visual: Forma parte del significado.

EL COLOR:

Es una herramienta visual cargada de información, por lo que es uno de los recursos más importantes para trasmitir significados a través del lenguaje visual. Para hacer un buen uso de esta herramienta, el profesional del lenguaje visual ha de saber que existen dos tipos de colores:

•   Los colores – pigmentos: son los que trabajan el color como materia y que se pueden tocar físicamente (cian, amarillo y magenta).
• Los colores luz: Tienen carácter intangible (rojo, verde y azul)

LA ILUMINACIÓN:

Trasmite el significado desde dos niveles.

-       Tipo de iluminación que elige en autor en el contenido intrínseco del propio objeto.

-       Tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde su exterior.

Y los criterios de selección de la iluminación son:

-       Tipo de fuente: natural o artificial.

-       Cantidad: claves altas o claves bajas.

-       Temperatura: caliente o fría.

-       Orientación: a favor de lectura, a contralectura, picado o contrapicado.

LA TEXTURA:

En cualquier representación visual se trabaja dos tipos de textura:

•  La textura del soporte
• La textura de los materiales que se aplican sobre el soporte.

 2. HERRAMIENTAS DE ORGANIZACIÓN

LA COMPOSICIÓN:

En la construcción de un producto visual, el último paso es la ordenación de las herramientas del lenguaje visual dentro del espacio que abarcan los límites del soporte. Es el primer elemento que analizamos dentro del grupo de las herramientas de organización.

Componer una imagen es ordenar las herramientas en función del mensaje que se quiere transmitir.

LA RETÓRICA VISUAL:

Es la herramienta de organización que se utiliza para interconectar los distintos significados de los conceptos del producto visual.

Las figuras básicas son:

• Sustitución: Metáfora, alegoría, metonimia, calambur, prosopopeya.
• Comparación: Oposición, paralelismo, gradación.
• Adjunción: Repetición, epanadiplosis, hipérbole, préstamo
• Supresión: Elipsis. 

COMENTARIO:

 En el anterior texto, nos habla del lenguaje visual y que a través de él, el espectador pueda interpretar diferentes mensajes, aunque las representaciones visuales no son lecturas cerradas. Para ello, nos menciona diferentes herramientas: de configuración y de organización.

TEMA 6

LA CONQUISTA DE UN CONCEPTO 

DE LA FORMA. La fase esquemática 

de 7 a 9 años.

 Para algunos niños, el esquema puede ser un concepto muy rico, y para otros, un símbolo bastante exiguo.

El esquema de un objeto puede estar determinado por la forma en que un niño ve algo, por las experiencias con el objeto, por las impresiones táctiles del mismo, o por cómo funciona o se comporta el objeto.

Las imágenes mentales que tiene un niño de los objetos de su entorno son el resultado de un proceso mental.

Los dibujos esquemáticos:

El esquema consiste en formas geométricas que pierden su significado cuando se separan del todo. Para hacer el cuerpo se usan óvalos, triángulos, cuadrados, círculos o formas irregulares. El esquema medio que tiene un niño de 7 años incluye la mayoría de elementos del cuerpo, y es importante la simetría del cuerpo.

El esquema espacial:

El niño ya no piensa. Todos los objetos que tienen una relación espacial común, lo expresa colocándolo en una línea básica. Esta línea es universal y se puede considerar parte del desarrollo natural infantil.

La línea básica como parte del paisaje:

Cuando un niño dibuja o pinta un paisaje, la línea básica es la base dónde descansan las cosas y para representar la superficie del paisaje. En estas edades, es raro que el niño dibuje sin nada que esté referido a la línea básica en un dibujo.

A veces, los niños no usarán la línea básica, sino que ponen los objetos o personas en un círculo.

Las representaciones en rayos X:

Es otro modo no visual para representar puntos de vista distintos que no podrían verse al mismo tiempo.

Las representaciones de tiempo y espacio:

Incluyen en un dibujo secuencias temporales diferentes o impresiones espaciales distintas. El objetivo es contar historias. Por eso, los dibujos aparecen representados en varios episodios.

Significado del color y el diseño:

El niño descubre naturalmente que existe una relación entre el color y el objeto. El niño dibuja del modo más objetivo y ya ha desarrollado las relaciones espaciales definidas. Y el color lo ha descubierto con una relación determinada semejante.

Aunque hay niños que usan colores comunes para objetos concretos, cada uno desarrolla relaciones personales.

Los dibujos esquemáticos como reflejo del desarrollo:

Para el niño, los objetos pueden tener un significado o carecer de él, depende de las relaciones emocionales y de la comprensión intelectual. El conocimiento activo del niño, revela su concepto del mundo que lo rodea y su interés por ello, y esto se expresa en los dibujos.

Motivación artística:

La motivación que debe usar un docente para diferentes niveles de edad, son las necesidades de los niños durante cada fase de desarrollo concreta. La tarea del profesor es estimular la conciencia y la atención de los niños. Es importante crear un ambiente excitante que sea flexible y abierto a las sugerencias de los niños. Cualquier motivación debe originar y estimular un intenso deseo de crear una obra significativa.

COMENTARIO:

Podemos observar en el texto varias técnicas importantes que utilizan los niños de educación primaria en edades de 7 a 9 años y cómo motivar a los niños en estas edades.

LÁMINA 18

IMÁGEN CON 6 ADJETIVOS

He creado 6 dibujos animados e inanimados con la utilización de 6 adjetivos. El personaje animado es una mariquita, y el inanimado es una flor.

TEMA 7 

TEORÍA DE LA ENSEÑANZA 

ARTÍSTICA

   La enseñanza del dibujo, se apoyaba en un sistema tradicional, la forma organizada, la geometría. La didáctica  que se utilizaba era intuitiva y estaba basada en técnicas tradicionales, en el estudio de anteriores maestros, los cuales, sobre la marcha, corregían los ejercicios de los alumnos.

En las Escuelas Superiores de Bellas Artes, la especialidad era la rama de pintura. Actualmente, en las facultades de Bellas Artes, han añadido más materias de interés, cómo la educación estética, investigación dirigida, diseño, teoría de la forma…

Eisner considera que los dominios de aprendizaje artístico son:

-       El productivo

-       El crítico

-       El histórico

Desde el papel del profesor  y productor del arte, se contempla varias orientaciones:

1.    La educación por el arte: Se utiliza el arte para todos los aspectos de la educación.

2.    La expresión plástica entendida como lenguaje: El arte plástico es totalmente expresivo y comunica a las personas a través de lo representado.

3.    La expresión plástica como actividad creadora: Pretende transmitir los hábitos creativos de las actividades plásticas y humanas.

4.    Tradicional entendimiento de la actividad plástica como una  extensión de la artesanía: Sigue la tendencia tradicional de entender la educación artística.

5.    Tendencia actual orientada al diseño: Nace a partir de la era industrial y la necesidad de dibujar. Primero atiende a los aspectos técnicos y los acabados estéticos. Y el diseño hizo crear la expresión-plástica.

6.    La expresión plástica como elemento globalizador de la educación.

7.    Desarrollo de la sensibilidad estética.

8.    Educación de la visión artística: Eisner plantea una visión progresiva de las relaciones entre las didácticas generales, diferenciales y específicas.

En cuanto a las necesidades de la Educación Artística, presenta un momento histórico de una cultura, una sociedad, un pueblo, una región. El arte tiene una rama de dibujo técnico, el cual es imprescindible para la industria y las ingenierías. Pero desde los clásicos del griego, las Bellas Artes, se han clasificado como no útiles, no prácticas. Pero todo lo que produce placer, felicidad, dónde la persona se esfuerza, es arte.

La necesidad de la educación artística se justifica por:

-       Ser históricas: A través de la historia se ve la latencia del arte.

-       Ser biológica: La producción de imágenes, el arte plástico es algo innato en las personas y cualquier niño siente la necesidad y deseo de dibujar; y es aquí dónde pueden expresarse sin ayuda.

COMENTARIO:

En el anterior artículo, se ve reflejado las características y diferencias del Arte antiguo y el actual, basado en técnicas tradicionales.

TEMA 8

EL HIPERDESARROLLO DEL LENGUAJE VISUAL

Para llegar a las cotas de hiperconsumo en las que el individuo se sitúa en la actualidad, fue necesario pasar del desarrollo del lenguaje visual al hiperdesarrollo del lenguaje visual. Tres factores son los que causan esta situación:

1.    Desarrollo de la técnica: De la rueda al robocop.

El autor nos habla de la diferencia de que existe en las películas de ahora, con las de antes, cómo ejemplo pone la película de Hook. En apenas 50 años, la técnica ha producido un cambio muy grande de la técnica, cómo el móvil que llevamos encima a todas partes. El móvil, es un ejemplo básico de hiperdesarrollo del lenguaje visual que está asociado a la técnica, porque el hardware, está vinculado de forma directa a la capacidad de crear imágenes.

Los principales progresos que ha habido en la técnica del lenguaje visual son:

-       1827: Nacimiento de la fotografía.

-       1900: Desarrollo de la imprenta

-       Años sesenta: Nacimiento de la televisión.

-       Años setenta: Perfeccionamiento de los sistemas de tratamiento de las representaciones visuales.

-       Años ochenta- noventa: Perfeccionamiento de los sistemas de transmisión, Internet.

-       A partir de 2000: Desarrollo continuo e imparable de nuevos productos en la web.

2.    Espectacularización de los mensajes visuales: De la Venus de Willendorf a Pamela Anderson.

El hiperdesarrollo del lenguaje visual está auspiciado por las nuevas tecnologías, las cuales producen multiplicación de imágenes en todos los aspectos de nuestras vidas.

Los individuos son sumergidos en una existencia pasiva para adquirir la mayor cantidad de productos posibles y exhibir la compra inmediata.

3.    Desarrollo del hiperconsumo: Nike como Currículum

El deseo es provocado por una incitación omnipresente pero velada, que está trabajada desde un segundo plano, oculta si no sabemos mirarla bien, porque lo que se dice a través del lenguaje visual no puede ser trasmitido a través de otros lenguajes.

Un mensaje explícito mediante el lenguaje escrito, es incorrecto, ya que no es igual si lo decimos con un carácter visual.

Por eso, el mundo- imagen no es la consecuencia, sino el motivo, del consumo-mundo. Para que se produzca el hiperconsumismo es necesario hiperestimularlo visualmente para que cree en la persona la necesidad de comprar, de querer renovar, de ir a IKEA…

Todas las características de la sociedad están ligadas al hiperdesarrollo del lenguaje visual, el cual funciona como artilugio del deseo. Hay que aprender a desarrollar la capacidad absorber e interpretar la información visual, y para ello, la educación artística tiene mucho que ver con el mundo- imagen.

COMENTARIO:

      En el anterior texto, el autor del libro, nos habla del lenguaje visual, el cual está basado por un hiperdesarrollo de mensajes visuales que nos hacen ver en la televisión o en revistas, y que con ello, llegamos a ser hiperconsumistas sin necesidad de tener que comprar.

LÁMINAS 25 Y 26 

Realización de imágenes basadas 

en el libro de Quentin Blake y John Cassidy

He creado este dibujo a través de una taza y un vaso alto lleno de lápices, pincel, regla, goma de borra y bolígrafos.  

AMPLIACIÓN DE UN DIBUJO SIMPLE

SIN CUADRÍCULA

He dibujado un león sin utilizar cuadrícula y luego lo he pintado con rotuladores.

TEMA 9 

EXPERIENCIA

El siguiente artículo presenta un programa educativo llamado “Explora Guernica” del museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid.

Este programa une diferentes formas y canales que están presentes en la percepción, y trata de acercar la obra a los visitantes con discapacidad visual, oído y el tacto; descubriendo el enorme mural de Pablo Picasso.  Es muy importante percibir el lienzo con los sentidos, y por supuesto, hacerlo con el corazón, con la cabeza, e incluso el estómago.

v  Descripción de la actividad

El Guernica es una obra de arte viva y actual y se percibe por sus términos de formas, líneas y colores, también porque es historia y presente.

Explora Guernica emplea estrategias de tipo háptico, auditivo, táctil y visuales. Aporta también una narración histórica de los hechos que permite introducir evocaciones de estímulos olfativos, auditivos y táctiles que están presentes en el bombardeo de Guernica.

El diseño del Explora Guernica fue realizado junto con cuatro audiodescripciones adaptadas a algunas de las obras más importantes de la exposición.

v  Diseño de los materiales táctiles

Para las personas con discapacidad es necesario contar con una adaptación táctil, para reforzar y potencias las explicaciones verbales sobre las características formales de la obra y las figuras que componen.

Decidieron utilizar los diagramas táctiles sobre papel microcapsulado. Éste fue elegido por la gestión directa desde el Museo del diseño y producción de las láminas, la posibilidad de introducir modificaciones, la rapidez de ejecución y la posibilidad de realizar todas las copias que fuesen necesarias. De este modo, los participantes pueden conservar los diagramas cuando terminan la actividad.

v  Desarrollo de las sesiones educativas

El objetivo general del programa es:

-        Impulsar el acceso al conocimiento y disfrute de las colecciones del Museo  por parte de las personas con discapacidad visual, cómo las valoraciones de las artes plásticas como un medio efectivo, el cual se acerca a la cultura para entender la historia y la sociedad actual.

v  Condiciones de participación

La actividad de Explora Guernica es gratuita. El educador es el encargado de adecuar la visita a las necesidades e interés de cada participante o grupo que visita la actividad.

Aunque el programa se dirija específicamente a personas con discapacidad visual, su diseño y metodología es flexible; y permite que puedan participar más personas simultáneamente con un número limitado.

v  Metodología

La metodología se adapta dependiendo de cada grupo o persona que participe, pero las sesiones se estructuran en cuatro partes:

-       Visita a las salas de exposición.

-       Explicación verbal de Guernica

-       Exploración de los diagramas táctiles sobre el papel microcapsulado.

-       Realización de un taller de creación.

COMENTARIO:

En el anterior texto, nos habla del museo de Arte de Reina Sofia, dónde se encuentra la obra de Guernica de Pablo Picasso. En éste museo se encuentran actividades para personas con discapcidad visual, y está adaptada la obra del Guernica para que puedan entenderla a través de los sentidos.

TEMA 10 

DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA O EDUCACIÓN ARTÍSTICA

La didáctica de la Expresión Plástica es el área de conocimiento, el cual tiene como objeto de estudio la educación artística y estética, los procesos de enseñanza y de aprendizaje de las Artes, las Culturas y las Comunicaciones Visuales.

Se considera la Didáctica de la Expresión Plástica  de manera que hay que enseñar a dibujar a los niños en los colegios. No sólo estudia las situaciones y acontecimientos que se producen en los colegios, sino que también, el conjunto de actividades formativas y educativas que son producidas en diferentes instituciones y agencias sociales. 

 No sólo pregunta cómo hay que hacerlo, en qué circunstancias y contextos, con qué medios e instalaciones, a qué nivel de calidad…

Es una disciplina interdisciplinar profesionalizante, cuyo objeto de estudio propio es el aprendizaje artístico. Surge desde el punto de vista institucional, de doble necesidad: por una parte dotar de una formación pedagógica y por otra,  una formación artística al profesorado de Educación Infantil y Primaria.

La Educación Artística Multicultural destaca los valores artísticos y estéticos de las obras de arte y de la cultura visual de todas las culturas, ya sean históricas o contemporáneas.

Los conceptos de entorno medioambiente y ecología se han introducido de forma notable en el territorio del arte, el diseño y la arquitectura, así como en el arte.

Una de tareas de mayor impacto social de las nuevas tecnologías han sido la cantidad de imágenes que se producen. El desarrollo de las imágenes a través del ordenador da origen a nuevas técnicas, sistemas y lenguajes visuales. El punto de vista postmoderno sostiene que la Educación Artística debe propiciar los procesos discursivos de discreción, de la compleja a cualquier tipo de imagen para cualquier espectador.

El arteterapia lleva a cabo actividades artísticas que se llevan a cabo en su plenitud e intensidad, el cual pone en juego los aspectos y dimensiones humanas de cualquier conducta. El uso de las actividades artísticas con funciones terapeúticas, el objetivo es el proceso emocional y cognitivo que se pone en juego. Esta terapia se está utilizando en muchos contextos para aplicaciones particulares.

Las manifestaciones artísticas son necesarias para que medien procesos de enseñanza y aprendizaje estructurados para que este tipo de saberes se pueda trasmitir de generación en generación.

A historia de la formación de artistas y artesanos se articula de forma tentativa en tres fases:

a)    Desde la Antigüedad al Renacimiento

b)   Desde el Renacimiento hasta la Revolución Francesa: las Academias de Bellas Artes.

c)    Los siglos XIX y XX.

La formación del profesorado y de especialistas en artes visuales, están vinculadas al desarrollo de las Escuelas de Magisterio y centros de Formación del Profesorado.

La Didáctica de la Expresión Plástica está situada en la intersección entre los fenómenos artísticos y educativos, y con el conjunto de las ciencias humanas, sociales, naturales y tecnologías. 

COMENTARIO:

En el anterior texto, explica qué es la didáctica de la Expresión Plástica y de dónde proviene. Esto es muy importante estudiarlo, ya que como futuro docentes, debemos tener en cuenta dicho tema.

LÁMINAS 31, 36, 37,43,44

Mezclas de colores con acuarelas

A partir de los colores: blanco, amarillo, naranja, rojo, marrón, verde claro, verde oscuro, azul claro, azul oscuro y negro, he mezclado todos ellos seguiendo un orden .

Huella de dedos y rotuladores

Con las manos y dedos, creé varias huellas; y a partir de esto, con un rotulador, iba haciendo dibujos.

Proyecto jarrón

Con la utilización de arcilla, he creado un jarrón y luego lo he pintado con acrílico, y finalmente, lo he barnizado. 

Creación de juego 3 en rayas

Con arcilla he creado un juego de 3 en rayas de dos animales distintos: ranas y mariquitas. Luego he pintado las figuritas y la base del juego con acrílico, y por último, las he barnizado.